Mew & Kimbra: The Night Believer

Hoy no me apetece enrollarme escribiendo durante horas y horas -o incluso días y días-, para soltar interminables y despiadadas parrafadas de texto, texto y más texto…Digo esto en absoluta clave de humor, sin más. Casi siempre disfrutar de la buena música es algo millones de veces más simple e inmediato.

Los daneses Mew, que aparecieron en este blog hace unas semanas, sacaban en el 2015 el disco + – (pronunciado Plus Minus), después de haber estado sin producir ningún material desde el 2009…220px-mew_2b_-_coverUno de los temas más destacados y bonitos es The Night Believer, tercer corte del álbum. En esta canción se suma a la voz del frontman del grupo Jonas Bjerre la cantante y actriz neozelandesa Kimbra. Por si todavía a estas alturas hay alguien que no la conozca, Kimbra se hizo muchísimo más conocida cuando grabó junto con Gotye un single -y vídeo- que arrasó en todo el mundo: Somebody That I Used To Know. Multi-platinum single del 2012, multipremiada canción que se llevó por ejemplo dos Grammy en el 2013.

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Jonas Bjerre y Kimbra

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Mew con Kimbra en Nueva York

Mew, un grupo considerado de rock alternativo, indie pop-rock o art rock -etiquetas y más etiquetas- son bastante deudores y a la vez recicladores y recreadores del rock progresivo -estilo Yes, por ejemplo, cosa que también mencioné de pasada-. Y esto se nota muchísimo en otro tema de los daneses que me ha atrapado estos meses: El sensacional Satellites es precisamente el corte que abre este + – . Un tema donde se aprecia el formidable entramado que tejen bajo la melodía vocal. Pero en este disco en general se tiende hacia terrenos más pop (“progresivo”), tal como nos cuenta una crónica de Consequence of Sound.

The Night Believer es una maravillosa gema pop, una gozada de canción. Versión de estudio amenizada aquí con una simpática carrera entre animales…

Aquí les tenemos en directo en una actuación de Mew compartiendo escenario. Octubre del 2015 en el Webster Hall neoyorquino…

Kimbra colabora a las voces en un par de temas más de este disco. Uno de ellos es otra excelente canción pop, Water Slides

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David Bowie Is: Exposición, libro…y 125 imágenes / Starman

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(Chicago)

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Victoria & Albert Museum, London

Art Gallery of Ontario, Toronto

MIS, Sao Paulo

Martin Gropius Bau, Berlin

MCA, Chicago

Philharmonie de Paris

ACMI, Melbourne

Groninger Museum, Groningen

MAMbo, Bologna

Warehouse Terrada G1, Tokyo

Museu del Disseny, Barcelona

Éstas son las ciudades por las que ha pasado esta sensacional exposición. El pasado sábado 9 de septiembre tuve la inmensa suerte -junto con mi hermano- de asistir a ella y maravillarme como otros tantos miles de personas. Para un fan como yo de Bowie, para alguien que ha admirado tanto su figura y su carrera, que se ha visto tan marcado por tantas canciones amadas, era una cita más que obligada. Desde luego que los adjetivos que se le pueden dedicar a algo tan descomunal como David Bowie Is serían numerosísimos: Es una exposición brutal, maravillosa, impresionante, completísima.

Vamos a explicar en qué consiste esta exposición, cómo está planteada y sus características más importantes. Pese a que esto se va a alargar -como siempre- no es mi intención soltar un aluvión descomunal de información. Precisamente éste es uno de los rasgos de esta exposición: La cantidad de datos específicos ofrecida a los que asisten es enorme, en este sentido es muy inclusiva y ambiciosa. Hay placas con explicaciones en cada elemento expuesto, y la verdad es que es muchísimo para asimilar en las 2-3 horas que uno puede estar ahí. Lo ideal sería incluso acudir por ejemplo un par de días, para poder absorberlo todo -a no ser que uno esté muy fresco de mente-, porque puede llegar a saturar incluso. Lo confieso, hubo un momento en que dejé de leer ya explicaciones, y me dejé llevar y penetrar por la fuerza de las imágenes y de tal cantidad de piezas magníficas. Así que aquí haremos lo mismo, dejaremos que la magia de las fotografías de la muestra nos traspase y nos transporte al fascinante universo Bowie.bowie1-e1414177061479david-bowie-is-by-joshua-mellin-2va-davidbowieis-216adavid-bowie-is_mca-22museum-of-contemporary11aAntes de acceder al interior de la muestra, se les da a los asistentes una especie de walkman con auriculares. Con este aparato, y conforme te vas acercando a los diferentes stands, uno se sincroniza automáticamente con el sonido que se esté reproduciendo: Vídeos explicativos o entrevistas -todo en inglés-, cualquier tipo de elemento audiovisual, videoclips de sus canciones o simplemente música. La experiencia es totalmente inmersiva. Y no lo olvidemos, uno al mismo tiempo va observando y también leyendo.davidbowieis_metalmagazine_10davidbowieis_metalmagazine_8davidbowieis_metalmagazine_3La muestra sigue cierto orden cronológico en sus stands a través de la carrera y vida de Bowie, pero su enfoque es mucho más amplio y ambicioso y no se limita simplemente a eso. Uno empieza observando el lugar de nacimiento del cantante, el Brixton de aquel entonces -1947-, al sur de Londres, uno de los barrios más castigados por la Segunda Guerra Mundial. También las primeras influencias que recibió en el aspecto musical, como por ejemplo Elvis Presley, Fats Domino o Little Richards, gracias a los discos de su padre, o el descubrimiento del jazz gracias a su hermanastro. Se explican sus inicios en el mundo de la música a una edad tan temprana como 17 años, y los numerosos grupos de los que formó parte. Interesantísimas fotografías, así como por ejemplo una guitarra de 12 cuerdas (Framus) o el saxofón blanco (Grafton) -debido a su fragilidad, se trata de una réplica- hecho de un material plástico especial que tocó en sus inicios…david-bowie-is-3david-bowie-is-2david-bowie-is-6music-david-bowie-is-1-1400x933La exposición sigue con un repaso de todos sus discos, y así uno puede ver su irrupción en el mundo de la fama con algunas de sus canciones más emblemáticas. Pero pronto uno se da cuenta de que la muestra va mucho más allá. Se muestran todas las conexiones de Bowie con la realidad cultural y musical de su época, todas las influencias que recibió, todos los artistas en los que se fijó, con los que colaboró o de los que tomó ideas, todos los campos del arte que le influyeron, como artista multidisciplinar que era, y se nos va ofreciendo una visión global. Se intercalan numerosos aspectos y visiones de su prolífica vida con sus diferentes discos pero también con las diferentes etapas de su carrera y los alter egos y looks que adoptó. Bowie visto como artista total, la cosa va mucho más allá de un simple repaso a una carrera discográfica, y el espectador puede ir viendo cómo las diferentes piezas del puzzle se van sumando para mostrarnos una de las personalidades artísticas más completas y fascinantes del siglo XX.davidbowieis_metalmagazine_9davidbowieis_metalmagazine_1davidbowieis_metalmagazine_6La exposición fue diseñada -nos lo explica con detalle la web de 59 Productions, en inglés, una de las firmas que participó justamente en su diseño- para mostrar la multitud de influencias de las que bebió Bowie en su larga carrera: El expresionismo, el surrealismo, los poetas Beat, el teatro, el mimo, el cabaret, el kabuki, la cultura y la estética japonesas, la ciencia ficción, la moda, el diseño gráfico, el cine o la literatura, entre otras. Esto se traduce en uno de los grandes aciertos de la exposición, presentarnos esos campos y a tantos artistas que influyeron o colaboraron con el cantante: Oscar Wilde, Vladimir Nabokov, George Orwell, Bertolt Brecht -literatura-, Dalí, Picasso, Andy Warhol, Marcel Duchamp -pintura, artes visuales-, Freddie Burretti, Alexander McQueen, Kansai Yamamoto -diseño y moda, estos autores confeccionaron algunos de sus atuendos más espectaculares-, Lindsay Kemp -danza y teatro- o Fritz Lang o Stanley Kubrick con “A Clockwork Orange”, La Naranja Mecánica, en cine. Por no hablar naturalmente de las numerosas influencias y personalidades musicales que también se relacionaron con él: Brian Eno, The Velvet Underground, Iggy Pop, John Lennon, o su productor y colaborador Tony Visconti.davidbowieis_metalmagazine_77a5c7873David Bowie Is nos presenta más de 300 objetos relacionados con su vida y obra, todos catalogados y con explicación de su significado y contexto. Así podemos encontrar letras de sus canciones escritas por él mismo, pentagramas, dibujos, bocetos, sketches de guiones o historietas, páginas de cuadernos con notas o ideas, instrumentos musicales, trajes, elementos de vestir y accesorios, fotografías de todo tipo, portadas de discos, copias únicas de vinilos y grabaciones, posters y diferentes elementos de diseño, y por supuesto fragmentos de películas, vídeos diversos, con reportajes o entrevistas o videoclips de sus canciones…11-_david_bowie_1973_by_sukita8adavid-bowie-exhibition-001Diamond Doggreenman-beautiful-meaninglessness-of-david-bowie-1200x630-14522930231the-contact-sheet-for-the-009La gira o el periplo de David Bowie Is por las ciudades ya mencionadas comenzó en el 2013 en el Victoria & Albert Museum de Londres (V&A). Se convirtió en la exposición con más visitantes en toda la historia de este museo londinense, y también en la que vendió entradas a un ritmo más rápido. Ese récord de asistencia nos habla de unas 315.000 visitas en dicho museo, dándose la circunstancia de que un mes antes de abrirse las puertas al público, ya se habían vendido 26.000 entradas. Y una semana antes, la cifra ya ascendía a 42.000. Se calcula que el número de visitantes en todos esos museos ronda el millón y medio de personas.

La exhibición la montaron los comisarios (“curators”) Victoria Broackes y Geoffrey Marsh, naciendo el proyecto hacia finales del 2010. Estas dos personas viajaron a Nueva York para encontrarse con más de 75.000 piezas que el archivista de David Bowie había guardado a lo largo de su carrera, y guardadas a buen recaudo en un enclave secreto de dicha ciudad.

“El acuerdo era que podíamos pedir prestado todo lo que quisiéramos del archivo, pero David Bowie no tendría nada que ver con la exposición”, declaró Geoffrey Marsh. Y así fue, ya que nunca tuvieron contacto directo con él.davie-bowie124920-1qc6btz1david-bowie-david-bowie-5271921-394-500promoted-media_53daa700182ebEntre los muchísimos objetos, seguramente los más espectaculares, rompedores y alucinantes sean los trajes que el cantante lució en muchas de sus actuaciones. Casi podríamos decir “todas”, pues Bowie cuidaba mucho este aspecto y su vestuario fue siempre muy variado. En la exposición se exhiben más de 60 atuendos. Por supuesto podemos decir que esto va más allá de simples trajes: Es diseño, moda, cultura, tendencias, eran declaraciones de intenciones y cartas de presentación, era la imagen del artista total, y es ya historia de la música y del arte. Todos estos espectaculares vestidos guardan estrecha relación con los egos ficticios que encarnó a lo largo de su carrera: Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane o The Thin White Duke están muy presentes en la muestra…1-striped-bodysuit-for-aladdin-sane-tour-1973-design-by-kansai-yamamoto-photograph-by-masayoshi-sukita-sukita-the-david_-bowie_archive_20121-1

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Éste es el traje para la gira Aladdin Sane, diseñado por el japonés Kansai Yamamoto y fotografiado por Masayoshi Sukita. Las influencias del kabuki son evidentes, en la exageración y teatralidad de los trajes o el maquillaje

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Tanto este modelo como la capa blanca con ideogramas japoneses son obras también de Kansai Yamamoto para la gira de Aladdin Sane

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El traje azul celeste diseñado por Freddie Burretti en 1972 para el vídeo de Life on Mars?

La exposición también intenta explicar por qué Bowie ha sido y sigue siendo tan importante e influyente, qué han significado su figura, su carrera, las decisiones que tomó y los actos y direcciones que emprendió en ella. Nuestro camaleón era un gran consumidor de música, cultura y arte, y como ya se ha dicho se empapó de innumerables influencias. Para hacer algo asombroso y grande: Mezclarlas, combinarlas, reinventarlas y empezar a ejercer y proyectar él mismo su influencia cada vez de forma más innegable con el devenir de su carrera. A su alrededor y en una miríada de artistas y campos, como el diseño o las artes gráficas. Bowie reciclaba, reinventaba, sorprendía, transgredía, escandalizaba, divertía, hacía reflexionar, innovaba, marcaba tendencias, se adelantaba a su tiempo, empujaba los límites un poco más allá, rompía moldes, fusionaba e integraba muchas disciplinas artísticas. La figura de un gran artista en la que probablemente la faceta de cantante no es la más notable, sino la de showman. Nadie puede negar sus influencias, extensibles hasta nuestros días. Nos bastaría simplemente todo lo tocante a la sexualidad -y los looks que se marcó- para refrendar todo esto: Transgredió límites, escandalizó, hizo reflexionar sobre la identidad y los roles sexuales, la ambigüedad, la bisexualidad y la provocación.

La muestra reflexiona sobre todas estas cuestiones a través de una serie de paneles con grandes letras. “The exhibition design is both an expression of Bowie the artist, and a reflection of his own process of cultural appropriation and re-imagination”, afirmó Mark Grimmer de 59 Productions. Esta exposición intenta reflejar todo esto, desde los inicios del británico (“the spongelike imagination of a boy who went on to change cultural history”), un artista del cual puede afirmarse que encarnaba “a constantly changing identity and omnivorous consumption of culture”.bowie5-1024x576bowie2-1024x576bowie6-1024x576bowie9-1024x576Ahora tendríamos que hablar del libro…Sí, porque existe un gran y magnífico libro, que se puede comprar -44 euros sin descuento- en la tienda de merchandising que te encuentras cuando sales de la exhibición: Libros sobre Bowie y sobre música, biografías, letras de canciones, vinilos, CD’s, DVD’s, posters, camisetas, tazas, llaveros y muchas cosas más. No me animé con él, pero sí que me rasqué el bolsillo con la que dicen la biografía más completa sobre el cantante (“David Bowie. Starman. La biografía definitiva”, de Paul Trynka)…y dos camisetas también.

