Slowdive: Sugar for the Pill (Primavera Sound 2018)

He tenido que esperarme unos días, a ver si aparecía el vídeo de este tema publicado, confiando en que así fuera. Y aquí lo tenemos. Desde luego no alcanza la perfección, la magia, la profundidad de esa inconmensurable toma de estudio, pero como es un gran tema, tenía curiosidad y creía que valía la pena verlos en directo. Y… hasta dentro de unos cuantos días…

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Tom Verlaine: Stalingrad / 5 Hours From Calais / Storm / Cry Mercy Judge

Tengo estos dos vinilos, y sobre ellos quiero llamar la atención. Y sobre este señor: Tom Verlaine, el que fuera líder y fundador del grupo Television. Una formación pionera en el punk rock, el post punk, el art punk —es decir, todo el desarrollo de la música punk— y también de la música alternativa y la new wave. Tocaron en el local neoyorquino CBGB, un garito que ya mencioné en otra entrada, pues allí es donde se gestó en buena parte la new wave, y allí actuó también Willy DeVille con su banda primigenia Mink DeVille.

Verlaine prosiguió después con una carrera en solitario. De 1990 es su álbum The Wonder —el sexto—, un disco que efectivamente es una maravilla. Verlaine es un gran guitarrista y estos temas tienen pulsión rockera, pero a la vez sabor post punk, new wave y factura pop en muchas ocasiones. Atención a la guitarra y en especial a algunos solos

5 Hours From Calais es —aunque me repita— una auténtica maravilla, con ese pasaje instrumental tan bonito que podría recordar a un organillo, pero que es otra cosa. Qué hermosa canción, tan evocadora…

Todavía un tercer corte de este disco. De nuevo una gran guitarra en un buen tema. Storm

De 1987 es su anterior álbum, Flash Light, donde está incluido probablemente uno de sus mejores temas, y de los más conocidos. Cry Mercy Judge es demoledor; atención al ritmo, a la instrumentación, a esos detalles, esa guitarra. Tremendo…

La música, en el fondo la música es lo más importante, lo que quiero transmitir y compartir y con lo que quiero en cierta manera “expresarme” y “hablar”. La música es lo que también te ayuda a superar y sobrellevar ciertos momentos, por qué no decirlo…

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Gorillaz (en el Sónar 2018) y Queen en Barcelona

En una ciudad tan grande y cosmopolita como Barcelona, verdadero hervidero de cultura, la actividad musical no se detiene, para nada…

Estos próximos 14, 15 y 16 de junio tiene lugar el festival Sónar —en su edición número 25—, uno de los eventos musicales de más peso en la ciudad, aunque quizá no tan multitudinario como un Primavera Sound. Se centra —pero no ciñéndose exclusivamente— en la música electrónica. Y Gorillaz va a ser uno de los platos fuertes del festival. Me encantan Gorillaz, como alguna vez he manifestado. Esa habilísima mezcla de pop con música electrónica, música de baile —el dance con sus infinitas variantes—, hip hop, funk, rock y gotas de muchas otras cosas. Una banda virtual con cuatro integrantes virtuales…

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El proyecto, liderado por Damon Albarn —miembro y fundador a su vez del grupo de britpop Blur, que todavía se mantiene activo— y Jamie Hewlett, ha vendido millones de copias de sus discos, ya desde el primer álbum, teniendo en cuenta que estamos en la era digital, de descargas, streaming, etc., etc. Obvia decir —se me ha pasado— que cientos y cientos de imágenes de Murdoc y compañía se pueden encontrar en la red. Y que sus legiones de fans deben contarse no ya por miles, sino por millones. Cúanto, cuantísimo he escuchado y disfrutado de sus tres primeros discos: Gorillaz, Demon Days y Plastic Beach. De verdad, de verdad, de verdad que recomiendo mucho su escucha: me parecen buenísimos y en especial el segundo, absolutamente sensacional. En su estilo, claro está, no lo olvidemos: pop con fusión e influencias de todo lo citado.

Aterrizan en Barcelona y eso es una gran noticia. Traigo aquí un par de vídeos de actuaciones muy recientes. El primero, en la ciudad paraguaya de Asunción: el festival Asuncionico (20, 21 y 27 de marzo). La gente salta de júbilo con uno de los mejores temas del grupo. Normal. On Melancholy Hill

Segunda actuación: interpretando el tema El Mañana en el festival Vive Latino (17 y 18 de marzo en Ciudad de Méjico)…

Por otro lado tenemos a Queen. La mítica banda británica vuelve a Barcelona para dar un concierto este próximo domingo. Llegan con el cantante norteamericano Adam Lambert haciendo las veces de Freddie Mercury. Recordemos que Mercury murió en 1991 y que Lambert lleva cantando con la banda desde el 2011. En justicia se hacen llamar Queen + Adam Lambert. También vale decir que Lambert ha desarrollado una carrera en solitario —tres álbumes publicados; ya gozaba de popularidad previamente a esta colaboración—, y que la banda aún conserva como miembros originales a Brian May (guitarrista) y Roger Taylor (batería). Su última actuación en la Ciudad Condal fue el 22 de mayo del 2016. De esa noche rescatamos un par de vídeos. Somebody to Love, uno de los innumerables clásicos de la banda…

Seguro, seguro que a Adam Lambert ya le habrá llovido más de una crítica: que si es más frío, que si no da la talla, que no tiene la fuerza ni el carisma de Freddie Mercury. Partiendo de la base de que Mercury es y será siempre único e insustituible, hay que decir que Lambert se encuentra en una situación nada fácil: tiene que competir ni más ni menos que con una auténtica leyenda del rock. Chúpate ésa. Puesto que creo que el chico no lo hace nada mal —aunque nunca será ni puede ser Freddie, es obvio—, debo decir que merece mi aplauso y todo mi respeto: ha de cumplir con su papel y con su trabajo, incluso huyendo de posibles comparaciones, y que es gracias a él —y a echarle un enorme valor encarando el micrófono y encarnando un show— y a sus compañeros que podemos seguir disfrutando de inmortales clásicos del rock. Sería, por hacer una comparación parecida aunque con ciertas diferencias, como la situación que vive Jake Clemons, sobrino de Clarence Clemons, cuando entró a sustituir a éste tocando el saxo en la E Street Band de Bruce Springsteen. ¿”Agarrarse a” y “enrocarse” en el pasado, o aceptar los cambios y seguir rememorando y disfrutando? En el fondo… ¿cómo era aquella expresión? Ah sí, por supuesto (y de eso se trata): The Show Must Go On

Vuelvo para “dar la paliza” un poquito más con Gorillaz. Puedo imaginar que para los más seguidores del rock, los temas y el estilo de esta banda pueden despertar susceptibilidades y dejarles bastante fríos. Pero… ¡¡no!! ¡¡Joder, hostia!! En concordancia con el eclecticismo del que me siento bastante orgulloso, debo insistir en que especialmente esos tres álbumes citados están muy bien: cargados de inmediatez, de buen pop sin renunciar a la experimentación, de auténticos hits, de una alegría naïf que se contagia. Por eso, si no conoces la mayoría de sus canciones, ahora tienes una “oportunidad de oro” de adentrarte un poco en su repertorio. Ya ha aparecido antes, pero tanto la canción como el vídeo oficial me parecen maravillosos, así que repetiremos. La estética, la animación no son aquí una cuestión menor. On Melancholy Hill

¡Y pensar que el siguiente tema (y vídeo) me dejó bastante frío tras las primeras escuchas! Tuvo que pasar cierto tiempo para que “cayera” y me diera cuenta de que tiene un ritmo irresistible, de que se trata en realidad de un temazo. Pop con gancho. Volvemos a lo de siempre: es casi imposible que un tema —y menos todo un álbum— te atrapen totalmente a la primera. Pido “especial atención” a esa mezcla que se cuela con tanta naturalidad pero que tiene su mérito: partes rapeadas, cajas de ritmo, sintetizadores, coros. Hace meses que venía pensando dedicarle una entrada. No importa. Stylo… un vídeo impagable donde aparecen algunos de los tópicos del cine norteamericano: desiertos, persecuciones de coches, tíos muy malos y tiroteos. And featuring Bruce Willis!!

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Repaso al Primavera Sound 2018

El aclamado, exitoso y heterogéneo festival Primavera Sound, en su edición del 2018, bajó el telón este pasado domingo día 3. Un festival cuyas actuaciones principales se concentran, hasta altas horas de la madrugada, justo al ladito de donde trabajo, como he comentado en alguna ocasión. Sin embargo no asistí ninguno de esos días (del 30 de mayo al 3 de junio), por trabajar y madrugar todos esos días, y también por un tema puramente logístico: todos los pases, tanto diarios como globales, suelen agotarse con mucha antelación en la venta anticipada. Aunque pagues un dinero, asistir una tarde-noche supone pegarse un maratón de música… Sabe mal, sin embargo, perderse a tanto artista del agrado de uno, así que estas noches me he desquitado viendo unos cuantos vídeos.

Un cartel considerable, por no decir bastante o muy bueno, con nombres muy conocidos, preferentemente de la escena indie —aunque la etiqueta “indie” a mí personalmente me parece bastante absurda y diluida en nuestros días—. Muchos de esos grupos o artistas han desfilado por este blog, recientemente o hace meses. Verbigracia: el dúo Ibeyi, The War on Drugs, Car Seat Headrest, Christina Rosenvinge, Cigarettes After Sex, Rostam, Slowdive, Deerhunter, Waxahatchee, Rhye, The National, Lykke Li… Además han actuado nombres de gran relieve en la escena internacional, sin ir más lejos Björk, Nick Cave, Arctic Monkeys o Father John Misty, por citar a algunos.

No es pretensión de esta entrada hacer una crítica de cada uno de los artistas o analizar en profundidad su estado de forma a su paso por el festival. Tan solo hacer un rápido repaso de algunas canciones. Empecemos por los mismos Arctic Monkeys con uno de sus temas más conocidos, Do I Wanna Know?

Waxahatchee pasaron por este blog y también por el festival. Como ya conté en su día, con un último disco que ha tenido muy buenas críticas. Qué hermosa es esta canción, atención a esa sencilla melodía y a su talento compositivo (hacía semanas que no la oía)…

Björk es uno de los grandes nombres de la escena mundial, y ha sido un lujazo tenerla en el festival. He escuchado la versión de The Gate y no me ha convencido demasiado en directo —un buen tema, aunque algo repetitivo—, así que nos quedaremos con Isobel, uno de los más conocidos de la islandesa. Dicen las críticas que su actuación fue de lo mejor de todo el cartel. Además, digámoslo claro, este año la presencia femenina ha sido muy destacada…

Nick Cave con su Push the Sky Away… El australiano, con su personal y potente voz, borda este tema. Hermoso e hipnótico de verdad, daba título a un disco suyo publicado en el 2013. Concretamente en este vídeo presenciamos una escena cuanto menos curiosa: unos jóvenes suben al escenario; Cave y el chico se quedan mirando el uno al otro, y Cave parece hasta un poco impactado. Incluso provoca ciertas risas en el público. Hay que decir, para los que no lo sepan —por lo menos eso es lo que me vino automáticamente a la mente— que Cave perdió a su hijo adolescente de 15 años, en julio del 2015, al precipitarse éste por un acantilado (había consumido LSD). Cave reflejó el dolor y esa pérdida en su disco del 2016, Skeleton Tree, aclamado por la crítica como uno de los mejores de ese año. Sí, eso me vino a la mente: reminiscencias profundas en el alma del australiano, aunque puedo equivocarme. Merece la pena, y mucho, ver y escuchar esto…

Vamos con los británicos Slowdive. Como expliqué también hace semanas, emblemáticos y veteranos exponentes del shoegaze y el ambient pop. Solo puedo deshacerme en elogios: ex-ce-len-tes, qué gran sonido, tan cuidado. Magníficas canciones y desbordando talento e intensidad. Slomo, uno de sus temas más legendarios…

No Longer Making Time… guitarras evocadoras en un tema espectacular e intenso…

Hablar de gran sonido es hablar también de The War on Drugs, aunque en unas coordenadas estilísticas totalmente distintas. Como apuntó cierto crítico con un deje algo despectivo, mezclando cansina y anacrónicamente a Springsteen y Arcade Fire. Pero qué bien lo hacen. Grandes guitarras, lirismo por los cuatro costados. Nothing to Find

An Ocean in Between the Waves, de su disco Lost in the Dream (2014), otra dosis de rock lírico…

El grupo The Breeders con el tema Cannonball, uno de sus más conocidos y contundentes…

Aquí atacan el sensacional Gigantic de The Pixies, y es que no en vano Kim Deal, la líder del grupo, fue la bajista en su día de la emblemática banda…

La compositora y cantante sueca Lykke Li, con su dulce voz y gran talento, y tras haber sido madre, parece que vuelve a los escenarios. Ya ha aparecido la sueca varias veces en este blog, sencillamente porque me encanta (por ejemplo hablé de ella en el grandísimo e irresistible I Follow Rivers). Pero vamos a quedarnos con otro tema suyo que es realmente precioso, Sadness Is a Blessing

A The National, otro de los grandes grupos del panorama actual, ha de ser un lujazo verlos en directo —aún no he tenido el placer—. “Temazo, temazo, temazo”, dije en su día de la siguiente canción. Es tan soberbia en su versión de estudio —grabada como el resto del álbum en una hermosa cabaña de madera— que traspasarla a los escenarios casi implica que va a salir desmerecida. The System Only Dreams in Total Darkness