El libro es enorme y fantástico, lleno de fotografías a toda página, porque de hecho funciona como catálogo de la exposición. Se titula David Bowie Is Inside (Editorial Malpaso) y se publicó en mayo de este año, justamente “concebido a modo de catálogo para acompañar la gran exposición internacional inaugurada en el Victoria & Albert Museum”.davidbowieis-1Veamos algunas imágenes reales del libro y de sus fotografías interiores…bowie_is_b_1110x-progressive-jpeg569_0maxresdefaultbowie-book-spreadbowie_is_f_1110x-progressive-jpegvadbic_2013_04-1000x66610027894aHay muchos más detalles impagables en esta exposición, así como diversas secciones o habitáculos donde se refleja una particular etapa o faceta. Por ejemplo, una pequeña habitación con todas sus portadas. O una sección con la trilogía de Berlín –Low, Heroes, Lodger– y un extraño sintetizador que se usó y que recuerda una extraña maleta (se menciona que utilizó también un instrumento japonés llamado koto). O referencias a Iggy Pop. Hacia la parte final se presta atención al Bowie actor y sus incursiones en el mundo del celuloide. Y la última sala, ya antes de salir, sencillamente me dejó pasmado -le dije a mi hermano “tienes que ver esto”-: Se trata de una enorme sala, también bastante alta, donde 3 de las 4 paredes son o bien una enorme pantalla de vídeo o bien la suma de muchos monitores de televisión -y además tras algunos de ellos se traslucen vestidos de Bowie-. Aquí uno se sumergía en la experiencia del directo, los conciertos. La gente se sentaba ahí a ver o escuchar. Bowie actuando en Glastonbury, Live Aid o el The Diamond Dogs Tour. He leído por ahí que parte de todo este material era inédito hasta ahora. Mejor despedida antes de abandonar David Bowie Is, imposible. En alguna de las anteriores fotos ya ha aparecido esta sala…concept-visualisation-by-fifty-nine-production-and-real-studios-for-david-bowie-is_copydavid-bowie-is-734x391david-bowie-is-groninger-museum-photo-gerhard-taatgen-2p5240093_9_1200x480maxresdefault1310114-bowie-figurinos-redondo-550x3717bd22e9c609644d919754b68bb64fffedavid-bowie-is-exhibition-2015150715-013va-davidbowieis-3article-0-18ce243c000005dc-427_634x404david-bowie-exhibitiondavid-bowie-exhibition1david-bowie-en-el-museo-de-la-ciudad-portada2_oscarbowie_marijobarcelona12170113-b-j6a0384-edit-1170113-c-j6a0498u_48_109248259887_david_bowie_is__groninger_museum__photo_gerhard_taatgen_9u_48_34779048608_the_archer_station_to_station_tour_1976__john_robert_rowlands_u_48_663845344529_promotional_shoot_for_the_konrads_1963-_photograph_by_roy_ainsworth-_courtesy_of_the_david_bowie_archive_2012-_image__va_imagesu_48_144581840457_david_bowie_is__groninger_museum__photo_gerhard_taatgen_5u_48_121202086647_photo_collage_of_manipulated_film_stills_from_the_man_who_fell_to_earth_film_stills__studiocanal_films_ltd_image__va_imagesu_48_65012769391_original_photography_for_the_earthling_album_cover_1997__frank_w_ockenfels_3u_48_831187194994_self_portrait_in_pose_also_adopted_for_the_album_cover_of_heroes__1978__the_david_bowie_archive_2012_image__va_imagesu_48_983393374680_david_bowie_is__groninger_museum__photo_gerhard_taatgen_4u_48_994592164027_david_bowie_and_william_burroughs_1974_photograph_by_terry_oneill_courtesy_of_the_david_bowie_archive_2012davidbowieinsidedavidbowieexhibition7v1gnijhpwyldavidbowieinsidedavidbowieexhibitionedgd443s-dsldavidbowieinsidedavidbowieexhibitionsqtsi4_8j2hldavidbowieinsidedavidbowieexhibitionrbpivij9brtldavidbowieinsidedavidbowieexhibitiondhdmjxxauhpldavidbowieinsidedavidbowieexhibitionm4cfli17psyldavidbowieinsidedavidbowieexhibition6bfw88mxe_yldavidbowieinsidedavidbowieexhibitionnadydrp_1n8ldavid-bowie-is-by-joshua-mellin-6david-bowie-is-by-joshua-mellin-7david-bowie-is-by-joshua-mellin-8r-1395760-1417731933-4629-jpegdavid-bowie-snl-man-who-sold-the-earth-videodavid-bowie-is-37046132-500-500bowie123bowie-videosixteenbynine1050-v2exposition2bdavid2bbowie2c2bdavid2bis2b402bphilharmonie2c2bparis2c2b20152b6

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Dos imágenes de la tienda de merchandising, ambas pertenecientes a la exposición en París

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Esta famosísima fotografía también se exhibe en la exposición, y es todo un acierto haberlo hecho. Se trata de la imagen conocida como “Earthrise”, tomada por la misión del Apollo 8 el 24 de diciembre de 1968. Aunque el Apollo 8 simplemente orbitó el satélite. No fue la primera imagen de la Tierra desde la Luna, ya que se tomó una en blanco y negro en 1966. Pero sí era la primera misión tripulada y la primera en color. El impacto en la humanidad y su trascendencia están fuera de toda duda, pues cambiaron la conciencia planetaria. Bowie publicaría el tema Space Oddity el 11 de julio de 1969. El 20 de julio, el Apollo 11 pondría al hombre en la Luna

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Los comisarios de la exposición, Victoria Broackes y Geoffrey Marsh

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Fachada y entrada principal del Museu del Disseny

davidbowie-3702162013lowrygallery9harrygoodwinandbbc220513david-bowieMÁS DE 300 OBJETOS DIBUJAN LA PERSONALIDAD DE DAVID BOWIE EN UNA EXPOSICIÓNdavid-bowie-paintings-berlin-landscape-with-jo-1978

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Bowie encarna al famoso científico Nikola Tesla en la película The Prestige (El Truco Final). En la muestra se reproduce su diálogo con Hugh Jackman en dicho film

museum-of-contemporary1bowie1-2013_2513065kliving__285273439_620xEn cuanto a vídeos que nos muestren esta exposición, estuve visionando unos cuantos. Algunos son bastante extensos, así que he intentado seleccionar los que me han parecido más amenos. El primero de ellos es la promoción de David Bowie Is cuando se instaló en la capital japonesa. Lo encontré de casualidad, y me alegro, porque es buenísimo…

El segundo es un interesante repaso al libro que hemos mencionado. Aquí podemos ver las magníficas fotografías que lleva en su interior. Si puedes emplear casi 10 minutos de tu vida en verlo -“perder” suena realmente feo- bien empleados habrán estado.

Y por último un vídeo sobre la exposición en Barcelona. Incluye las valoraciones de la comisaria Victoria Broackes y de la directora del museo, Pilar Vélez.“Es una exposición temática, y no cronólogica”, ha afirmado en algunas entrevistas la comisaria Broackes.

Muchísimos de los grandes temas de Bowie se reproducen a lo largo de la exposición, mediante sus videoclips. Por supuesto temas como Heroes, Space Oddity, Rebel Rebel, Life on Mars?, Ashes to Ashes, Under Pressure…Pero hay otro rincón de esta muestra que merece otra mención especial: Un gran set con una pantalla a tamaño real donde se reproduce la interpretación de Bowie junto al entonces su grupo de Starman. Se trata de la canción interpretada en el programa de televisión Top of the Pops en 1972. El traje original se encuentra en los maniquíes que están delante de la pantalla, que tiene forma de prisma con varias caras. Es un traje en realidad que combina amarillo dorado, azul y rojo anaranjado, pero bañado aquí bajo una intensa luz de tonos naranjas, ya que se inspiró en la película La Naranja Mecánica. Pero además ese set viene a ser como una estancia con espejos, de manera que sientes que Bowie está cantando la canción casi para ti solo, tal es la sensación de cercanía y de intimidad que transmite. Este stand y este traje son una muestra más de que el ‘Ziggy Orange’ preside toda la exposición. La última fotografía y la última bala en la recámara…7a5c7625Y hasta aquí esta entrada y esta revisión de “David Bowie is”, un título que es a la vez una frase incompleta: Quedan abiertas las interpretaciones sobre todo lo que representó esta gran figura. Con este post, y sabiendo que nunca será lo mismo, he pretendido que el lector sienta en parte las mismas sensaciones que si hubiera asistido a ella. 125 fotografías, de las cuales la inmensa mayoría son copyright y propiedad por supuesto del Victoria & Albert Museum, aunque se encuentran diseminadas por la red.

“¿Asistió alguna vez David Bowie a la exposición?” le preguntaron a la comisaria. Sí, fue una mañana de julio del 2013. Fue junto con su familia y le emocionó, al mismo tiempo que se mostró muy relajado.

En mi modesta y por supuesto parcial opinión, la publicación de una canción tan extraordinaria y hermosa como Starman y esa actuación televisiva -¿es exagerado afirmar esto?- marcan uno de los momentos más brillantes y de más trascendencia en toda la historia del rock del siglo XX.

 

 

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The Radio Dept.: Committed to the Cause / This Thing Was Bound to Happen

best20161Otro buen álbum publicado en el 2016: Pop indie, pop electrónico, pop inteligente y bien facturado, pop bailable, dream pop…ellos son los suecos The Radio Dept. y aquí traemos dos excelentes canciones de su último trabajo…

The Radio Dept. es una banda de pop electrónico originaria de Lund, Suecia. Adscritos mayormente a lo que se conoce como dream pop (atmosférico, envolvente, evocador, cuidado…) pero también a una etiqueta sin duda enigmática: el shoegazing o shoegaze (literalmente, “contemplarse los zapatos”, la expresión viene del gran uso que hacen de los pedales de pie los componentes de grupos así. Es un estilo donde se desdibujan mucho las fronteras entre los diferentes elementos de los temas, tales como instrumentos y voces, hasta el punto de que se concibe a la voz como un instrumento más. Se hace gran uso de la distorsión -guitarras, principalmente- y de otros efectos sonoros como el feedback, y todo ello en buena medida usando los pedales de efectos. Capas y capas de sonido en una especie de ola sonora donde no se distinguen los instrumentos. Este tipo de músicos están constantemente con la cabeza baja mirando hacia sus pies. Probablemente el grupo más emblemático e influyente sea My Bloody Valentine, que han publicado algunas obras clave en este género). Y aunque los suecos hacen y parten en buena medida del shoegazing, con el tiempo han ido derivando hacia un pop mucho más bailable.

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Una imagen retrospectiva de la banda

La banda nace en 1995, cuando los entonces compañeros de clase Elin Almered y Johan Duncanson deciden llamarse de esta forma en base a una antigua gasolinera reconvertida en tienda de reparación de radios, la “Radioavdelningen” (el vocablo sueco para The Radio Department). Sin embargo aparcan el proyecto hasta 1998, cuando Duncanson lo retoma pero esta vez con Martin Larsson. En el 2001 entra la entonces novia de Larsson, Lisa Carlberg -al bajo-, y también Per Blomgren a la batería y Daniel Tjäder en los teclados.

El grupo gana cierta popularidad al incluir tres de sus canciones en la banda sonora del film Marie Antoinette de Sofia Coppola. Diversos cambios y deserciones les llevan hasta la formación de trío -con Tjäder- y actualmente de dúo: los mencionados Duncanson y Larsson. Se prescinde de batería y bajo y se echa mano -cómo no- de la electrónica y de las pistas.radio_dept_feb_2011_235

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De izquierda a derecha: Martin Larsson, Daniel Tjäder y Johan Duncanson

Su álbum de debut, Lesser Matters en el 2003, recibió el elogio unánime de la crítica. Desde entonces su producción ha sido bastante parca, tan solo 5 discos -y uno de ellos es una recopilación de singles-, pero han mantenido intacto su prestigio para los medios especializados. Han tenido que pasar 6 años desde que saliera Clinging to a Scheme (2010) hasta la publicación de su último trabajo, Running Out of Love. Quizá se estén “quedando sin” o “agotándose las existencias” de amor, pero no así las de talento e ideas.radio-dept-running-loveÉsta es la maravillosa portada del disco, de claras reminiscencias bélicas, y que enseguida captó mi atención. Me ha costado un buen rato averiguar su origen, pero ha valido la pena: Se trata en realidad de una pintura al óleo, sobre lienzo, realizada por el ruso Geli Mikhailovich Korzhev y titulada Before a Long Journey. Aparentemente se encuentra en el Museum of Russian Art, pero este museo no está en territorio ruso, sino en Minneapolis, Minnesota. Aquí tenemos la pintura original, es fantástica…1_122Lo más significativo y remarcable de este nuevo trabajo, aparte de contener muy buenas canciones, es que se trata de un álbum combativo, reivindicativo, lleno de canciones protesta. Efectivamente, se trata de un alegato donde se muestra la preocupación del dúo por el auge de la extrema derecha en Suecia. Tal como nos explica por ejemplo la crónica del disco hecha en jenesaispop.com:

“Preocupados por el auge de la extrema derecha en su país, su pretensión es sacudir caderas y conciencias, no sólo en Suecia, sino en un Occidente amenazado por los mismos males: el miedo, la insolidaridad y el fascismo. Si ya le dedicaron un single deseando su muerte, la gravedad de la situación actual les ha llevado a construir un disco completo para atacarlo. Y es el mejor de su carrera.