Aseguran también las críticas que Jane Birkin y Charlotte Gainsbourg se erigieron por méritos propios entre lo más destacado de las actuaciones. Ambas compartieron cartel, aunque por separado. Curiosa historia. Madre e hija, la primera la musa del polifacético cantante Serge Gainsbourg; la segunda, hija de la relación que mantuvieron Jane y Serge durante doce años. Aquí tenemos a Charlotte con el animado Lemon Incest

Father John Misty, o en otras palabras, Josh Tillman, es otro de los artistas más interesantes de la actualidad. Peculiar estilo, mezclando indie folk e indie rock, con gancho melódico, letras irónicas y talento a raudales. Ha facturado recientemente algunos álbumes notables, como el Pure Comedy. Reza un reportaje: “es ya un clásico de nuestros tiempos”. Pues será verdad. Hangout at the Gallows

El propio Pure Comedy. A este hombre hay que escucharle con atención, y acudir a sus letras. Hermosas sonoridades…

Recuperemos a Charlotte Gainsbourg con su Deadly Valentine. Sonido y puesta en escena totalmente futuristas. Fascinante, cómo mola…

Retomemos ahora a The National. Esa voz de barítono, la cadencia, los teclados… inconfundibles. Fake Empire

Y hablando de cadencias, quizá nada mejor que el dream pop. Grandes exponentes actuales de este estilo, los Beach House nos dejan una muestra más de su mundo sonoro con esta hermosa y envolvente canción…

La neozelandesa Lorde era otro de los nombres más mediáticos del cartel; seguro que había mucha expectación por verla y escucharla, más si cabe tras haber sacado uno de los discos más notables del 2017. Aquí la tenemos con la muy conocida y pegadiza Tennis Court

Nick Cave mezclándose con el populacho, demostrando que una estrella del rock no es más que otro ser humano. Conexión total con el público, eso queda más que claro. Cómo se nota que le adoran. Volveré a decirlo con respecto al australiano: esto hay que verlo (porque creo que tampoco se ve todos los días). Buenísimo. Stagger Lee

Nos despediremos con Spiritualized, otra banda interesantísima. “Space rock” y neo-psicodelia. Aquí les tenemos con el tema Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space, que daba título a su tercer álbum (1997), aclamado por la crítica. Con acompañamiento orquestal y coral…

Efectivamente estos tíos nos dejan flotando en el espacio. Soberbios. Si existe la droga en formato música, ha de parecerse mucho a esto: propina con Shine a Light

Y hasta aquí lo que puede parecer una larga lista, pero obviamente infinidad de nombres se han quedado en el tintero. Esto ha sido un buffet libre, y si alguien ha picoteado de algún plato, o más de uno, fantástico. Me voy. Como ha dicho cierto australiano, empujemos el cielo un poquito más allá

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Santigold: Disparate Youth

Cuando descubrí a Santigold hace ya unos cuantos años, gracias a otra canción de la que hace bastante tiempo quiero escribir, profundicé un poco en la discografía de esta mujer…

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Corta discografía hasta esos momentos, pues solo había sacado dos discos: Santogold (en el 2008) y Master of My Make-Believe (en el 2012). En el 2016 sacó el que es su tercer trabajo hasta la fecha: 99¢.

Santigold es el nombre artístico de Santi White, nacida en Filadelfia en 1976 y descendiente de afroamericanos. Desde el 2003 hasta el 2009 se hizo conocer artísticamente como Santogold. La Wikipedia le adjudica las siguientes etiquetas a su estilo musical:

Electronic, new wave, indie, reggae fusion, alternative hip hop, alternative dance. Lo extraño es que no incluya también R&B y pop, pero se las voy a añadir yo por todo el morro. Me parecen ad hoc de sobra.

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Master of My Make-Believe es un muy buen disco y recibió bastante buenas críticas en su momento. Sin duda es el disco que más tengo oído de ella, y este Disparate Youth apareció como segundo single del álbum. No sé qué es más fascinante: la canción o el vídeo. A decir verdad, ambos. Un buen tema con un excelente tratamiento de los teclados y con un riff de guitarra de esos pegajosos pero efectivos. Y el vídeo… fue filmado en una isla remota de Jamaica. Sin duda se perciben ahí las reminiscencias y las claras alusiones a ciertas creencias espirituales que se practican en muchos puntos del continente americano, de clara raíz africana-, a la magia -blanca o negra, no sabemos- a poderes sobrenaturales y también a estados supuestamente trascendentes, o como mínimo a estados alterados de conciencia. Y en esto resultan clave los niños que aparecen en esta más que interesante filmación.

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Santigold explicó en una entrevista que encontró la inspiración para ese segundo álbum en una visita a Jamaica:

“I went out on this tiny speedboat with Diplo -we were flying, no life jackets, it was so dangerous-. This speedboat had a little sound system, and it was playing old reggae, and it was making this distorted, blown-out, grinding sound over the ocean”. 

(“Salí en esta pequeña lancha rápida con Diplo -estábamos volando, sin chalecos salvavidas, era tan peligroso-. Esta lancha tenía un pequeño sistema de sonido, estaba reproduciendo viejo reggae, y estaba produciendo este sonido distorsionado, apagado y penetrante sobre el océano”).

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Que el vídeo “transmite” algo es más que evidente, pues queda impregnado por esa aureola tan especial. Y no me importará convertirme en el “apóstol” del mantra “las canciones hay -o habría- que escucharlas más de una simple y a todas luces insuficiente única vez”. Me alegro, después de tantos meses y meses de traer aquí un tema que me gusta bastante. El que quiera partir hacia Jamaica a través de un mar embravecido ya sabe…

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Cigarettes After Sex: Apocalypse / K. / Sweet / John Wayne

Pop envolvente, delicado, pausado, sugerente, dulce, evocador, y por qué no, romántico. Pop que te hace soñar –“dreamy”, “dream-like”– y que hace volar tu imaginación. Estas serían algunas de las características básicas del subgénero conocido como dream pop. Y el grupo Cigarettes After Sex son un excelente exponente de este tipo de música. Esta banda no solamente cuida muchísimo las texturas, la instrumentación, esa cualidad atmosférica y ese poder para transmitirte sensaciones, sino que además otra de sus grandes bazas es el gancho melódico que tienen sus buenas canciones.

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Las constantes menciones y referencias, las excelentes críticas cosechadas hicieron despertar mi curiosidad y ser uno más en sumarme a la evidencia: Cigarettes After Sex, el álbum homónimo de esta banda, es uno de los mejores discos publicados en el 2017 y sin duda alguna uno de los discos de debut -éste es el caso- más destacados del pasado ejercicio.