‘Running Out of Love’ es una obra pegadiza, inmediata y fantástica de canción protesta bailable, en la que The Radio Dept. han mutado sus postulados: suenan mucho menos lo-fi y dream pop, más sintéticos y orientados al dance, pero manteniendo su melancolía y evanescencia habituales.”

Ese single al que se hace referencia es Death to Fascism, editado en el 2014. También el portal NPR.org nos habla del mismo y preocupante asunto: La corriente conservadora fue tomando forma en Suecia hasta materializarse en el partido político de más que engañoso nombre Sweden Democrats. El primer ministro del país escandinavo, el socialdemócrata Stefan Löfven, calificó a tal formación -noticia de octubre del 2016- de “partido nazi y racista”. Los Sweden Democrats han visto aumentar su popularidad y el número de votos cosechados gracias a sus fuertes críticas a las políticas de inmigración suecas, y a sus promesas de reducir drásticamente esas tasas.

La web sopitas.com también se hace eco de los aires de reivindicación y protesta que trae el nuevo disco de los suecos, debido al preocupante giro sociopolítico que se vive en unos cuantos países de Europa:

“En un comunicado de prensa la banda señaló que este nuevo lanzamiento está inspirado en el “movimiento” en dirección contraria, tomando como inspiración el cómo nuestra sociedad parece estar en regresión tanto en niveles políticos, intelectuales y morales. Muestra la apatía cuando el amor por el mundo y nuestra existencia comienzan a tambalearse.”

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Larsson y Duncanson, el grupo ya reducido a dúo

Así que ésas son las que traen los actuales The Radio Dept.: Dream pop, música dance, buenas canciones, pero a la vez protesta y combate al fascismo, el racismo, la xenofobia, la intolerancia y la deriva ideológica hacia el radicalismo de derechas, todo ello fenómenos preocupantes. Por supuesto lo hacen a través de unas letras comprometidas, a veces también desde el mismo título: Sloboda Narodu significa “libertad para el pueblo” en serbocroata, un conocido slogan popular que usaron los yugoslavos que lucharon en la resistencia contra el eje fascista en la Segunda Guerra Mundial. Mientras que Swedish Guns es un duro alegato contra la industria armamentística de su país, y We Got Game llama a la responsabilidad de los votantes a la hora de escoger gobierno. Estos chicos, aparte de hacer buenos temas, ya me han arrancado unos cuantos aplausos a nivel ideológico.

Committed to the Cause es uno de los mejores cortes del disco. Esa irresistible línea de bajo invita al baile directamente. Tiene un sonido muy Madchester y recuerda poderosamente -esos magníficos teclados- a los marchosos Happy Mondays mezclados con un toque dandy a lo Prefab Sprout.

Podría haber escogido perfectamente otra excelente canción, Teach Me to Forget  -de hecho era mi primera elección- como segundo tema de esta entrada. Una canción que a la vez rinde tributo y muestra la gran influencia que ha ejercido en ellos una banda como New Order. Pero al final ha vencido la belleza de un estribillo tan bonito como el que posee este otro tema…

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Hamilton Leithauser + Rostam: A 1000 Times / 1959 / The Morning Stars

best20161Hamilton Leithauser es un cantante, songwriter y a la vez multiinstrumentista norteamericano. Antes de iniciar su carrera en solitario en el 2014, era conocido principalmente por ser el vocalista principal de la banda norteamericana de indie rock The Walkmen, con los que grabó siete álbumes de estudio. Su debut como solista dicho año lo hizo con el disco Black Hours. En el 2016 saca su segundo trabajo, a la postre uno de los mejores discos del año, destacado en muchísimas listas y aclamado en general por la crítica internacional: I Had a Dream That You Were Mine. En este álbum colabora el antiguo multiinstrumentista y productor de Vampire Weekend, Rostam Batmanglij, y lo hace a tiempo completo, en todos los cortes. Porque Rostam ya había colaborado con Hamilton en dos canciones del álbum Black HoursAlexandra y I Retired. Vampire Weekend, una interesantísima banda neoyorquina para quienes no los conozcan y nunca los hayan escuchado: Grandes canciones, con enorme frescura y gancho y con remarcables influencias de los ritmos africanos (hace años que los conozco y tengo unas cuantas cosas).b4d4b6b1Se han unido en este trabajo dos personalidades musicales muy diferentes: Hamilton es la voz volátil que viene del intenso garage rock de los Walkmen, con un talento seco y cargado de sarcasmo. En este disco que nos ocupa hace toda una exhibición y despliegue de diferentes registros vocales: Recitados propios de un crooner, aullidos punky, baladas cargadas de folk, encantadoras armonías o ásperas meditaciones. Mientras que Rostam es un creador de afropop con su ex-grupo, y ha transitado por estilos como el calypso o el synth-pop de los 80, entre un amplio abanico de world music. Y ambas personalidades con toda esa variedad de registros se amoldan a la perfección dentro del crisol del indie rock.

Crónicas hay, por supuesto y muy detalladas, que desmenuzan este gran disco tema a tema. Pero uno de los grandes rasgos de I Had a Dream That You Were Mine es la evidente influencia en sus canciones de todo un pasado musical. Como muy bien describe la crónica de pitchfork.com:

“With Batmanglij’s piano and Leithauser’s voice as their guiding forces, the duo answer a question that has eluded many a musician before: How do you incorporate the music of the past without losing yourself in what’s already been done?”

Esas influencias abarcan desde el doo-wop al rock’n’roll y el country-rock, pasando también por Leonard Cohen, Bob Dylan o el pop barroco de George Martin. Melodías en plan Disney, aires cinematográficos, guitarras españolas, banjos o el piano tocado magistralmente por Rostam.

Como también nos dice un artículo de theguardian.com, este disco es “a record that’s remaking the past for the present”. A propósito de ese terreno común que han encontrado para trabajar, Leithauser dice que se han basado en “a shared love of American roots music”. Por eso no es de extrañar que “their earworms -melodías pegadizas- are evocative of a different time”.

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Rostam Batmanglij -a la izquierda- y Hamilton Leithauser

Éste no es el vídeo oficial de A 1000 Times, sino una aparición en un show televisivo. Cómo me ha enganchado esta canción estas últimas semanas. Leithauser la interpreta con una enorme fuerza vocal, tan desgarradora que algunas crónicas le comparan con el mismísimo Springsteen. Ahí va, ni más ni menos que una de las mejores canciones del 2016…

El segundo tema es una auténtica maravilla, con muchos aires hollywoodienses, de musical y de cosas que nos pueden sonar muy familiares, aunque indefinidas: El sello vintage parece innegable. 1959 es su título y cuenta con la colaboración a la voz de Angel Deradoorian. Deradoorian, de padres armenios, es una cantante y songwriter de pop y rock indies, también multiinstrumentista, establecida en Los Angeles. Ya en el 2009 grabó un tema con Rostam.

The Morning Stars. Gran, gran disco, señoras y señores…

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Messer Chups: Magneto / Shandor Diabolikov / Chupacabra Twist

La propuesta que traigo hoy es bastante pintoresca, pero interesantísima y a la vez divertidísima. Ya la verdad es que la simple lectura o mención de su nombre me provoca una sonrisa de oreja a oreja: Messer Chups…Creo que ello es debido a que inconscientemente lo asocio a los célebres y universales Chupa Chups. Además el lector podrá aparte de escuchar ver sobradamente el enorme sentido del humor que destila esta formación…1375160808_messer-9_largemaxresdefault1

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Con el antiguo batería Denis “Kashey” Kuptzov -a la izquierda-, Zombie Girl y Gitarkin

Aunque quizá a más de uno se le quite la sonrisa de golpe: Son divertidos pero tremendamente siniestros, ya que “Messer” significa cuchillo en alemán. Y “Chups”…pues según algunas fuentes haría referencia al ruido que hace un cuchillo al penetrar la carne, mientras que según otras sí sería un guiño a los célebres caramelos con palito…Según una publicación mejicana, su nombre quiere significar “polo o helado de cuchillo” o “paleta de cuchillo” en Latinoamérica.

maxresdefault2Tenemos buenas pinceladas de su biografía -especialmente formación e inicios- por ejemplo en la Wikipediaen ALLMUSIC o en su propia página web. Pero repasemos sucintamente cómo surgió esta banda. Cómo y dónde, porque aquí llega la primera y agradable sorpresa: Messer Chups es una banda experimental de surf music, y tiene sus orígenes en la ciudad rusa de San Petersburgo. Porque los verdaderos inicios los tenemos en la banda germano-rusa Messer für Frau Müller. La integraban Oleg Gitarkin -el alma y creador de todo este proyecto y único miembro invariable hasta hoy- y Oleg Kostrow. Se deshace esta formación y Gitarkin crea posteriormente -en 1998- Messer Chups, que puede por tanto considerarse un “spin-off” del grupo germano-ruso. Esta originaria banda era difícil de mantener activa, pues Gitarkin vivía en Hamburgo y Kostrow en Moscú.1035_images_1459273962_messerGitarkin se mantiene firme al frente de Messer Chups, y la banda va cambiando de componentes, por momentos siendo un dúo y a veces un trío. Me voy a ahorrar la sucesión de nombres, porque hay unos cuantos. El proyecto poco a poco se va asentando y sacando trabajos, con Gitarkin ya de vuelta a San Petersburgo desde el 99. Hacia el 2005 es cuando empieza a tomar forma el actual lineup. Es en el 2004 cuando se incorpora al bajo la chica, con el alias de ZombieGirl. En el 2005 se quedan como dúo Gitarkin y ella, y aún pasarían dos baterías diferentes y hasta incluso un vocalista, siendo a partir del 2007 un trío. El último en incorporarse es el actual batería, el germano-chileno Boris Israel Fernandez (se uniría en el 2011, aunque no figura en los créditos de dos trabajos del 2015). De manera que la formación actual es (los alias en rojo):

  • Oleg Gitaracula (Oleg Fomchenkov, antes también Oleg Gitarkin) – A la guitarra.
  • Zombierella (Svetlana Nagaeva, antes también ZombieGirl o Zombie Girl) – Al bajo.
  • Dr Boris (Boris Israel Fernandez, también se hace llamar Bisfer y antes de eso Boris Twang) – A la batería.

Todavía -antes de proseguir- voy a hacer una puntualización acerca de sus componentes, a modo de aclaración. Creo que es necesaria, porque hay cierta confusión en este punto. La primera componente femenina de Messer Chups fue Annette Schneider. Forma dúo con Gitarkin al principio de la formación, y participa en los dos primeros discos: Chudovishe & Chudovishe (1999) y Miss Libido (2000). Pero el error o confusión viene de que algunas páginas web afirman que Annette Schneider “fue reconvertida” más tarde a Zombie Girl, con lo cual se la está confundiendo con Zombierella o asumiendo que son la misma persona. Y esto es incorrecto: Annette Schneider es una promotora y música alemana que tocó los sintetizadores en esos discos, mientras que Zombierella (Svetlana Nagaeva) es rusa, toca el bajo y se une a la formación en el 2004. La web del grupo es clara al respecto, y como prueba definitiva tenemos este vídeo en Facebook donde vemos a la alemana: Messer Chups starring Annette Schneider.

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La banda con un anterior batería, Rockin’ Eugene, en un concierto en San Petersburgo

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Actuación en Valladolid en el 2016: Gitarkin, Dr Boris y Zombierella

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Dr Boris en la sala El Sol de Madrid, mayo del 2017

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En la sala 16 Toneladas en Valencia, mayo del 2017. Participaron en el Festival Surforama en Valencia

Lo interesante de esta banda es el estilo que practican, y que recoge un enorme caleidoscopio de influencias diversas: Rock instrumental, surf rock, rockabilly, psychobilly, horror punk, sonido de big bands, lounge music…Pero hay mucho más: En los últimos tiempos se han orientado hacia propiamente la surf music, pero en sus inicios el grupo tenía un carácter mucho más experimental y vanguardista, de forma que Gitarkin incorporaba sintetizadores antiguos, instrumentos poco comunes y sobre todo samples, capas de sonido, bucles y otros efectos o voces con un corta-pega de viejas películas de serie B y de terror, tanto de la Europa del Este y Rusia como americanas. Y de ahí viene la otra gran fuente de inspiración, ya no solo a nivel sonoro, sino también estético y temático: Viejas películas de los 50 y los 60 -incluso horror/sci-fi b-movies de los años 30-, de las que sacaban y sacan sonidos, imágenes e ideas, dando así a los temas y al estilo del grupo un aire retro y vintage. A todas estas influencias y esa dosis de terror añádase mucho humor y…¡¡¡bienvenidos al reino del horror surf!!! 1499256918_19237813_10158869928975392_2379504775510980041_omchupsToda suerte de personajes y referencias célebres podemos encontrar en esa revisión del cine de terror, vintage o de serie B que hacen los Messer Chups a través de sus temas: Vincent Price, Betty Page, Bela Lugosi, films de Russ Meyer o Ed Wood, la Familia Addams, Drácula, vampiros, hombres-lobo, zombies, monstruos, extraterrestres, platillos volantes, momias, el antiguo Egipto, robots, la carrera espacial, antiguas caricaturas y cómics soviéticos, El Santo, James Bond, films de la Universal y la Hammer, el cine slasher (cortes y cuchillazos a cargo de un psicópata solitario, con pobres adolescentes indefensos…) o el subgénero “Giallo” italiano…Como puede verse, la lista no es corta…

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Cine slasher: Cuchillos, horror y sangre

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La gran SuperVIXENS de Russ Meyer. Veremos una escena en uno de los vídeos…

giphyPero volvamos por un momento a lo estrictamente musical. Porque dos parecen ser las referencias clarísimas en el estilo de Messer Chups: The Ventures y The Cramps. The Ventures parece el nombre por excelencia en esto del rock instrumental y el surf rock, aunque sin duda hay más formaciones (Dick Dale, The Trashmen o The Surfaris), pero el veteranísimo grupo de Tacoma, Washington -aún en activo- es ya un clásico en el amplio universo rock. De otro lado tenemos a The Cramps, irreverencia y frescura, practicaban garage punk y psychobilly, género que innovaron (tomar el rockabilly original y acelerarle el ritmo, mezclándolo con referencias a films de terror, ciencia ficción de serie B y elementos oscuros o góticos, temáticas a veces “tabú” como la violencia o el sexo escabroso).

Y aparte de esas dos claras referencias, otras influencias en el sonido de nuestro grupo son el sonido lounge (“easy listening” de los 50 y los 60) de algunas big bands (Henry Mancini, Les Baxter…) y el rock en general de los 60.

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Recuerdo perfectamente a The Cramps y su frenético estilo, entre otras cosas porque me compré algún vinilo suyo…

Otro aspecto a destacar del grupo es, cómo no, Zombierella. Y con lo que voy a decir no quiero parecer ni sonar sexista ni machista. Mi impresión personal es que la componente rusa aporta una mayúscula porción del gancho visual que tiene la banda. Nuestra ZombieGirl es atractiva y sexy -a mí me lo parece- y ha sabido explotar esa innegable carga erótica haciéndose multitud de fotos y poniendo su imagen como algo automáticamente reconocible (también) al servicio del grupo. Estos son los hechos y cúanto hay de sexista en quien lo lleva a cabo y quien lo disfruta ya sería otro debate. A mí me parece perfecto que cualquier persona -mujer u hombre, atractiva o no- se haga infinidad de fotografías para mostrar o aprovechar su imagen, y en este caso su atractivo. Pero ella no está en el grupo meramente como chica florero: Toca el bajo y también pone en algunos temas la voz. Y por supuesto por reparar en ella no quiero decir ni de lejos que el impacto o éxito del grupo -y menos su valía- se deban exclusivamente al físico de ella.

Repasemos algunas fotografías de la chica pin-up, que me parece a mí que no solo quiere dar imagen de femme fatale, sino de muy, muy, muy fatalemesser-chups-901x1030maxresdefault3z11620629ier831128948734930_4785715534718_1196446978_ncionxrn2ew8zombierella12107716923_a316d7237f_bmc-009-527x750042b0475fd77a09716151e3de92b35822gwgwnvy85w1487698387785-messer-chups-3tv20eye20labelfest20-2029-04-201620-20badehausd3281758741ed9355b857b7d482d48b3854b5710aa83d81c3e45561e6d1c1156d0cf1bde77207e8fcc2b3ee39ef0d19d43309be5f6baa8ee80c04b7ae33703016bb59fea389f13fe3b405efc916a234a7eaaa165224fe47f3eb1a35daf80677e59efc947cf2c75d0eaf8bef41b846f96-character-inspiration176fe9eec5ddfdda4208cc7e1254749bd-rockabilly-music-pin-up-rockabilly0fa41122dedb9816c9af2eac260268ecHay muchísimas más…Lo sé y asumo el mea culpa: Es totalmente sexista resaltar a Zombierella por su físico o su atractivo y no por su rol musical o profesional. Yo lo veo como facetas totalmente distintas de una misma persona, y una no tiene por qué desmerecer u ofuscar a la otra. En realidad me gusta mucho el rol de los tres integrantes frente a sus instrumentos: Lo hacen realmente muy bien. En ese sentido es evidente que el que mayores elogios puede llevarse y realmente corta el bacalao es Oleg Gitarkin -de quien no he encontrado decenas de fotos luciendo físico, no me voy a ahorrar el apunte-. Todos los asistentes a sus conciertos así como críticos coinciden en resaltar su profesionalidad y descomunal talento tocando la guitarra. Es todo un crack, y no sería ninguna estupidez considerarlo uno de los mejores guitarristas de surf rock a nivel mundial.

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Vaya, ahora Oleg quiere llevarme la contraria…

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¡¡Sangre!! Genial fotografía…

099gitarkin_i_vilka_3181469411704_56a3fd55aeVamos a terminar este amplio repaso fotográfico del grupo con unas imágenes de su paso por la Sala López de Zaragoza en octubre del 2014.messer-chups-sala-lopez-07messer-chups-sala-lopez-02messer-chups-sala-lopez-12messer-chups-sala-lopez-08messer-chups-sala-lopez-09Los Messer Chups han estado unas cuantas veces en España, y muy probablemente empezaran a actuar por estos pagos hacia el 2008. Así que no son unos perfectos desconocidos. De hecho, gozan de cierta fama a nivel mundial y a partir de cierto punto en su discografía hasta se los empezó a considerar grupo de culto. Han actuado en infinidad de países.

Podríamos explicar muchas más cosas, que quizá queden para otros días, pero concluiremos diciendo que Messer Chups, como explican en una interesante entrevista al portal mejicano NOISEY, funciona a la vez que otros proyectos paralelos a la banda o estrechamente relacionados: The Guitaraculas, Aloha Swamp, The Bonecollectors, The Incredible Pornobillys, Bang! Mustang u otros. Así…

“Creo que cada uno tiene ciertas diferencias con lo que hacemos en Messer Chups. En The Guitaraculas hay un vocalista y me gusta definir nuestro sonido como ghostbilly; en cambio, Aloha Swamp es un grupo que está más inclinado hacia la música hawaiana y ahí yo toco la steel guitar. (Oleg dixit)

“En The Bonecollectors utilizamos un contrabajo y combinamos el rockabilly con el horror, además de que yo canto en varias canciones.” (Zombierella dixit)

“Bang! Mustang tiene un sonido un poco más clásico y por eso lo bautizamos como kickass power surf.” (Boris dixit)

Y como muestra de ello y tal como nos explican en dirtyrock.info, la reciente gira por España de este 2017 era para presentar nuevo álbum, Preachers of the Night, pero que en realidad es un disco y proyecto paralelo de The Guitaraculas.messer-chups-anuncia-gira-espac3b1ola-para-presentar-su-nuevo-disco-the-guitaraculase2808b-e2808bpreachers-of-the-night

Os dejo ya con su música. Y esto empieza muy fuerte, con la sensacional Magneto

Cóctel perfecto: Terror y erotismo con Shandor Diabolik

Finalmente Chupacabra Twist. Mucho humor, terror y misterio con esa célebre criatura…

(Joder, como más les escucho más me gustan). Para otro día, algo muy interesante y curioso en relación a la historia de este grupo y su sonido…

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Kate Tempest: Europe Is Lost (traducida)

best2016En este particular y superficial repaso a lo mejor que nos dejó el 2016 -muchísimos trabajos se van a quedar fuera, sin duda- me parecería casi imperdonable pasar por alto un nombre: Kate Tempest. Habrá muy buenos discos este pasado año, pero el que publicó la artista londinense me parece algo muy especial y totalmente diferente. Coincido en una expresión que leí al respecto: Es como haber encontrado oro, y esto no sucede todos los días. Algo en ella me llamó poderosamente la atención, me atrapó, y no fue ni una canción ni…”la música”. Seguramente es su fuerza arrebatadora y su gran talento. Pero es mucho más que “un disco”: Se trata de toda la propuesta artística y musical de esta chica.entrev_kate_tempest_rdl357_2Pero…¿quién demonios es Kate Tempest? Si ya la conocías, si habías oído hablar de ella o leído algunas reseñas, felicidades por lo que a mí respecta. Así me gusta, demuestra que estás razonablemente al día. Si por el contrario es la primera vez que te topas con su nombre, ésta es tu ocasión para subirte a este tren. Porque la realidad es que no hay excusa para seguir desinformado acerca de Kate Esther Calvert (1985, criada en Brockley, sudeste de Londres): Se pueden encontrar artículos y reseñas de su último trabajo por ejemplo en El PAÍSen ROCKDELUXen El Quinto Beatleen jenesaispopen mondosonoro (1)(2) o (3)en indiespot o en indienauta. Y por supuestísimo también en los medios anglosajones, donde es bastante fácil encontrar numerosos artículos.

Ya que me gusta sacar mi parte cabrona de vez en cuando y fustigar con algún latigazo, ahí va éste: ¡¡Que estamos en el siglo XXI!! (despierta).

“La gran esperanza del micro y las letras británicas”. El terremoto, el torbellino. Tempest, La Tormenta Perfecta. Me da la sensación, y desde luego los medios lo aseguran, de que ha llegado para quedarse…p02vrd53Su trabajo del 2016, Let Them Eat Chaos, no aparece en todas esas recopilaciones del año, pero sí en unas cuantas. Y en éstas lo sitúan sin dudarlo un momento como el mejor disco del año, o algunas de ellas en su defecto en las primeras posiciones.

Creo que no es mala idea echar mano de algunos de los artículos y reseñas que he enlazado antes y citar cómo nos presentan a la artista. Esas introducciones sucintas y certeras de los medios especializados nos dibujan un retrato rápido y nos dan una visión de conjunto. Combinaremos esas citas con explicaciones sobre puntos más concretos de su obra. Así por ejemplo El PAÍS nos dice de Tempest:

“Kate Tempest es inclasificable, pero queda claro que lo que hace lo hace a conciencia (…) y con resultados excepcionales. En los últimos años ha sido nominada al prestigioso Mercury Prize por su primer disco, Everybody Down (Big Dada), ha ganado el reputado Ted Hughes por su innovación en poesía, y está considerada la nueva voz poética más relevante en inglés por la Poetry Society. (…) Quien la ha visto en directo ha podido comprobar que se trata de una intérprete electrizante que, además, usa exclusivamente la fuerza arrasadora de un hip-hop comprometido. Tempest es, en el escenario y fuera de él, una mezcla de trovadora, Janis Joplin y James Joyce.”

En un soberbio artículo/entrevista, como nos tiene acostumbrados Rockdelux, se dice esto de la londinense:

Compagina poesía, teatro, novela y música, diferentes formatos que le sirven para fijar la mirada en la realidad circundante, empatizar con los personajes y elevar sus conflictos a la categoría de universales. Kate Tempest cuenta historias ensamblando con naturalidad los modos del rap, el techno y la literatura. Entre sus influencias: Samuel Beckett, James Joyce, W. B. Yeats, William Blake, W. H. Auden y Wu-Tang Clan.”

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Repasemos de entrada algunas de esas referencias o influencias culturales en su obra, dejando aparte las meramente literarias como Joyce o Yeats. Porque hay una serie de nombres que se repiten en varias crónicas. Así mondosonoro.com también argumenta:

“En algún momento de su vida, Kate Tempest descubrió el poder de la palabra y desde entonces decidió que sería el cruce perfecto entre dos hombres, John Cooper Clarke y Mike Skinner, con las mismas pelotas que James Williamson*, la misma mala leche, pero un vocabulario mucho más amplio.” 

*Se refiere al guitarrista, songwriter y productor que fue miembro de la icónica banda de proto-punk rock The Stooges, y que tuvo un papel destacadísimo en el tercer disco de la banda, Raw Power, que ayudó a componer.

Wu-Tang Clan es un grupo de rap originario de Staten Island, Nueva York. Está formado por 9 raperos y todos sus miembros han lanzado álbumes solistas, habiendo producido además a diferentes grupos y artistas. Convertirse en un imperio y tomar la comunidad hip-hop con variedad de artistas era la idea de entrada. A grosso modo su estilo se ha caracterizado por la dureza, beats surrealistas y letras agresivas cargadas de metáforas, referencias a la vida en el Staten Island o a la lucha del vivir de la calle, con referencias al folklore chino y a películas de artes marciales. (Fuente: Wikipedia).

John Cooper Clarke (Lancashire, 1949) es un poeta que se dedica a hacer performances, es decir, a recitar poesía en público. Se hizo famoso con la explosión del punk a finales de los 70 y es conocido como “el poeta del punk”. Ha publicado diversos álbumes en los 70 y los 80. “Es uno de los artistas más procaces, mordaces y estimulantes de la poesía performance de todos los tiempos. La palabra es su estoque, su campo de batalla, su (a menudo única) herramienta.” Ha compartido escenario por ejemplo con Sex Pistols, Buzzcocks, Elvis Costello o The Fall. Alex Turner de los Arctic Monkeys reconoce su influencia en la obra de este grupo, especialmente en el primer disco. “Poeta, músico y artista de performance que logró elevar el punk a un nivel literario que expresa la furia del movimiento creando una libertad personal por medio de la expulsión de palabras.”

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John Cooper Clarke

Mike Skinner (Birmingham, 1978) es un rapero, músico y productor inglés, que comandó un proyecto llamado The Streets. Un proyecto de hip hop y UK music garage, que quedó disuelto tras publicar 5 discos (1994-2011), dar una voz propia al rap británico e influir en esta escena y en el pop inglés. Multiinstrumentista, se encargaba de las voces, arreglos, mezclas, sintetizadores, teclados…Algunos medios como NME le consideran uno de los grandes letristas de nuestros días, capaz de transformar su monólogo interior en poesía.

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Mike Skinner

En este repaso de artistas que han influenciado a Tempest o afines a ella, nos viene perfecto un gran artículo publicado hace unos meses en la sección de música de Red Bull. Titulado Los sonidos del Brexit, nos sirve de maravilla para hacer un retrato de la situación sociopolítica, cultural y musical de Gran Bretaña, situando a Tempest en el contexto:

“¿Qué tienen en común Kate Tempest, Skepta y Sleaford Mods?

Es idea bastante consensuada que, como reacción al rodillo del thatcherismo, el pop británico canalizó su invierno del descontento en los años 70 y 80 con una creatividad casi inigualable en toda su historia. ¿Es aquello comparable con los tiempos actuales? Probablemente no a niveles masivos, pero sí están aflorando algunos artistas que, pletóricos de inspiración, han captado el espíritu de un momento presidido por la crisis económica, las políticas de austeridad, el rebrote conservador y la incertidumbre provocada por la amenaza del Brexit.”