“Cigarettes After Sex es uno de los discos debut del año. (…) Las melodías seducen tanto como trastornan, las letras expresan emociones intensas cantadas con una voz andrógina, los ritmos están ralentizados para maximizar la sensualidad, la producción es sublime… Uno intenta descifrar todos los ingredientes que componen esta pócima de amor, pero es difícil encontrar la lógica de un flechazo a primera vista”.

(En losinrockuptibles.com)

Greg Gonzalez forma el grupo en la localidad tejana de El Paso en el 2008. Sacan un EP de debut en el 2012 y editan después algunas canciones sueltas. El grupo lo completan Phillip Tubbs (teclados, guitarra eléctrica), Randall Miller (bajo) y Jacob Tomsky (batería). Algunas de sus canciones han sido incluidas en bandas sonoras de series televisivas. En junio del 2017 sacan su primer larga duración y el trabajo les confirma como una de las bandas revelación del año.

“Cigarretes After Sex son uno de los secretos peor guardados de Estados Unidos. (…) Mal guardado porque todas y cada una de ellas -sus canciones- acumulan ya millones de escuchas en las distintas plataformas de streaming, llegando la celestial ‘Nothing’s Gonna Hurt You Baby‘ a superar los 40 millones solo en Youtube -de hecho, a día de hoy, más de 73 millones-. Ese dulce pop atmosférico que practican ha sido comparado ya con las canciones más íntimas de Beach House, con la sensualidad de Rhye o referentes del género como Mazzy Star, y lo cierto es que Cigarettes After Sex le añaden un tono cinematográfico al conjunto y parecen tener un don especial a la hora de firmar canciones envolventes y reconfortantes”.

(En indiespot.es)

“Ambient pop”, “shoegaze”, “slowcore” o “pop minimalista de guitarras” son algunos de los otros calificativos aplicados a su música.

«Después de escuchar un montón de metal durante su infancia, se enganchó con varios grupos ingleses de los ochenta, de los Smiths a Echo & The Bunnymen, pasando por Queen y The Sound. Por ese entonces, Greg sentía que había nacido en el lugar equivocado en el momento equivocado». (…) 

(De su etapa de estudios musicales en la Universidad de Texas)… «se llevó un episodio decisivo para la historia de Cigarettes After Sex: “Todos los días pasaba por el hueco de una escalera que hacía resonar el sonido de forma increíble. Le daba un eco extraño, muy impresionante. Pensé que iba a estar bueno grabar una canción ahí. Y lo hicimos enseguida, sin pensar demasiado”». 

«Esta vez Greg no está al frente de un proyecto solitario disimulado por un nombre colectivo, sino que forma parte de un grupo, un cuarteto masculino liderado por sus garras de terciopelo. A la vez platónicas y carnales, tenebrosas y embriagadoras, las canciones de Cigarettes After Sex tienen una gracia felina ya desde las primeras notas de “K.”, apertura magistral de un disco o espiral de encanto que jamás se difumina».

(En losinrockuptibles.com)

La canción K. hace referencia a la pasión que siente Greg -y posterior relación- con una chica llamada Kristen…

«It chronicles lead singer Greg Gonzalez’s infatuation with a girl named Kristen, and pinpoints the very moment their relationship shifts from strictly casual to something more substantial: “We had made love earlier that day, with no strings attached / But I could tell that something had changed“». 

(En pitchfork.com)

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“En sus letras el amor lo baña todo. Basándose en experiencias y recuerdos propios, Greg construye una narrativa que opta más por lo concreto que por el doble sentido, en donde el tipo de amor que explora comprende encuentros fugaces pero apasionados (…) o relaciones más longevas (…). Ambas propuestas fluyen siempre en un tono nostálgico, ajustándose perfectamente a la estética monocromática de sus portadas y del grupo en general. El resultado, en todo caso, son diez baladas románticas y sombrías cubiertas por una espesa niebla mañanera de dream pop y slowcore”.

(En mondosonoro.com)

Personalmente me quedo muy especialmente con las dos primeras canciones aquí aparecidas, aunque Sweet también es muy bonita. Siempre he dicho y lo sigo sosteniendo que una sola escucha no suele ser suficiente en la inmensa mayoría de los casos para captar toda la belleza, los matices o la profundidad de un tema. Al menos así suelo funcionar yo: aunque pueda atraparme una canción de entrada, suele hacerlo con más fuerza tras dos o tres escuchas. Esto es lo que tenemos aquí: belleza envolvente, sensaciones y gancho en las melodías.

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The White Buffalo: Nightstalker Blues / Hide and Seek

La web de Rockologia, en sus habituales repasos de los lanzamientos discográficos, nos hablaba en la entrada correspondiente al mes de abril de que The White Buffalo había sacado un nuevo disco. Excelente noticia -le reitero desde aquí mis “gracias”- porque es un grupo/artista magnífico e interesantísimo. Se trata del disco titulado Darkest Darks, Lightest Lights

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… que en realidad salió al mercado el 6 de octubre del 2017. The White Buffalo es de facto el proyecto musical del cantante, músico y compositor Jake Smith, nacido a mediados de los 70 en Oregón. Smith creció escuchando preferentemente música country y punk rock, y viéndose fuertemente influenciado por cantantes folk como Bob Dylan o Leonard Cohen.

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The White Buffalo se mueve musicalmente entre estilos fuertemente emparentados, como el rock, el country, el country rock, el blues rock, el folk rock o lo que se ha dado en denominar country alternativo. En ese gran saco podríamos incluir también cómo no el Americana. Toda esta mezcla estilística está muy en boga en Norteamérica. Nuestro amigo Jake es un excelente songwriter, y posee además una voz de barítono por supuesto profunda… e impresionante, desgarradora. No solamente eso, Jake Smith atesora una fuerza interpretativa y una intensidad sobresalientes, que atrapan, hipnotizan, enamoran, con tan solo el poder de su voz, de una guitarra entre sus manos y de sus grandes canciones. Músico con sobrada experiencia y dilatada carrera y discografía, no seré el único que piensa que esta bestia del folk rock y el blues rock merecería un lugar más alto en el Olimpo del éxito multitudinario.

Álbumes oficiales publicados:

  • Hogtied Like a Rodeo (2002)
  • Hogtied Revisited (2008)
  • Once Upon a Time in the West (2012)
  • Shadows, Greys, and Evil Ways (2013)
  • Love & The Death of Damnation (2015)
  • Darkest Darks, Lightest Lights (2017)

Uno de los factores que más han contribuido a difundir su figura y su música es sin duda alguna la inclusión de algunas de sus canciones en la serie Sons of Anarchy, la historia de una banda de moteros (7 temporadas, emitida desde el 2008 al 2014) que viven y operan al margen de la ley, metidos en turbios negocios -armas, drogas, contrabando-, disputas con otras bandas y disputas internas por el poder. Fascinante, magnífica serie donde la violencia tiene una fuerte presencia, y que además podía presumir de contar con un elenco de canciones a lo largo de sus temporadas sencillamente brutal.