Se detiene en la figura y obra de Tempest, y se habla de otra formación destacada, donde encontramos a otro Williamson: Andrew Fearn y Jason Williamson tienen 46 y 47 años, proceden de Nottingham y forman el dúo Sleaford Mods:

“(…) Enlazando con Kate Tempest y Skepta, sus influencias fundamentales para cambiar de rumbo fueron The Wu-Tang Clan y The Streets. (…) Desde los medios se les ha pintado como héroes o portavoces de la clase obrera, algo con lo que ellos nunca han querido sentirse identificados. Las suyas, sostienen, son canciones que retratan el día a día, cuentan lo que hay, lo que viven, lo que ven, lo que sienten. Y eso, claro, no es de buen rollo: las palabras escupidas vitriólicamente por Williamson surgen de la tragedia y el fracaso. Su lugar generacional también es diferente, situándose en la crisis de la mitad de los cuarenta.” 

Y según este interesante artículo, los 3 nombres citados en esa interrogación han acertado a la hora de plasmar la poesía desesperada del momento”.

Sleaford Mods

Sleaford Mods

Las mencionadas fuentes y otras citan otras influencias que no vamos a detallar. Simplemente nombremos a Linton Kwesi JohnsonGil Scott Heron, Michael Franti o Zack de la Rocha (ex Rage Against the Machine). Además hay que decir que Tempest ha hecho de telonera de su admirado John Cooper Clarke y que también ha apoyado actuaciones de otro ilustre activista, Billy Bragg (que se ha declarado admirador de ella). En cuanto a ella misma, y yendo al auténtico meollo de la cuestión, la pregunta sería a qué género se dedica o a cúal podemos adscribirla. La respuesta ya nos la han apuntado las anteriores reseñas: A varios y a ninguno en concreto. Algunos medios la presentan como rapera o cantante de hip hop, pero eso es evidentemente insuficiente e inexacto. Ni siquiera podemos decir que sea (estrictamente) música o songwriter. Kate es ante todo una escritora, poeta y también una autora teatral (“playwright”). Kate es una artista de la palabra hablada (“spoken word”). También utilizan otra palabra para definirla: Una rapsoda (“persona que recita poemas”).sf16_1200x627_katetempest

Kate se licenció en literatura en la Universidad de Londres, después de ir formándose en diversos centros. Su crecimiento y adolescencia fueron de todo menos tranquilos: Vivió en asentamientos okupas, participó en piquetes y manifestaciones contra la policía. Vivió de los 14 a los 18 años en una tienda de discos. Formó parte de las manifestaciones en Londres contra la guerra en Irak, lo cual ha declarado que le abrió los ojos al constatar que la opinión de miles y miles de personas no iba a cambiar la intención de algunos gobiernos ni el curso de la guerra. Así que a nuestra Kate ya podemos añadirle otra etiqueta a su variado currículum, y ganada a pulso: Activista.

Nos ayuda a entender todo esto el lugar y el contexto donde creció, Brockley. Nos lo explica EL PAÍS:

“¿De dónde sale la gran esperanza del micro y las letras británicas? De ­Brockley, una zona empobrecida del sureste londinense, donde la población de origen africano, caribeño y asiático alcanza el 50% de los habitantes. Crecer en Brockley en la década de los noventa la instaló por defecto en la tradición de jazz, spoken word y hip-hop —antes de que las clases creativas arrasaran la zona se podían encontrar una docena de actuaciones gratuitas semanales con micro abierto—, y fue en esos locales donde Tempest empezó a recitar en la adolescencia.”

Y así es. La chica tormenta intentó empezar como rapera y artista de hip hop. A los 16 años se estrenó en una noche de micros abiertos, en una pequeña tienda de hip hop en Carnaby Street, Londres. Pero aquéllo no la llevaría al triunfo ni a la fama. Una amiga le aconsejó a los 20 años que cambiara el foco, y se presentó a un evento donde se recitaba poesía…

“Fue en la improvisación y las batallas rapsodas donde se hizo un nombre rápidamente. Tras convertirse en la poeta joven más fulgurante de Reino Unido, volvió a la música. Fue al rapear ante uno de sus ídolos —GZA, de los legendarios Wu-Tang Clan— cuando comprendió que podía ser todo a la vez.” 

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Kate comprende que esa combinación explosiva (letras/poesía + música/rap) es la idónea, y efectivamente ahí empieza a arrasar. Se publican diversas obras literarias y también sus discos. Se estrena en este terreno con su primer disco de spoken word, Broken Herd (2010), y en el 2011 aparece Balance, al frente de la banda Sound Of Rum. Después el mencionado primer disco en solitario, Everybody Down (2014), por el que es nominada ese mismo año al Mercury Price. Hasta llegar a su segundo disco, el que nos ocupa. Es aclamada por gran parte de la crítica mundial y su fama se expande por todo el globo. Claro que este éxito y este reconocimiento -pese a que escriben sobre ella prestigiosos medios- nada tiene que ver con radiofórmulas o televisiones mainstream, con arrasar comercialmente, MTV’s, los 40 Principales o cosas así. Pero además lo gordo es que esa aclamación de la crítica ya no solo le llegará a través de sus discos, sino de su obra literaria y de la fusión e innovación que hace de ambas cosas. Los medios anglosajones lo explican con mucho más detalle. La artista que podía haberse limitado o refugiado en la literatura, pero que prefirió micrófonos y escenarios porque “el rap le cambió la vida”. The Guardian, en un artículo del 2013 dice de ella (contundente y clarificador):

“Anyone who has seen her on stage knows she is one of the brightest British talents around. Her spoken-word performances have the metre and craft of traditional poetry, the kinetic agitation of hip-hop and the intimacy of a whispered heart-to-heart.”

(Y más adelante):

“Something about Tempest’s manner, even in conversation, gives you the sense of immediate intimacy. She says she puts everything into her poetry, but is she also the sort of person other people want to tell their secrets to? Yes. All the time. And total strangers.” (Contesta ella).

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Su segundo libro de poemas, Hold Your Own (2014) “ha sido traducido al castellano en “Mantente firme” (La Bella Varsovia) y la compañía catalana de teatro Íntims Produccions ha estrenado “Wasted”, llevando este animalario anglosajón a las calles de Lleida con éxito.” (mondosonoro.com). Wasted (2013) es la última de sus 3 obras de teatro. Brand New Ancients es la performance de spoken word que le valió ese premio Ted Hughes, mientras que The Bricks That Built The Houses es su estreno como novelista en el 2016.0b44c906459fe636135db19d8ee1fc6e-1000x1000x1Volvamos a echar mano de Rockdelux:

“Su último trabajo, “Let Them Eat Chaos” (…) es un retrato coral sobre siete personajes que comparten tiempo (las 4:18 de la madrugada de un día cualquiera) y espacio (un bloque de pisos en los suburbios de Londres). Siete personajes que sufren insomnio, siete razones para padecer insomnio en los tiempos que corren. Un disco que, de entrada (no es su único valor), sorprende por trazar un arco narrativo con principio y final, como una ópera rock, aunque en este caso la autora da voz a todos los personajes. Y no es la única diferencia con este género. Quizá algún día se lleve a los escenarios…”

Se ha editado, atención, en disco y en libro. Tempest entrelaza las historias de 7 personajes que no se conocen entre sí. “Siete vecinos de un barrio de Londres (…) elucubrando a las 4:18 sobre el naufragio de sus vidas.” Sus problemas les mantienen despiertos después de un día muy duro, pero también se cierne una tormenta afuera -metafórica y real- que les hará salir a la calle. La autora vierte de una forma brutal una serie de temáticas, que van desde lo íntimo y sempiternamente humano -la soledad, la incomprensión, los miedos, la angustia, el stress y sinsentido de la vida moderna, la alienación- hasta las cuestiones de máxima actualidad que podemos calificar de sociopolíticas: La precariedad laboral, la pobreza, la exclusión, el drama de los refugiados, la inmigración, la guerra, el consumismo, el acoso a los derechos humanos, la xenofobia y el rechazo, la derechización de gobiernos y políticas, la llegada de Donald Trump, el terrorismo, la crisis de valores, el cambio climático, el Brexit, las horas bajas por las que pasa el Viejo Continente, la radicalización de las juventudes de ambientes marginales…

And you know (perfectly): Podríamos seguir, porque seguro que me dejo unos cuantos asuntos en el tintero. El corte que probablemente combina muchas de estas temáticas de forma más clara y rotunda es Europe Is Lost, single del disco y título lo suficientemente contundente.

“Más que un disco, “Let Them Eat Chaos” es una visita guiada por los servicios sociales (británicos, eso sí, aunque no hace falta mucha imaginación para generalizar), entre sudores, cerveza y sangre; un reportaje sobre la vida real en la que Kate Tempest narra vidas de gentes corrientes…” (mondosonoro).

“Londres, gigantesca e inabarcable, se convierte en su nuevo álbum en un espacio en el que sus habitantes sobreviven buscando afecto y solidaridad. Tempest crea y recrea unos cuerpos que se mueven frente a la soledad, pero que forman parte de un todo.” (EL PAÍS).

Nada está hecho al azar, y por supuesto tampoco el escoger las 4:18 AM como momento para trazar ese retrato coral. Preguntada al respecto, Tempest nos ilumina con un ojo agudo que desarma:

“La razón por la que he elegido una hora concreta de la madrugada es porque deja libres un montón de posibilidades narrativas para construir cada uno de los personajes. Si te preguntas quién está despierto y por qué a las cuatro y dieciocho de la mañana, te vas a encontrar a personas en un momento y un lugar muy vulnerable de sus vidas. Es interesante para mí pensar en ese momento y en esa hora porque si me encuentro despierta antes del amanecer, es que algo no va demasiado bien, y puede que esté bloqueada en unos pensamientos que pueden ser, sin embargo, muy reveladores. Por eso quise estructurar el disco así, haciendo del tiempo un concepto.” (Entrevista a mondosonoro).

“At that time in the morning, people are open with their vulnerabilities because they are not in the previous day or the coming day. The day doesn’t belong to anyone yet.” (Entrevista a NPR.org).

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Los músicos que acompañan a Tempest. Porque la cosa no va solo de spoken word o hip hop: Tenemos teclados y sintetizadores, efectos electrónicos y los estilos musicales conocidos como “grime” y “dubstep”. Let Them Eat Chaos, álbum producido por el reputado Dan Carey

Europe is lost, America lost, London is lost,  Europa está perdida, América perdida, Londres está perdido,
Still we are clamouring victory.  Y aún así estamos clamando victoria.
All that is meaningless rules,  Todo eso son reglas sin sentido,
And we have learned nothing from history.  Y nada hemos aprendido de la historia.
People are dead in their lifetimes,  La gente son muertos en vida,
Dazed in the shine of the streets.  aturdidos por el brillo de las calles.
But look how the traffic keeps moving.  Pero miran cómo el tráfico sigue en movimiento.
The system’s too slick to stop working.  El sistema es demasiado escurridizo para dejar de funcionar.
Business is good. And there’s bands every night in the pubs,  El negocio es bueno. Y hay bandas cada noche en los pubs,
And there’s two for one drinks in the clubs.  Y hay ofertas dos por uno de bebidas en los antros.
We scrubbed up well  Nos hemos acicalado bien
We washed off the work and the stress  Nos hemos sacado de encima el trabajo y el estrés
Now all we want’s some excess  Ahora todo lo que queremos es un poco de exceso
Better yet; A night to remember that we’ll soon forget.  Mejor aún; Una noche para recordar que pronto olvidaremos.
All of the blood that was shed for these cities to grow, Toda la sangre que fue derramada para que estas ciudades crecieran,
All of the bodies that fell.  Todos los cuerpos que cayeron.
The roots that were dug from the ground  Las raíces que fueron arrancadas de la tierra
So these games could be played  Para que pudieran practicarse estos juegos 
I see it tonight in the stains on my hands.  Lo veo esta noche en las manchas de mis manos.
The buildings are screaming  Los edificios están gritando
I cant ask for help though, nobody knows me,  Sin embargo no puedo pedir ayuda, nadie me conoce,
Hostile and worried and lonely.  Hostiles, preocupados y solitarios. 
We move in our packs and these are the rites we were born to  Nos movemos en nuestras pandillas y estos son los ritos por los que nacimos
Working and working so we can be all that we want  Trabajar y trabajar para ser todo aquello que queremos.
Then dancing the drudgery off  Después bailamos para sacudirnos la monotonía del trabajo
But even the drugs have got boring.  Pero hasta las drogas se han vuelto aburridas.
Well, sex is still good when you get it.  Bueno, el sexo todavía está bien cuando lo consigues.
To sleep, to dream, to keep the dream in reach  Dormir, soñar, mantener los sueños a nuestro alcance
To each a dream,  Para cada cual un sueño,
Don’t weep, don’t scream,  No llores, no grites,
Just keep it in,  Tan sólo mantente ahí dentro,
Keep sleeping in  Sigue soñando ahí dentro
What am I gonna do to wake up?  ¿Qué voy a hacer para despertar?
I feel the cost of it pushing my body  Siento todo ese precio empujando mi cuerpo
Like I push my hands into pockets  Igual que empujo mis manos dentro de los bolsillos
And softly I walk and I see it, it’s all we deserve  Y sutilmente camino y lo veo, eso es todo lo que merecemos
The wrongs of our past have resurfaced  Los errores de nuestro pasado han resurgido
Despite all we did to vanquish the traces  A pesar de todo lo que hicimos para superar las huellas
My very language is tainted  Todo mi lenguaje está contaminado
With all that we stole to replace it with this,  Con todo lo que hurtamos con tal de sustituir esto por lo otro,
I am quiet,  Estoy tranquila,
Feeling the onset of riot.  Sintiendo el inicio de la revuelta.
But riots are tiny though,  Pero las revueltas sin embargo son diminutas,
Systems are huge,  Los sistemas son descomunales,
The traffic keeps moving, proving there’s nothing to do.  El tráfico sigue moviéndose, demostrando que no hay nada que hacer.
It’s big business baby and its smile is hideous.  Es el gran negocio, baby, y su sonrisa es espantosa.
Top down violence, structural viciousness.  Violencia de arriba abajo, maldad estructural.
Your kids are doped up on medical sedatives.  Tus niños están dopados con sedantes de los médicos.
But don’t worry bout that. Worry bout terrorists.  Pero no te preocupes por eso. Preocúpate por los terroristas.
The water levels rising! The water levels rising!  ¡El nivel de las aguas está subiendo! ¡El nivel de los mares está aumentando!
The animals, the polarbears, the elephants are dying!  ¡Los animales, los osos polares, los elefantes están muriendo!
Stop crying. Start buying.  Deja de llorar. Empieza a comprar.
But what about the oil spill?  Pero…¿qué pasa con el vertido de petróleo?
Shh. No one likes a party pooping spoil sport.  Shh.  A nadie le gustan los aguafiestas.
Massacres massacres massacres/new shoes  Masacres, masacres, masacres / zapatos nuevos
Ghettoised children murdered in broad daylight by those employed to protect them.  Los niños del ghetto asesinados a plena luz del día por aquellos encargados de protegerles.
Live porn streamed to your pre-teens bedrooms.  Porno en vivo retransmitido a preadolescentes en sus dormitorios.
Glass ceiling, no headroom. Half a generation live beneath the breadline.  Techo de cristal, sin más altura. La mitad de una generación vive por debajo del nivel de pobreza.
Oh but it’s happy hour on the high street,  Oh, pero es la hora feliz en la calle principal,
Friday night at last lads, my treat!  Noche de viernes por fin, chicos, ¡es mi regalo sorpresa!
All went fine till that kid got glassed in the last bar,  Todo fue bien hasta que ese chico se emborrachó en el último bar,
Place went nuts, you can ask our Lou,  Se volvió loco en ese sitio, podéis preguntarle a Lou.
It was madness, the road ran red, pure claret.  Fue una locura, la calle se volvió roja, color burdeos.
And about them immigrants? I cant stand them.  ¿Y qué pasa con los inmigrantes? No los aguanto.
Mostly, I mind my own business.  Normalmente, sólo me preocupan mis propios asuntos.
But they’re only coming over here to get rich.  Es que solo están llegando aquí para hacerse ricos.
It’s a sickness.  Es una enfermedad.
England! England! ¡Inglaterra! ¡Inglaterra!
Patriotism!  ¡Patriotismo!
And you wonder why kids want to die for religion?  ¿Y te preguntas por qué los esos chicos quieren morir por su religión?
Work all your life for a pittance,  Trabajas toda tu vida por una miseria,
Maybe you’ll make it to manager,  Quizá llegues a ser encargado,
Pray for a raise  Rogando por un aumento de sueldo
Cross the beige days off on your beach babe calendar.  Pasando sus mediocres días libres frente a un calendario con chicas de playa. 
Anarchists desperate for something to smash  Los anarquistas se desesperan por algo que destrozar
Scandalous pictures of glamorous rappers in fashionable magazines  Fotos escandalosas de raperos glamurosos en revistas de moda
Who’s dating who?  ¿Quién está liado con quién?
Politico cash in an envelope  Políticos corruptos se pasan dinero en un sobre
Caught sniffing lines off a prostitutes prosthetic tits, Sorprendidos esnifando rayas sobre las tetas postizas de una puta,
And it’s back to the house of lords with slapped wrists  Es hora de volver a casa (la Cámara de los Lores) con una amonestación menor
They abduct kids and fuck the heads of dead pigs  Secuestran niños y se follan cabezas de cerdos muertos
But him in a hoodie with a couple of spliffs  Pero al que va con una sudadera con capucha y lleva un par de porros
Jail him, he’s the criminal.  A la cárcel con él, es un criminal.
It’s the BoredOfItAll generation  Es la generación de los aburridos de todo
The product of product placement and manipulation,  El producto de la publicidad insertada y la manipulación,
Shoot em up, brutal, duty of care, Los que se pasan el día disparando (en videojuegos), los embrutecidos, los que precisan vigilancia o asistencia,
Come on, new shoes.  Vamos, zapatos nuevos.
Beautiful hair.  Un bonito peinado.
Bullshit saccharine ballads  Baladas endulzadas llenas de gilipolleces
And selfies  Y selfies
And selfies  Y selfies
And selfies  Y selfies
And here’s me outside the palace of ME!  ¡Y aquí estoy fuera de mi propio palacio!
Construct a self and psyhcosis  Construyendo un ego y psicosis
And meanwhile the people are dead in their droves  Y mientras tanto, la gente muere en masa
But nobody noticed,  Pero nadie se da cuenta,
Well actually, some of them noticed,  Bueno, sí, algunos se han dado cuenta,
You could tell by the emoji they posted.  Lo sabemos por los emoticonos que han posteado.
Sleep like a gloved hand covers our eyes  Dormimos como si una mano enguantada cubriera nuestros ojos
The lights are so nice and bright and lets dream  Las luces son tan hermosas y brillantes…así que soñemos
But some of us are stuck like stones in a slipstream   Pero algunos de nosotros estamos atrapados como piedras tras una estela
What am I gonna do to wake up?  ¿Qué voy a hacer para despertar?
We are lost  Estamos perdidos
We are lost  Estamos perdidos
We are lost  Estamos perdidos
And still nothing  Y aún así nada
Will stop  Se detendrá
Nothing pauses  Nada se para.
We have ambitions and friends and our courtships to think of  Tenemos ambiciones y amistades y noviazgos en los que pensar
Divorces to drink off the thought of  Y divorcios que superar a base de bebida
The money  El dinero
The money  El dinero
The oil  El petróleo
The planet is shaking and spoiled  El planeta está temblando y echado a perder
Life is a plaything  La vida es un juego
A garment to soil  Una prenda que embarrar (en la que cagarse)
The toil, the toil.  La explotación, la explotación.
I cant see an ending at all. No puedo ver un final en concreto.
Only the end.  Sólo que habrá un final.
How is this something to cherish?  ¿Cómo puede amarse algo así?
When the tribesmen are dead in their deserts  Cuando los miembros de las tribus son asesinados en sus desiertos
To make room for alien structures,  Para hacer sitio a construcciones ajenas al lugar,
Develop  Desarrollo
Develop  Desarrollo
Kill what you find if it threatens you.  Mata lo que encuentres si ello te amenaza.
No trace of love in the hunt for the bigger buck,  No hay rastro del amor en la persecución de la pasta gansa,
Here in the land where nobody gives a fuck.  Aquí, en la tierra donde a nadie le importa una mierda.

(La traducción de la letra ha sido realizada por el blog vocesdelextremopoesia.blogspot.com.es, a quienes hay que agradecérselo enormemente. Sin embargo he hecho unos cuantos retoques).

El vídeo que acompaña al tema es realmente impagable (realizado por un fan alemán llamado Manuel Braun). Refleja el mundo en el que vivimos, que podemos calificar como mínimo de caótico, incomprensible, doloroso y muy posiblemente en descomposición. Kate lo remacha en una entrevista:

“It’s just fucking hysteria. We are living in this absolute madness. Absolute fucking madness.”

Hay que decir, para ser fieles a los hechos, que esta canción viene acompañada de una introducción que no forma parte del tema en sí. En esa introducción se nos presenta a uno de los inquilinos de ese edificio de Londres: Esther, una cuidadora social que hace turnos de noche. Para los interesados (y Kate sí recita esa introducción a continuación) la tenemos en esta web.

Incluso para los que a título personal no nos atrae ni entusiasma el rap, creo que cae por su propio peso que quizá este género más que cualquier otro es perfecto para expresar toda esa rabia, las protestas, los problemas sociales. Pero le he cogido el gustillo, viendo y escuchando este tema y otros de la artista. Igualmente me parece que hay que estar ciego y sordo para no saber apreciar el descomunal talento de esta rapsoda poeta: Ya no solo por componer todas esas obras y esos versos -y escupirlos-: Es que viéndola se hace evidente que todo ese torrente de palabras esta ahí, en su cabeza.

La letra de este tema, las letras de Kate Tempest (también las de su obra literaria) permiten que me dé el lujazo de utilizar una expresión que aún no había empleado en este blog…

Verdades como puños

 

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KC & The Sunshine Band: Please Don’t Go

Hoy toca ponerse nostálgicos, nostálgicos de verdad, y también romanticotes. Esta canción fue un exitazo en 1979 y creo que todos la recordamos perfectamente. Tengo la percepción y el recuerdo de que aquí en España absolutamente arrasó y sonó mucho. En este momento no sé hasta qué punto -más tarde buscaré datos- pero consultando su impacto en los charts sí que podemos constatar: Número uno en Australia y Canadá, número 3 en Nueva Zelanda y Gran Bretaña, número 4 en Noruega, 5 en Irlanda o 7 en Holanda. Número 1 en el Billboard Hot 100 estadounidense, siendo además el primer número uno en ese chart en la década de los 80. Quinto número uno y último de la banda que entró en el Billboard Hot 100, y además fue la primera balada romántica del grupo.32b-2bk-c-and-the-sunshine-band-please-dont-go-t-k-recordsGrandísima balada, en verdad muy romántica, pero en contraste tenemos que reseñar dos curiosidades enormes e imposibles de pasar por alto: La primera, que KC & The Sunshine Band es -aún están en activo- una banda que facturó y factura música disco, funk, R&B, pop y dance. Y la segunda, que en sus años dorados fueron una auténtica fábrica de grandes éxitos, que vendrán después en cascada. Chapeau a estos señores.kc-the-sunshine-band-e1452033459896Sobre la llegada de esta canción a las listas de éxitos y la coyuntura de aquellos años, son muy interesantes las explicaciones y reflexiones que nos brinda un artículo en la web vinilonegro.com. Leamos:

“Un 5 de enero de 1980 llegaba al #1 de las listas americanas de singles Please Don’t Go de KC & The Sunshine Band. La canción solo estuvo una semana en lo más alto, sin embargo es una de las canciones favoritas no solo del grupo, sino de toda la década de los 80. (…) La canción se había lanzado curiosamente un 12 de julio de 1979, y esa fecha es el día del famoso Disco Demolition Night de Chicago. Ese día más de 50.000 fans se citaron en el Comiskey Park para destruir todo lo que tuviera que ver con la música disco.

Curioso, KC & The Sunshine Band, un grupo de música disco, lanza una balada, el día que se destruyen miles y miles de copias del sonido disco. Hubo un punto en 1979, que la música disco lo dominaba todo, cualquier artista que quisiera triunfar, tenía que hacer música disco o coquetear con la música disco. Artistas como Barbra Streisand, Barry Manilow, The Rolling Stones, etc, lo hicieron, para luchar contra los Bee Gees, Donna Summer, Gloria Gaynor o KC & The Sunshine Band.

La música disco se había posicionado desde principios de los 70 y le fue ganando terreno al rock de tal manera que cuando en febrero de 1979 la música disco arrasó en los Grammy, se creyó ver cómo la música disco se comía al rock y para algunos fue demasiado. Fiebre del Sábado Noche y John Travolta fueron odiados por mucha gente, ejemplarizaban el triunfo de lo blanco y de lo heterosexual, en una sociedad que cambiaba cada cinco minutos. Lo cierto fue que desde finales de 1979, la música disco comenzó a desaparecer del lenguaje musical, y las discográficas comenzaron a llamarlo dance, para evitar los odios.

Harry Wayne Casey, el líder precisamente de los KC & The Sunshine Band dijo que Disco Demolition Night, en sí mismo no era discriminatorio y creía simplemente que los que habían organizado esto eran idiotas y que la música disco no era ni homófoba, ni racista, pero sea como fuere, la música disco se disipó, ya fuera o no por el evento de Chicago. En sí mismo, y como dijo Casey, organizar un evento para meter a 50.000 personas en un estadio para que destruyan sus propios discos con una apisonadora, en sí es una idiotez.” 

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“La música disco apesta”: Diversas imágenes de la Disco Demolition Night en Chicago, aquella noche de 1979. Hay muchas más…

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Soy un rockero de corazón, pero ante todo un amante de la música. Que nunca muera la música disco, ni ningún otro género. Por favor, cómo se puede ser tan corto de miras, tan notas y tan intransigente. Ese evento, que fue una auténtica payasada, lo organizó un tal Steve Dahl. No deberías perderte este interesantísimo reportaje en la web Agente Provocador, con un montón de fotografias…

Pero hablemos de la KC and the Sunshine Band, de la formación y orígenes de la banda. Fue fundada en 1973 en Hialeah, Florida, por el que sería alma y vocalista del grupo: Harry Wayne Casey. El nombre viene de tomar el último apellido de éste –Casey– ya que se lee como KC (o K. C., aparecerá en ambas formas en las portadas de los discos) y por supuesto porque Florida es el Sunshine State. Casey trabajaba como empleado en una tienda de discos y también a tiempo parcial en la discográfica TK Records de dicha población. Primero se llamaban KC & The Sunshine Junkanoo Band, ya que usaba miembros de la TK y también de una banda local llamada Miami Junkanoo Band. Le presentaron a Richard Finch, asistente de sonido de la TK, y ahí empezó su fructífera colaboración. A ellos se unirían el guitarrista Jerome Smith y el batería Robert Johnson, ambos músicos de sesión de dicho sello. Pero la formación de hecho era bastante numerosa, y una perfecta muestra de la América interracial, pues la mayoría de miembros eran de raza negra. Tenían además dos vocalistas también negras, y otros miembros veteranos y destacados que se unirían tras un parón fueron Fermín Goytisolo y Beverly Champion.