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Ya Raúl en su blog, en noviembre del 2015, nos hablaba de todo esto. De la serie, de sus canciones y de este intérprete, a propósito de un desgarrador tema titulado The Whistler (“El Silbador”). Y también Rockologia se encargaba en un post en el 2016 de hacer una interesante selección de esta extensa banda sonora. Está clarísimo que no te bastará esta presente entrada para hacerte una idea de quién es The White Buffalo. Para hacer bien hechos los deberes hay que ver y escuchar a Jake Smith interpretando este tema, “una historia aterradora a modo de western crepuscular, en la que un sicario reflexiona sobre su trabajo”. Entonces uno es consciente de la garra y la intensidad de nuestro protagonista.

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Y es que Jake Smith parece sentir especial predilección o atracción por este tipo de personajes y temáticas: asesinos, delincuentes, gente que vive al margen de la ley y del sistema, seres terminales, inadaptados, perdedores, vidas duras y difíciles. Y como prueba de ello, tanto The Whistler como el tema de hoy, Nightstalker Blues (“El blues del acechador de la noche”), tienen como protagonista a un asesino o a un psicópata enloquecido que siembran el terror y la muerte a su paso. El cantautor explica en una entrevista en quién se inspiró para escribir esta canción: “That’s the story of Richard Ramirez, who is a psychotic, evil and satanic murderer”.

“He’s also a rapist and robber that terrorized Southern California,” he said of Ramirez, who spent the last 23 years of his life on death row in San Quentin before succumbing to lymphoma in 2013. “I did some research on him to kind of revisit the fear and his situation with the evil and aggression that he portrayed. It’s kind of biographical, at least from my side as a child looking at it, but also at the character. It was a scary and unsettling rabbit hole to go down.”

(“También es un violador y ladrón que aterrorizó el sur de California”, dijo sobre Ramírez, quien pasó los últimos 23 años de su vida en el corredor de la muerte en San Quintín antes de sucumbir a un linfoma en el 2013. “Investigué un poco sobre él en parte para revisar el miedo y su situación con el mal y la agresión que llevó a cabo. Es un poco biográfico, al menos desde mi perspectiva como un niño que lo mira, pero también al personaje. Era una madriguera de conejos aterradora e inquietante a la que descender”).

«Smith stresses that he wasn’t trying to sympathize with Ramirez in the song, or even approach the subject from his point of view -rather, the song is mainly his observation of the heinous crimes that he committed-. “To me, that would be a twisted way to approach it,” he said. “I don’t want to get in his head. […] I just wanted to create a portrait of that time. I never would want to glamorize the situation, because I think it’s just disgusting”».

(«Smith subraya que no estaba tratando de empatizar con Ramírez en la canción, ni siquiera abordar el tema desde su punto de vista, sino que la canción es principalmente su observación de los atroces crímenes que cometió. “Para mí, esa sería una forma retorcida de abordarlo”, dijo. “No quiero entrar en su cabeza. […] Solo quería crear un retrato de esa época. Nunca querría glorificar la situación, porque creo que es repugnante”»).

Estas interesantes reflexiones están recogidas de un artículo publicado en la web de Billboard. Se hace patente el interés del músico por esta clase de aterradores personajes…

“Nightstalker Blues”  “El blues del acechador de la noche”

I was only ten, 1985  Tenía solo diez años, (en) 1985
Summer of Satan, we’ll make it out alive  El verano de Satán, saldremos vivos de esta
Well this is no delusion, no bad dream  Bien, no es una ilusión, ni un mal sueño
Up jumped the boogey man, we’re paralyzed like sheep  Saltó el hombre del saco, estamos paralizados como ovejas
Well no-one’s safe  Nadie está a salvo
Husbands kids and wives  Maridos, niños o esposas
We’re lucky to live, luckier to die  Tenemos suerte de vivir, más suerte de morir
Well there’s an escalation, a killing spree  Bueno, hay una escalada, una juerga asesina
Time bomb of terror, the devils off the leash  La bomba de tiempo del terror, los demonios desatados de su correa
Lock up the doors, better call the police  Cerremos las puertas, mejor llamar a la policía
Creepin’ at night, get you shaking in your sheets  Avanzando sigilosamente en la noche, te hace temblar en tus sábanas
Mutilate and murder, rape, rob, repeat  Mutilar y asesinar, violar, robar, repetir
Swear to Satan, got you begging at his feet  Jurar a Satanás, te hacen rogar a sus pies
Hammers, guns and knives  Martillos, pistolas y cuchillos
They wail and weep  Ellos gimen y lloran
Blow the head clean off, when you’re sound asleep  Te vuelan la cabeza limpiamente, cuando estás profundamente dormido
Well there’s blood on the walls, can’t quench the thirst for sin  Hay sangre en las paredes, no pueden saciar su sed de pecado
Hobble up a little old lady  Maniatan a una viejecita
Carve a star in her skin  Tallan una estrella en su piel
Lock up the doors, better call the police  Cerremos las puertas, mejor llamar a la policía
Creepin’ at night, got you shaking in your sheets  Arrastrándose en la noche, te tienen temblando metido en tu cama
Mutilate and murder, rape, rob, repeat  Mutilar y asesinar, violar, robar y repetir
Swear to Satan, got you begging at his feet  Jurar a Satán, te hace suplicar a sus pies
Well it was no big deal  No era gran cosa
All part of his plan  Todo parte de su plan
Death comes with the territory  La muerte va con el territorio
See you in Disneyland  Nos vemos en Disneylandia
 La letra es absolutamente escalofriante. Aquí tenemos el vídeo…
Aquí le tenemos guitarra en mano. Una presentación cargada de comicidad y proximidad…
Por último y para hacernos una idea del disco, he escogido otro buen tema, el que abre el álbum…
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The Waterboys: Politics

Espero volver a hablar de The Waterboys pronto, muy pronto. Una banda a la que admiro y que me encanta, desde hace ya bastantes años. Pero mientras tanto vaya este “aperitivo”, un tema que no conocía y que me parece realmente magnífico. Me ha enganchado de tal manera, con ese estribillo tan hermoso y francamente irresistible, que me resulta “imposible” no lanzarme a escribir una entrada “exprés”.

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El tema Politics está contenido en el que sería el décimo álbum de estudio de la banda, An Appointment with Mr Yeats, publicado en el 2011. Un proyecto meritorio, arriesgado y ambicioso, pues todo el álbum, así como el show que le acompañó en su momento y la consiguiente gira estaban inspirados en la obra del famoso poeta William Butler Yeats. Esa “cita” con el poeta irlandés, una de las figuras más prominentes de la literatura del siglo XX, era el reflejo de que el escritor es una de las más importantes influencias de Mike Scott, el alma de la banda; “a long term influence”, habiendo prometido Scott hacía dos décadas que intentaría casar los poemas de W.B. Yeats con su música.