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Hay numerosísimas fotos de la banda. Richard Finch con camisa blanca y Wayne Casey con camisa a cuadros, los dos fundadores y ambos de raza blanca

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De izquierda a derecha los cuatro miembros originarios: Jerome Smith, Wayne Casey, Robert Johnson y Richard Finch

4Al igual que existen innumerables fotografías de la formación en aquellos años…61qv5i39sal…y de los tiempos actuales, donde la banda sigue haciendo giras y repasando sus clásicos…kc_26_the_sunshine_band114123_show_landscape_large_017794142…también existen muchas páginas web donde se cuenta su historia y se repasa su biografía. En una de ellas se recoge una entrevista a Finch, donde explica cómo empezó a entenderse con KC y a usar los estudios TK…

“Él (Casey) se dio cuenta que yo tocaba el bajo y la batería, y yo me di cuenta de que él tocaba el teclado. Por eso cuando no había nadie en el estudio por las noches, subíamos a ver qué música sacábamos. Mucha gente tiraba cinta de grabación simplemente porque no sabía cómo borrarla correctamente. La cinta era cara, por eso yo la sacaba del basurero, la borraba y la usaba para grabar.”

Sus dos primeros singles, con éxito moderado en los charts USA de R&B, fueron Blow Your Whistle (septiembre de 1973) y Sound Your Funky Horn (febrero de 1974). Funk del bueno, señores. Poco después, trabajando en algunas maquetas, Casey y Finch escribieron y produjeron la canción Rock Your Baby, el single de debut de George McCrae: Número uno en el Billboard Hot 100 USA, número uno en los charts R&B USA, número 1 en los charts UK…¡¡y número 1 en 51 países a mediados de 1974!! Once millones de copias vendidas. Aquí tenemos al propio McCrae cantando el tema.

hqdefaultSigamos con sus grandes éxitos. Con la publicación de su segundo álbum homónimo -julio de 1975- llegarían otros dos números uno: Get Down TonightThat’s The Way (I Like It). Otros dos monumentos del funk. Vaya, la intención de este post inicialmente era resaltar la belleza de un gran hit romántico, y sin embargo nos hemos puesto el traje funky, hemos saltado a la pista de baile y nos hemos puesto a mil revoluciones. Pero es que esta banda bien lo merece.116255724r-415756-1200844068-jpegCon su álbum Part 3 (1976) llegarían otros dos número uno: I’m Your Boogie Man y otra que en absoluto necesita presentación: (Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty. Todavía cosecharían un número 2 con Keep It Comin’ Love, antes de que llegara justamente su último número uno y éxito sonado: Please Don’t Go. Después irrumpiría el movimiento new wave y la música disco empezaría a vivir un declive. La banda probó con otros estilos y también cambió de sello discográfico, fichando por Epic Records.

A principios de los 80 la relación entre Casey y Finch empezó a deteriorarse. Sus dos álbumes del 81 obtuvieron poco éxito, pero su disco del 82 volvió a colocarles en lo alto de las listas británicas y americanas, gracias a una canción también harto conocida: Give It Up. Sin embargo, por problemas burocráticos Epic se negó a sacar el tema como single. Casey fundó su propio sello y la editó. Estaba desencantado y todo ello acabó con su retiro en 1985.kc2014Un resurgimiento del interés por la música disco en 1991 hizo que KC resucitara al grupo, incorporando nuevos miembros. Algunos de los miembros originales habían muerto. Robert Johnson murió a los 30 años víctima de un cáncer -en los 80-, mientras que Jerome Smith moriría en el 2000 -con 47 años- en un accidente de trabajo, mientras operaba un bulldozer en la construcción.

Desde entonces y hasta nuestros días siguen actuando. Han editado unos cuantos álbumes recopilatorios y algún material nuevo. El disco I’ll Be There For You del 2001 obtuvo buenas críticas pero poca repercusión.

Como colofón, decir que sus temas han sido usados en muchísimos spots publicitarios, en diversos videojuegos y han sido incluidos en más de 75 películas…

“His music has also been featured in over 75 movies such as “Forrest Gump” (Get Down Tonight), “Boogie Nights” (Boogie Shoes), “Boys Don’t Cry” (Rock Your Baby), “Rush Hour” (Get Down Tonight), “Carlito’s Way” (Rock Your Baby, Shake Your Booty and That’s The Way I Like It), and “Austin Powers in Goldmember”.”

Una banda clasificada bajo la etiqueta de música disco, pero que facturó a la vez un funk a la altura de unos Earth, Wind & Fire, por ejemplo. Y sin embargo también será recordada por esta balada, en unos años en que la música disco hacía furor. Era el tema obligado para salir a la pista a bailar “lentos”, a bailar agarrados y estoy seguro que sirvió a muchísima gente para declararle sus sentimientos a otra persona. No es extraño, me parece un tema increíblemente tierno y bonito, y sin duda será recordado por derecho propio.

No quiero irme sin decir que, aparte de la melodía, me parece notable la consistencia instrumental que adquiere el tema según va ganando en intensidad. Tambien es uno de los motivos por los que recuerdo la canción: Los teclados, la percusión, la omnipresente pandereta, ese doble golpeo del bajo…En este segundo vídeo la calidad de la imagen es algo mejor…

Qué injustas son las cosas…Dije que investigaría qué había pasado en las listas españolas…Según esta web donde se recogen los números 1 en 1979/80, este tema no aparece en los charts españoles. Sin embargo, en 1992, el grupo italiano de eurodance Double You hizo una versión plenamente bailable que arrasó en toda Europa: Número uno en España y muchos otros países, además de recibir numerosas certificaciones…

“Double You fue un grupo Eurodance que empezó su andadura en 1985, cuando el cantante William Naraine (británico de madre italiana y padre indio), empezó a producir y escribir demos de canciones junto a sus amigos Franco Amato y Andrea de Antoni.

En 1992 saltaron a la fama en el ambiente dance con la canción “Please Don’t Go”, de la que se vendieron 3 millones de copias y fue la canción dance más bailada del año. 

Con “Please Don’t Go” ganaron varios discos de oro y platino en países como Italia, Alemania, Francia, Holanda, España, Bélgica, Suiza, Austria, Grecia, Turquía, toda Sudamérica, así como varios países de África y Asia. El disco fue un TOP 10 en la lista de maxis de Estados Unidos, y número 2 en la lista “Cool Cuts” británica.”double-you-please-dont-go-sencillo-cancion

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U2 & Bruce Springsteen: Where the Streets Have No Name / I Still Haven’t Found What I’m Looking for

Y seguimos plenamente en la década de los 80, y seguimos todavía con resaca U2

Cierto rockero y cantante de New Jersey, ahora de fama universal, hace mucho tiempo que debió darse cuenta de que el Where the Streets Have No Name es todo un himno y un monumento al rock, un trallazo sustentado en un furioso e impagable rasgueo de guitarra. La energía que desprende este tema es tal que no es de extrañar que case totalmente con el Boss, a quien vemos y escuchamos aquí junto con otro de los grandes himnos de los irlandeses.

Pero detrás de esta actuación y de este evento hay toda una historia, incluso una anécdota y un porqué. Cuando los tres instrumentistas irlandeses atacaron esa introducción tan épica no fue Bono el que apareció ante el respetable, para sorpresa de éste. En el interior de esa gran cabina acristalada y metalizada en rojo, apareció Bruce Springsteen para cantar estos dos temas. Tenemos que rebobinar…US-WORLD-AIDS-DAY-NYCEl show tuvo lugar el pasado 1 de diciembre del 2014, en pleno Times Square neoyorquino. Se trataba de un concierto benéfico para recoger fondos para luchar contra el SIDA, en el marco del World AIDS Day (también conocido como RED). El Bank of America presentaba el concierto y contribuyó a la causa donando 3 millones de dólares a dicha organización.

Me es inevitable una vez más acordarme de los detractores del grupo irlandés, de todos los que les critican por múltiples razones. Así que antes de continuar voy a añadir un apéndice a esa actuación en Times Square. Apéndice especialmente dedicado a todos aquellos que tachan a U2 de “falsos”, de “hipócritas”, de “mesiánicos”, de “hacer el papelón” o de “estar conchabados con el poder”: En noticia fechada poco después -febrero del 2014- se nos explica que U2 volvió a colaborar con dicha organización (RED) y con la Global Fund to Fight AIDS, Tuberculosis and Malaria, durante un período de 36 horas y empezando en la anterior celebración de la Super Bowl. Mediante la descarga directa de un nuevo tema –Invisible– lograron recaudar otros 3 millones de dólares para dichas causas. De nuevo el Bank of America volvía a donar un dólar a RED por cada descarga gratuita del tema…red3red_theedgeU2 estaba previsto que realizara una actuación “regular” en ese centro neurálgico neoyorquino, de forma totalmente sorpresiva. Todos los preparativos se llevaron con mucho secretismo, mientras los irlandeses atendían esos días diversos compromisos en Nueva York. Hasta unas 5 horas antes no lo anunciaron en su web. Así que los atónitos habitantes, transeúntes y turistas de la Gran Manzana, para nada podían esperarse presenciar una actuación de U2 en plena calle, aquella tarde-noche lluviosa de lunes. La gente, que no tuvo que pagar nada y que de hecho no empezó a enterarse hasta las 2:30 de esa tarde, no podía creérselo. Pero cuando empezó esa actuación, y para acrecentar todavía más esa sorpresa, a Bono no se le veía por ninguna parte, y no fue el vocalista del grupo el que salió para encararse al micrófono, sino otros dos señores…   kevinmazur_chris_edgered_springsteen2Y existía una razón bastante poderosa para esa ausencia de Bono: El vocalista había sufrido un accidente de bicicleta en Central Park, el pasado mes de noviembre -según las distintas informaciones, parece que fue el domingo día 16- al intentar evitar a otro ciclista. Y el accidente no fue ninguna broma, o mejor dicho sus consecuencias. Según uno de los doctores que le atendió, Dean Lorich, se vio involucrado en un “high energy bicycle accident”. Necesitó 5 horas de intervención quirúrgica, ya que sufrió múltiples fracturas: Una fractura facial que implicaba la cuenca del ojo izquierdo, tres fracturas separadas en el hombro izquierdo y una fractura del hueso húmero también en la parte izquierda, que le dejó el hueso aplastado en 6 puntos diferentes. Se le tuvieron que implantar diversas placas metálicas. Tremendo. Sin ser algo gravísimo, es una caída de consecuencias evidentemente aparatosas.Pero U2 no renunció a ese concierto en Nueva York el World AIDS Day. Ya vemos a Bono agarrando el teléfono y buscando sustitutos frente al micrófono. Es difícil decirle “no” a Bono, y más todavía decirle “no” a un Bono hecho papilla accidentado, como bien razona una de las crónicas. Y encontró a esos sustitutos. Uno fue Chris Martin, el cantante de Coldplay -otra formación bastante denostada-, y el otro fue por supuesto Bruce Springsteen.red_martin1Martin de hecho fue el que abrió el show, interpretando Beautiful DayWith or Without You, y lo hizo muy bien. Entonces los U2 sin Bono, que se habían rebautizado a sí mismos como “U2 Minus One” dejaron el escenario, porque había otros invitados al show. En realidad The Edge no lo abandonó y se calzó una nueva guitarra al hombro y fue el que presentó a la siguiente invitada como “the reigning queen of country”: Carrie Underwood salió al escenario con sus músicos para interpretar dos temas. Detrás de ella vino Kanye West -menudo cartel- interpretando un medley de diversos temas propios. rs-176159-world-aids-day-120114red_west2kevinmazur_groupFinalmente el Boss cerró la actuación, que en conjunto solo duró unos 48 minutos. Where the Streets Have No Name y I Still Haven’t Found What I’m Looking for fueron interpretadas con toda la furia y el sentimiento de Springsteen, respectivamente. Merece la pena ver y escuchar a Springsteen rugir los versos iniciales del tema…

I wanna run, I want to hide
I wanna tear down the walls
That hold me inside.
I wanna reach out
And touch the flame
Where the streets have no name.

No era la primera vez que el Boss y U2 se subían juntos a un escenario para interpretar dichos temas. Lo habían hecho por ejemplo en dos ceremonias en el Rock and Roll Hall of Fame (2005 y 2009). Y en julio del 2015 Springsteen clausuró uno de los conciertos de U2 en el Madison Square Garden cantando con ellos el I Still Haven’t Found What I’m Looking for. Bono tuvo palabras elogiosas para el norteamericano, señalando cúanta influencia había ejercido en ellos y agradeciéndole el haberle sustituido el año pasado cuando él estaba convaleciente.red_springsteen1red_springsteen_theedge¿Qué puedo decir? Una actuación de altos vuelos y además por causas muy dignas. Absolutos temazos de los irlandeses respaldados por dos cantantes excelentes. Quizá haya calles que no tengan nombre, pero aquéllas fueron las calles donde U2, Springsteen y compañía aparecieron para actuar y donde mucha gente se encontró algo hermoso sin haberlo estado buscando.

El vídeo con los dos temas a cargo de Martin y los dos a cargo del Boss, con el minutaje correspondiente…

Beautiful Day (ft. Chris Martin) 00:00

With or Without You (ft. Chris Martin) 4:41

Where the Streets Have No Name (ft. Bruce Springsteen) 10:01

I Still Haven’t Found What I’m Looking for (ft. Bruce Springsteen) 15:50

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Mew: 156

Casi seguro que éste va a ser el título más corto para una entrada que pueda surgir en este blog. Donde más economice en carácteres, tanto en el nombre del grupo como en el de la canción…

El blog que me permitió descargarme el Aerial de Kate Bush. El blog que me llevó a descubrir la magnificencia del Grace de Jeff Buckley. El blog que hablaba maravillas -que me convencieron- del primer álbum de Black Sabbath, los “padres” del heavy metal:

THETIMEISDEAD es ese blog, y ya por las anteriores razones merece más que un respeto. Una bitácora con reseñas de trabajos muchas veces alejados de lo más conocido y comercial, con especial incidencia en el indie rock y los sonidos contundentes cargados de guitarras. La bitácora que me llevó a descubrir también a este interesante grupo danés de indie rock: Mew.

Y atención: Aviso, porque a veces suelo hacerlo cuando una canción me atrapa totalmente, y ésta es una de esas veces. Una muy buena canción pop-rock, sobre todo con un estribillo que me parece irresistible, muy bien construido. ¿Una simple cancioncita pop, o tiene más gancho del que aparenta? La descubrí en este blog y el gusano ya se quedó dentro de mí, ahondando poco a poco.

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(De izquierda a derecha: El multiinstrumentista y cantante Jonas Bjerre, el batería Silas Utke Graae Jørgensen, el bajista Johan Wohlert y el guitarrista Bo Madsen)

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(Bo Madsen –  Johan Wohlert – Jonas Bjerre – Silas Graae)

La banda se forma en 1995 en Hellerup, un suburbio de clase alta de Copenhagen, teniendo un fuerte impacto en la escena indie danesa hacia el 2003, junto con otros grupos del país. Aunque el núcleo del grupo son los cuatro músicos nombrados, la formación ha sufrido altibajos y cambios: Por ejemplo el bajista Wohlert dejaría el grupo en el 2006 para formar una familia, para volver en el 2013 -lo cual coinciden en que dio nuevas energías a la trayectoria del grupo-, mientras que el guitarrista Bo Madsen abandonó definitivamente Mew en junio del 2015. Además a partir del tercer disco la nómina de músicos y colaboradores en sus discos y directos aumenta considerablemente, y ésta es una de las razones de que en fotografías se les vea como quinteto, teniendo especial peso el guitarrista Mads Wegner y el teclista/pianista Nick Watts…

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(De izquierda a derecha: Johan Wohlert, Nick Watts, Jonas Bjerre, Mads Wegner, Silas Utke Graae)

Es a partir de su tercer disco de estudio, Frengers, que su popularidad se dispara bastante. “Frengers” es un vocablo que ellos se inventan y que viene a significar “a person who is not quite a friend but not quite a stranger”.r-8920013-1471569882-1034-jpegTambién adquirieron bastante renombre fuera de Dinamarca al hacer de teloneros para una gira europea de R.E.M. -lo que son las cosas- y hacer lo propio en diversas actuaciones en Europa y los USA de Nine Inch Nails. Y a poco que uno investigue, puede constatarse que han cosechado un cierto prestigio internacional y que no han parado quietos en todos estos años: Conciertos en Indonesia y Australia, giras por Japón y México, shows en Dinamarca, Gran Bretaña, los USA o Europa.

En el disco Frengers hay 6 temas que ya habían aparecido en sus dos primeros discos, y 156 es uno de esos temas. El grupo ha editado hasta el momento 7 discos, y hay bastante cobertura en la red -reportajes, entrevistas- a raíz de la publicación en el 2015 del disco titulado simplemente + – (pronunciado Plus Minus), que suponía su regreso tras 6 años de silencio…220px-mew_2b_-_coverSin embargo creo que el punto más interesante es el tocante al estilo de la banda: Decir simplemente que es un grupo de indie rock simplifica en exceso las cosas. Lo suyo se ha ido convirtiendo con los años y los discos en un pop bastante complejo, ecléctico, que recoge muchísimas influencias. Así se les califica en muchas reseñas como grupo de dream pop, y se dice de ellos que coquetean con el shoegaze, con el noise rock, pero que hacen a la vez rock orquestal e incluso pop progresivo -recogiendo el testigo del rock progresivo-.mew-heads¿Mis impresiones personales? La primera, obvia, que son interesantes y bastante merecedores de atención. La segunda, que su pop es efectivamente complejo. Aunque muchas veces nos regalen melodías o pasajes luminosos, no son para nada facilones ni evidentes. Es un pop-rock envolvente. La tercera, que parte de esa complejidad se debe al entramado instrumental -sobre todo bajo/guitarra- que subyace ahí, con evidente “mala baba post-punk e indie”. Y la cuarta, que me recuerdan bastante a una mezcla de los finlandeses Rasmus y los norteamericanos 30 Seconds to Mars -una banda que me ha llegado a enganchar mucho- a falta de más nombres que me acudan ahora a la mente.mew_-_85_videos_video_news_under_the_radarY sirva como ejemplo de ese estilo que bebe de tantas fuentes, que un portal con tanto prestigio como NPR.org -que no son cuatro pardillos escribiendo sobre música- cita en sus reflexiones sobre los daneses a los Genesis de Peter Gabriel, a Kate Bush, a los Yes de Jon Anderson e incluso al Wish You Were Here de Pink Floyd, para darnos a entender que Mew reinterpreta todas estas influencias bajo su propio lenguaje pop.

“The progressive-pop band has morphed again…”
“Grandiosity is the name of Mew’s game…”
“Cascading anthems and cosmic pop that recalls vintage prog…”

¿Exagerado? ¿Un hype mediático? Bjerre explica en algunas entrevistas que empezó a trastear con mezcladores de pistas e instrumentos ya de niño. Que le impactaron el Magical Mystery Tour y el Pet Sounds. Que el núcleo de la banda son compañeros de colegio desde temprana edad. Que escuchaban toneladas de pop music, a Kate Bush o a Prince. Pero que después aparecieron Nirvana…Que se quedaron impactados, siendo adolescentes, al asistir a un concierto de los My Bloody Valentine

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Jonas Bjerre

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El parecido que tiene con el actor Reeve Carney es bastante notable. El Dorian Grey de Penny Dreadful…

original1Nuestro guapo -¿o guapísimo?- cantante y frontman, Jonas Bjerre, tiene una voz marcadamente -a veces insoportablemente- aniñada, un falsetto característico. Algunos dicen “una voz élfica”.

Pero hablemos del tema 156, porque tanto la canción como el vídeo se las traen, siendo este último parte de la gracia. La carga enigmática esta ahí. Un vídeo de animación naïf donde vemos a un elefante comandando un barco pirata, y mandando a algunos de sus secuaces ladrones -miembros de Mew– a robar en una mansión. Pero el elefante tiene su corazoncito y se queda prendado de la chica, de nombre Callie…En realidad no le desea ningún mal, e incluso tiene horribles pesadillas con su suerte…Para entenderlo son necesarios unos cuantos visionados, e incluso ayuda, siento decir. Por otro lado, el grupo se ha negado a desvelar qué significa ese número en el título. Aseguran que es su pequeño secreto y que los fans se decepcionarían un poco de saberlo. Puedo asegurar -porque lo he buscado- que 156 no corresponde a ningún número de emergencia en Dinamarca -bomberos, policía…-.21351345_prid_416x312_03mew_-_156_aviComo dije al principio, a mí el estribillo me atrapó enseguida. No solamente por su gancho, sino por cómo entra la banda con las guitarras, después de discurrir más o menos plácidamente…maxresdefaultYa son más que suficientes las explicaciones sobre esta banda danesa. Volverán a aparecer por este blog, pues son merecedores de atención y sus canciones ya están haciendo mella en mí. Aunque una última apreciación, que es importante: 156 no es la que mejor refleja, ni de lejos, ese carácter “progresivo” o complejo que le pueden imprimir a muchos de sus temas. Aquí está el vídeo oficial, que por supuesto se puede prestar a muchas interpretaciones. Menuda historia, me va a divertir si me cuentas tu versión…

Existen unas cuantas interpretaciones en directo por parte de Mew, pero nos vamos a quedar con ésta donde se nos traduce la letra. De todas maneras, si puede ayudar en algo, aquí está.

E incluso me he llevado una sorpresa con esta canción. Porque, como se ha comentado, ya aparecía en el primer disco del grupo, que hace una adaptación de ella en Frengers. La versión original es mucho más acústica, pero a la vez resalta la brillantez de la melodía.

 

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China Crisis: Wishful Thinking / Christian

La verdad es que la década de los 80 nos dio ingentes toneladas de música y de buenos discos, innumerables -centenares de- hermosas y grandes canciones. Siempre estoy volviendo a ella, supongo que porque a esa década pertenecen muchísimos de los temas musicales que más me han impactado en toda mi vida. También hay una explicación bastante lógica: Me pilló de lleno en la adolescencia, en mis twenties, y fue ése el período en que el descubrimiento -consciente- del universo musical a mi alrededor fue más notable.510cz2in9glchinacrisispngvY he aquí que hoy vuelvo con dos temas maravillosos, a los que quiero devolverles algo de lo mucho que me dieron, que nos dieron. Wishful Thinking y Christian son dos de las canciones más hermosas y delicadas que haya oído jamás, con inolvidables pasajes instrumentales. Especialmente el primero de ellos (“wishful thinking”: pensamiento lleno de deseos, anhelos, esperanza; ilusión, ilusiones vanas) sería el ejemplo de que cuando una canción transmite belleza a raudales no importa los años que pasen, porque la huella en nosotros se antoja imborrable.

China Crisis fue…¡¡¡No!!!…China Crisis todavía existe y permanecen activos, perdonad la pequeña broma. Nacieron en 1979 en Kirkby, cerca de Liverpool, al unirse el teclista y vocalista Gary Daly y el guitarrista y también vocalista Eddie Lundon. Ellos dos serán el núcleo invariable de la formación hasta nuestros días y también la cara más visible, al ejercer el rol de vocalistas. A ellos se les irían uniendo distintos músicos para sus discos, incluyendo de sesión, y normalmente usarían la fórmula del cuarteto/quinteto.

Editan el single de debut African and White en 1982, en el sello independiente Inevitable. En el 81 se les unió el batería y percusionista Dave Reilly tras habérselo pedido. A finales del 82, tras firmar para Virgin Records, sacan su primer larga duración, Difficult Shapes & Passive Rhythms, Some People Think It’s Fun to Entertain… china_crisis_-_difficult_shapes-cover…que alcanzó el número 21 en las listas británicas y permaneció 17 semanas en ellas. Se reeditó el mencionado single, pero también se publicaría Christian, que alcanzó el número 12 en los charts UK y les dio renombre en todo el país. La base del grupo es el mencionado trío y se les unen diversos músicos de sesión. Christian tiene una inusual línea de bajo, una suave cadencia llevada por teclados/percusión y sobre todo, como rasgo más distintivo, unas hermosas notas de oboe interpretadas en el disco por el músico de sesión Steve Levy.220px-china_crisis_-_working_with_fire_and_steel-lpcoverWorking with Fire and Steel – Possible Pop Songs Volume Two fue su segundo trabajo y apareció en 1983 (número 20 en las listas, 16 semanas en ellas). En este disco es donde se encuentra Wishful Thinking, que se convertiría en el mayor éxito del grupo y su único top ten (alcanzó el número 9 en las listas). Y sin embargo fue el tercer single del álbum, tras los también conocidos hits del grupo Tragedy and Mystery y Working with Fire and Steel. Dave Reilly ya había dejado el grupo y se habían incorporado Gary “Gazza” Johnson al bajo y Kevin Wilkinson a la batería y percusión.

A partir del tercer y cuarto trabajos toman la forma de quinteto, al unirse primero Walter Becker y después Brian McNeill al sintetizador. Siete álbumes de estudio, los dos últimos más espaciados en el tiempo, y sobre todo el último, Autumn in the Neighbourhood (2015). En 1999 el batería Kevin Wilkinson se suicidaría a la edad de 41 años. Desde 1992 han sacado 4 álbumes recopilatorios y 3 DVDs live, concentrándose en las actuaciones en vivo, especialmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Canadá. Existen cortes suyos de una actuación en el 2005 en la Paul McCartney Academy de Liverpool, pero también muy recientes -abril de este año- de una actuación en el Kia Theatre de Manila.china_crisis-diary_-_a_collection_a0019426c_mediump02clq44

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Varias fotos de Gary Daly -con su característico flequillo- a la izquierda y Eddie Lundon a la derecha, de hace unos cuantos años…

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…y de Daly y Lundon en tiempos mucho más recientes.

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La formación en una foto del 2012. La actual formación parecen ser 7 y de la chica ni rastro…

Adscritos al movimiento de la new wave y el synthpop, manifestaron desde buen comienzo su fascinación y la influencia ejercida por Stevie WonderSteely DanDavid Bowie o Brian Eno. Pop dominado predominantemente por los sintetizadores, y por tanto no tan alejado del technopop y en general del british pop que nos brindó decenas de bandas por aquellos años, muchas de ellas notables y con gran éxito. China Crisis no solamente se vio asociado a principios de los 80 a formaciones como los O.M.D.Echo and the BunnymenThe Teardrop Explodes o Frankie Goes to Hollywood, sino a un sinfín de grandes grupos como Spandau Ballet, Duran Duran, Simple Minds, Ultravox, The Human League, Pet Sop Boys, The Psychedelic Furs, The Buggles, Soft Cell, Tears for Fears, Depeche Mode o Eurythmics.

“Meterlos a todos en el mismo saco” sería muy simplista. Todos los grupos mencionados tienen su idiosincracia, particularidades y estilos, aparte de que no coincidieron exactamente en el tiempo. Pero sí que hablamos a grosso modo de toda una década. Por otro lado no solamente estaban las influencias citadas, como Bowie por ejemplo, sino muchas otras como art rock, glam rock (Roxy Music, Numan, Marc Bolan…), pub rock, los coletazos del punk y también los grupos verdaderamente pioneros en el sonido electrónico, con Kraftwerk a la cabeza. Sea como sea, la brillantez de los primeros trabajos de China Crisis y algunos de sus temas siempre es algo digno de ser recordado.

  Así que allá vamos con los temas…

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El vídeo oficial de Wishful Thinking

En un plató televisivo, en el Top of The Pops en 1984. Existen bastantes tomas en directo, incluyendo la mencionada actuación en el 2005 en Liverpool…Y por cierto que aquí también podemos encontrar partes de oboe, como en Christian. Solamente puedo decir qué maravilla tan evocadora, porque no tengo más palabras…

La hermosa y delicada Christian

 

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