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The Waterboys nacían en 1983 en la ciudad de Edimburgo, creados por el músico y songwriter Mike Scott. La banda sigue activa a día de hoy y él es el único miembro que ha permanecido inalterablemente dentro del proyecto, comandándolo, por supuesto, como alma de la banda que es. Se disolvieron en 1993 y Scott inició una carrera en solitario, pero volvieron a unirse en el año 2000. Además no hace diferenciaciones, musicalmente hablando, entre la obra de la banda y la suya propia. El sonido del grupo fue catalogado o bautizado como “The Big Music”, atendiendo a un tema titulado así e incluido en su segundo disco, A Pagan Place.

Creo que casi no haría falta ni decir que su sensacional y maravilloso hit The Whole of the Moon, incluido en su disco This Is the Sea (1985) les lanzó a la fama mundial. Hablaremos otro día más en profundidad de esta canción. Se considera una banda escocesa-irlandesa, por el lugar de nacimiento de Scott (Edimburgo, 1958) y por las ciudades que han sido procedencia de gran parte de sus integrantes, además de base de sus actividades.

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Y además el estilo no podía escapar de esas coordenadas geográficas. Practican una mezcla de rock, folk y música celta. Aunque yo creo que a lo largo de su extensa carrera esta definición se queda un poco corta, basta con escuchar un poco su discografía. Esta banda ha coqueteado durante muchos años, en diferente grado o medida, dependiendo del momento, de los discos y de los temas, con el country, el rhythm and blues, el soul o la música negra. Baste decir por ejemplo que su álbum Modern Blues (2015) fue grabado en Nashville. Y no olvidemos el pop, cómo no. No sé si esto sonará a disparate, pero yo diría que han coqueteado con el power pop de manera muy clara, dada la magnificencia de su sonido (“big music”). Amplio rango estilístico y amplio rango también en cuanto a instrumentos utilizados, teniendo especial protagonismo la sección de viento -trompetas, etc-. La propia The Whole of the Moon es un ejemplo perfecto de esto, y ahí podemos decir que las secciones de viento no son muy propias del folk rock, sino más bien de la música negra y de artistas que miraron hacia esos mismos lares, como… Van Morrison.

Y la magnífica Politics es otro buen ejemplo. Unos acertados arreglos de viento al final de un gran estribillo la hacen demoledora. Hablando de amplio rango de instrumentos, basta con fijarse en lo que nos dice la Wikipedia acerca de todos los que toca Scott en el correspondiente álbum…

“Vocals, 6- & 12-string acoustic & electric guitars, keyboards (including acoustic & electric pianos, organ, flute organ, Mellotron, synthesized cello/horns/flute/mountain horn), 8-string bouzouki, percussion (hand drum, tiny cymbals, deep drum, snare drum, cabasa), programming, effects, treatments, “loop archaeology” on ‘White Birds'”.

Scott, multiinstrumentista, líder, cantante principal, compositor, un genio a su manera, un talento hiperproductivo, un gran músico. Aquí les tenemos interpretando el tema en directo en el centro musical de Vredenburg (Utrecht, Holanda)…

Aunque obviamente se aprecian mucho mejor los arreglos en la versión de estudio. La dulce voz de la cantante irlandesa Katie Kim le da la réplica en el estribillo…

Y para finalizar, fijémonos un momento en la curiosa letra del tema…

How can I, that girl standing there, my attention fix
On Roman or on Russian or on Spanish politics?
Yet here’s a travelled man who knows what he talks about
And there’s a politician that has read and thought
And maybe what they say is true of war and war’s alarms
But oh that I were young again and held her in my arms

¿Cómo puedo, con esa chica ahí de pie, fijar mi atención
en la política romana, rusa o española?
Sin embargo, aquí tenemos a un hombre que ha viajado y que sabe de lo que habla
Y un político que ha leído y pensado
Y tal vez lo que dicen es verdad de las guerras y las alarmas de guerra
Pero oh, yo era joven otra vez y la estreché entre mis brazos

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Janelle Monáe: Make Me Feel / Pynk

Prince ha vuelto en este 2018, de eso no cabe la menor duda…

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Janelle Monáe acaba de publicar, este viernes 27 de abril, el que es su tercer trabajo hasta la fecha, titulado Dirty Computer. Un disco en el que la artista de Kansas City reconoce la enorme influencia e indiscutible huella del que fuera su mentor, el genio de Minneápolis.

La Monáe es una artista que me gusta muchísimo, y desde luego que hace bastante tiempo que le sigo la pista, así que este nuevo lanzamiento ha sido una muy grata sorpresa. Después de sacar un primer disco “no oficial” –The Audition– y un EP conceptual de título Metropolis: Suite I (The Chase), fue en el 2010 cuando se ganó los elogios unánimes de la crítica mundial con su primer larga duración, The ArchAndroid. En abril del 2016, a los dos meses de nacer este blog, ya le dediqué una entrada a propósito del tema Tightrope, incluido en el citado álbum -también conceptual-, y contaba unas cuantas cosas de esta fascinante artista. Janelle ya se creó todo un mundo propio desde su infancia, tomando como referencias por ejemplo la ciencia ficción y el futurismo. Incluso crea un alter ego para el citado EP conceptual. Lo comenté muy escuetamente en la citada entrada, así que recuperemos sus propias palabras al respecto -primer párrafo-, citándome después a mí mismo para refrescar conceptos:

«Había mucha confusión y absurdo donde crecí, así que reaccioné creando mi propio pequeño mundo. […] Empecé a ver cómo la música podía cambiar vidas, y empecé a soñar acerca de un mundo donde cada día fuera como el anime y Broadway, donde la música cayera del cielo y cualquier cosa pudiera suceder».

«Janelle para el citado EP creó un álter ego llamado Cindi Mayweather, que era un androide, una figura mesiánica que representaba a “los nuevos otros”, es decir, una forma de aludir a la segregación de las minorías y los prejuicios relacionados con las clases o la raza. Además también se mezcla con temas futuristas, con temática de viajes en el tiempo y con esas grandes referencias al film Metropolis».

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Si no conoces el tema Tightrope, ni en realidad demasiado a Janelle, no deberías perderte de ninguna manera esa mencionada entrada y sobre todo una canción y un vídeo sensacionales, cargados de energía, ritmo y buenas vibraciones

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Solo le he dedicado una entrada con el paso del tiempo, pero no será por falta de buenos temas…

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… como por ejemplo Dance Apocalyptic, segundo single de su segundo álbum, The Electric Lady, donde ella además está arrebatadoramente bella

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…o PrimeTime, hermosa balada del mismo disco, un dueto con Miguel

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Podemos apreciar de forma clarísima que en la portada de The ArchAndroid las reminiscencias y el homenaje a la mítica Metropolis de Fritz Lang son evidentes

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Y aquí tenemos la portada de Dirty Computer. Simplificando mucho las cosas, podemos decir que Janelle Monáe es uno de los nombres más importantes -quizá no a nivel mediático ni de ventas- y mejor valorados -crítica inclusive- del moderno R&B -algunos dirían alternative R&B-, del funk, de lo que se ha dado en llamar neo soul, incluso colindando con el hip hop, del art rock y del pop en general que no le hace ascos a la tecnología o a la electrónica ni tampoco a los ritmos orientados a bailar. Porque de hecho disociar la música de Janelle de los conceptos “ritmo” o “música negra” sería absurdo e impensable -aunque sabemos que los géneros hoy en día están absolutamente difuminados-. Justamente fusionar estilos es lo que hace, como hiciera en su momento uno de sus grandes modelos y maestros, Prince. Nuestra protagonista no da la impresión de buscar deliberada ni prioritariamente escalar en las listas ni vender como rosquillas. Sus discos y sus temas pueden llegar a ser mainstream, pero su producción en cambio no pierde un ápice de interés ni de calidad. En suma, la creatividad, el talento, la inteligencia, la originalidad, cierto atrevimiento, ambigüedad y descaro, la sensualidad y también una gran belleza física son algunos de sus activos. Y aún otra cosa, importantísima -y que casi se me olvida-: Janelle profesa un notable activismo a muchos niveles (política, derechos civiles, colectivo LGBT…).

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Comentaba en aquella ya lejana entrada que una de las cosas que hacían más interesante a nuestra protagonista era que no se mostraba nada clara ni específica con su identidad o sus apetencias sexuales, el cultivar esa ambigüedad. Ese álter ego y ese mundo de androides quizá asexuales la ayudaban a huir de un encasillamiento incómodo. Se ha comentado mucho estos días, tanto en medios nacionales como internacionales, que a raíz de la publicación de este su tercer disco, y en una jugosa entrevista concedida a la revista Rolling Stone, la Monáe se había declarado pansexual, disparando las búsquedas de este término en Google…

«La cantante estadounidense Janelle Monáe se describe a sí misma como “pansexual” en una entrevista con la revista ‘Rolling Stone’, una declaración que ha disparado las búsquedas en internet del término.

Siempre ambigua sobre su sexualidad, la música y la actriz conocida por sus trajes de etiqueta personalizados, se abrió a confesiones íntimas en la publicación estadounidense en vísperas del lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Dirty Computer’, disponible desde este viernes.

La cantante explica que inicialmente se consideraba bisexual, porque tenía relaciones sexuales tanto con hombres y mujeres al mismo tiempo. “Pero más tarde leí acerca de la pansexualidad y pensé para mí misma: ‘Ah, estas son cosas con las que también me identifico’. Estoy abierta a saber quién soy”».

Así nos lo cuenta El Periódico. “Una persona pansexual se caracteriza por un deseo sexual o una atracción sin consideración de sexo o género”, según por ejemplo la definición dada por el diccionario ‘on line’ Merriam-Webster.

Y aún nos puede arrojar un poquito más de luz una reseña de jenesaispop.com“Soy una mujer negra queer en América, alguien que ha tenido relaciones tanto con hombres como con mujeres, y por tanto me considero una mujer libre de cojones”. Soltar que -usando esa expresión- Janelle “ha salido del armario”, muy probablemente sería limitador y bastante simplista. Con más propiedad podríamos decir que Janelle se ha sincerado, se ha abierto, se ha mostrado tal como es y ha hablado sin tapujos.

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Volvamos al principio de todo y retomemos esa conexión Prince. La cantante ha reconocido la enorme impronta del que fuera uno de sus referentes musicales. Todo el álbum está marcado por este hecho, y es más, el artista de Minneápolis trabajó en este tercer disco.

«Se ha revelado que Prince estuvo involucrado de forma directa en algunas canciones de “Dirty Computer” antes de su muerte. Según escribió en Facebook Lenka Paris, DJ de Prince, él fue uno de los productores de “Make Me Feel”, uno de los dos adelantos del disco hasta el momento…».

De ello se hacen eco muchos medios, y esta cita es de un artículo de El Quinto Beatle. De hecho Make Me Feel ha acabado siendo el primer single del nuevo disco.

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La mencionada entrevista en la revista Rolling Stone es interesantísima, no tiene desperdicio. Se explican muchos detalles de la intensa carrera de esta artista, los contactos y las influencias musicales que ha tenido, que han acabado siendo decisivas. Se pone por ejemplo en valor su figura unos cuantos años antes de que artistas como Beyoncé arrasaran en fama y ventas…

“Years before Frank Ocean, Solange, Beyoncé and SZA pushed arty, alternative R&B to the mainstream, Monáe was already there, bridging the gap between neo-soul and all that was to come, unafraid to fuse rock, funk, hip-hop…”.

Su especial relación con Prince, su amistad, la colaboración y los consejos de éste, incluso su “protección”, son cosas muy hermosas que no deben olvidarse, y el nivel que la obra de Janelle está alcanzando seguro que hacía sentir al desaparecido músico muy orgulloso; así como el hecho de que sea una de las principales herederas y exponentes de su legado ha de hacer que ella se sienta a la vez orgullosa. Algunas aclaraciones sobre todo esto y antes de seguir creo que es bastante “obligado” incluir un vídeo…

«Rumors spread that Prince co-wrote the single “Make Me Feel,” which features a “Kiss”-like guitar riff. “Prince did not write that song,” says Monáe, who sorely missed his advice during the production process. “It was very difficult writing this album without him.” Prince was the first person to get a physical copy of The ArchAndroid – she presented the CD to him with a flower and the titles written out by hand”».

Ahí la teníamos versionando el famosísimo Let’s Go Crazy, el 23 de abril del 2016 en Nueva Orleans, tan sólo dos días después de la muerte del cantante. Está más que claro que Prince vive en Janelle Monáe.

«Es difícil para mí hablar de esto porque Prince me estaba ayudando con el álbum antes de que falleciera. No estaría tan cómoda con lo que soy si no hubiera sido por Prince. Quiero decir, mi sello Wondaland no existiría si Paisley Park no hubiera aparecido antes que nosotros.

Prince está en esa categoría de ‘free motherfucker’ [en referencia a su libertad artística]. Esa es la categoría en la que podemos reconocer que otro también es un cabronazo totalmente libre. Soltemos palabrotas o no, podemos ver a otros cabronazos libres. ¡David Bowie! Un cabrón plenamente libre. Siento su espíritu, siento su energía. Ellos pudieron evolucionar. Todos sentisteis esa libertad en ellos».

(En El Quinto Beatle)

«La muerte de Prince fue una puñalada en el estómago. La última vez que lo vi fue el día de Año Nuevo. Realicé una fiesta privada en St Bart’s con él, y después nos sentamos y hablamos durante cinco horas. Él era una de las pocas personas con las que podía hablar de cosas, él y Stevie Wonder.

Dedico mucha de mi música a Prince, por todo lo que ha hecho por la música, los negros, las mujeres y los hombres, por aquellos que tienen algo que decir y que al mismo tiempo no permitirán que la sociedad les quite la suciedad. Se trata de esa suciedad y de no deshacerse de esa suciedad».

(En Plásticos y Decibelios)

Está todo dicho. ¿Está todo dicho? La muerte de Prince fue un golpe durísimo. Sí. También para mí. Me dejó en estado de shock, incapaz de hacerme a la idea de que nos había dejado así de golpe, a una edad relativamente tan temprana. Sonará raro escuchar esto, pero Prince ha sido una de las personas más importantes en mi vida. Yendo mucho más allá de lo meramente musical. Como lo ha sido David Bowie o lo es Bruce Springsteen. Pero lo que sentía por Prince era muy especial, y distinto. Una fascinación -ni siquiera Bowie la iguala- e incluso una atracción (¡¡uau!!) que puedo decir que no he sentido por ningún otro músico… varón.

Efectivamente y como ya se ha apuntado, Make Me Feel es directamente deudora de la mítica Kiss

«Y es que las comparaciones resultan más que evidentes si, por ejemplo, miramos a aquella “Kiss” de Prince y en particular a sus líneas de guitarra y de sintetizador, la cual precisamente según dice Lenka Paris se incorporó a “Make Me Feel” al sonar tan futurista».

(En El Quinto Beatle)

“The synth groove in “Make Me Feel”, reported to be written by Prince, was played at one of his parties years prior to its inclusion in the single, as confirmed by Prince’s DJ, Lenka Paris”.

(En la Wikipedia)

Los guitarrazos son sin duda 100% Kiss, y no por ello -a mi entender- nos va a parecer una burda copia o a dejar de merecer nuestro aplauso. Y ese velo tan peculiar que luce nuestra protagonista -encarnando en el vídeo dos papeles- nos remite también al tema de Prince

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En el vídeo, que transcurre en un nightclub, aparece y comparte protagonismo con ella la actriz Tessa Thompson. Podíamos ver no hace mucho a esta bellísima actriz en la serie futurista Westworld

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Tessa Thompson en Westworld

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Algunos medios se han atrevido a preguntar o a especular sobre si ambas mantendrán una relación de pareja. Janelle deja que hablen, y no se molesta en confirmar ni en desmentir tal extremo. Al respecto de esa pansexualidad, de los roles y las etiquetas puestas en tela de juicio, cualquier buen observador/a podrá darse cuenta de todo lo que el vídeo nos está dando a entender y mostrando…

Janelle Monáe mencionó a David Bowie -yo también lo hice-. Veamos unas fotografías…

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La cantante -y otras bailarinas- luce esos peculiares pantalones en lo que parece un claro homenaje o guiño a Bowie. El británico lució ese traje, diseñado por el japonés Kansai Yamamoto, para la gira de su disco Aladdin Sane. En realidad ese atuendo de nuestra protagonista son unos pantalones en forma de vagina. Los significados y las “casualidades” se acumulan, ¿verdad? Y es que el vídeo y el tema Pynk son un claro homenaje a la sexualidad femenina, a la sexualidad entre mujeres, a la vagina, a la interioridad femenina, y también a la lengua, los labios y el placer en general. El vídeo ya ha provocado expectación en internet y millones de visitas. En Pynk aparece también Tessa Thompson. Una balada sencilla y algo hipnótica que coquetea claramente con la tecnología, muy en la línea de la cantante Grimes. No en vano la artista canadiense interviene en la canción. Ese riff eléctrico del estribillo rompe con la melodía y el resto del tema.

Sí, referencias clarísimas a la sexualidad femenina. Algunos versos son absolutamente explícitos…

Pynk, like the inside of your… baby
Pynk behind all of the doors… crazy
Pynk, like the tongue that goes down… maybe
Pynk, like the paradise found (…)

Pynk, like the lips around your… maybe
Pynk, like the skin that’s under… baby
Pynk, where it’s deepest inside… crazy (…)

Pynk, like your fingers in my… maybe
Pynk is the truth you can’t hide
Pynk, like your tongue going round… baby

“The director, Emma Westenberg, called me and asked me to pitch seven outfits for Janelle Monáe and her backing dancers which needed to have a vagina look and feel”.

Así lo explicaba la diseñadora de los trajes, Duran Lantink

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“You, sexy motherfucker”… así lo habría expresado nuestro genio. Hasta la próxima, Janelle. Cómo me gustas…

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Y en cuanto a Prince, tres cuartos de lo mismo. Cúanto se te echa de menos…

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Christina Rosenvinge: Ana y los Pájaros

Subido estoy en una escalera: pintando, perfilando, retocando techos y otros detallitos. Después de una noche increíble y aborreciblemente lluviosa, ahora la luz solar lo inunda todo.

Sonando música en el ordenador. Las últimas adquisiciones que “han caído” en mi poder: Sonic Youth, The Jesus & Mary Chain (discografía completa), The Waterboys (discografía completa, qué rematadamente buenos que son), lo último de Manolo García, de Egon Soda, de Beth Hart And Joe Bonamassa (“Black Coffee”), y lo último de Christina Rosenvinge, como comenté hace unas semanas. La belleza y el lirismo de este tema -que vuelve a mí después de días y días- me golpea y tengo que bajar de la escalera -15, 20 minutos- y centrarme en el teclado…

Ayer una excelentísima noticia: al cambiarme de domicilio, seguí con Jazztel, pero por extrañas “incidencias”, problemas o quizá incluso estrategias comerciales -uno ya no se extraña de nada- no pudieron ofrecerme fibra óptica. El edificio tiene las conexiones, pero dejé aparcado el tema, porque hay cosas más prioritarias. Ayer, sin esperarlo, me llaman, me ofrecen fibra óptica y al cabo de pocas horas pasan y me la instalan: 300 megas simétricos, qué bien. Un asunto menos del que preocuparse.

Y ahora los excelentes The Jesus & Mary Chain golpean mis tímpanos, con sus guitarras aceradas y sus vivos ritmos algo poperos. Pero fue Christina la que me hizo soltar el pincel, y me alegro de ello. Bye bye.

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¿Dónde estas?

Que no te veo

Ana, me cuesta hablar de ti

Eres un pájaro en mi memoria

Oigo tu canto libre desde aquí

Entre la bruma ronca de mi atril

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