Egon Soda: Lorem Ipsum / Un Mundo de Zurdos / Vals de Pequeña Mecánica

Egon Soda es una interesantísima y poco común banda barcelonesa, dentro del panorama del rock y el pop independientes. Cantan en castellano y está integrada por músicos veteranos que se conocían entre sí desde hacía tiempo, como miembros de otras formaciones, y que se han tomado la edición de discos con muchísima calma, sacando tres LP’s en un largo período de tiempo. Digamos que las reglas o las imposiciones del mercado no van con ellos. Como bien apunta este reportaje/entrevista en ABC Cultura

“No es un grupo al uso, ni falta que hace. Sus componentes tienen muchos otros proyectos, y ni siquiera ensayan los temas antes de grabarlos.”

O como también dice un reportaje/entrevista en EL PAÍS, son…

 “una maravillosa anomalía en el indie peninsular.”

Probablemente sea también la banda más barbuda del indie español. Empezó como trío para acabar en un principio en cuarteto, estando compuesta por Ricky FalknerFerran PontónXavi Molero y Pablo Garrido. Podemos decir que se trata de una formación bicéfala, comandada por Falkner y Pontón.

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De izquierda a derecha: Pablo Garrido, Ricky Falkner, Xavi Molero y Ferran Pontón

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Pablo Garrido – Ferran Pontón – Ricky Falkner – Xavi Molero

Repasemos los singulares comienzos de la banda. Tan atrás en el tiempo como el 2008 ya se podía decir que sus componentes llevaban unos doce años juntos, trabajando en una serie de canciones. En el momento de la publicación de su primer disco, egonsoda -escrito así- en el 2008, Egon Soda estaba formado por: Ricky Falkner (1978), voz y bajo, también bajista de las formaciones Standstill y Sanpedro. Ha producido discos para Love of Lesbian, Sidonie, Lori Meyers, Sanjosex, Standstill o Refree. Xavi Molero (1978): batería y miembro además de Sanpedro y El Hijo. Este percusionista sería responsable con el paso del tiempo de trabajos de artistas como Christina Rosenvinge, Iván Ferreiro y Roger Mas. Pablo Garrido (1975): guitarra y miembro también de Sanpedro, también ha tocado con The New Raemon y Zahara. Y finalmente Ferran Pontón (1976) a la guitarra, siendo el principal compositor y letrista. Como puede apreciarse, estamos ante músicos de dilatadísima experiencia, y si a ello añadimos que Falkner es un productor bastante cotizado en el mundillo indie, no cabe duda de que estamos hablando de un “supergrupo”.
El núcleo de Egon Soda (Ricky, Xavi y Ferran) se conocían de la escuela y tras su paso por distintas formaciones en las que coincidían parcialmente decidieron unir esfuerzos y dar a luz un proyecto propio que se llamó Pale. Bajo ese nombre crearon un repertorio propio que gracias al contacto con Jordi C. Corchs (Infusiones Musicales) se tradujo en diversas maquetas orientadas eminentemente al ámbito personal y al proceso de crecimiento musical. Más tarde, y bajo el nuevo nombre de Egon Soda, el trío incorporó a Josep Mª Baldomà (teclados) y después a Pablo Garrido, para al final y ya como cuarteto sacar ese primer disco en el 2008.r-4796189-1375796068-9785-jpegTardarían 5 años en sacar su segundo disco, de título El Hambre, El Enfado Y La Respuesta. El Difícil Segundo Disco de Egon Soda, en el 2013, un doble con 20 canciones. Y en el 2015 su último trabajo hasta la fecha, Dadnos Precipicios.r-5625655-1445607331-3607-jpegr-7634659-1445608172-1292-jpegDesde luego que ambos títulos se las traen, y llevan implícita una buena carga de humor…y de mensaje. Lo de difícil disco tiene su parte de broma pero también es un aviso para el oyente: Efectivamente, las canciones de este grupo no se caracterizan por las melodías evidentes ni simplonas, podríamos decir que circunrodean las soluciones fáciles en lo musical, expresando a la vez una gran variedad de influencias estilísticas y sonoridades. Lo mismo puede aplicarse a unas letras muy trabajadas, enigmáticas, inteligentes, ingeniosas y poéticas a la vez. El tema de los precipicios podría obedecer a dos posibles interpretaciones, como apuntan en una de las entrevistas citadas:

“«Ponednos dificultades que se convertirán en acicates» y «yo me tiro y a ver qué pasa». Ahora mismo quedarse quieto y verlas pasar no es una opción (…). Da lo mismo lo que pienses, pero toma las riendas de tu decisión e implícate por defender lo que te parece justo.” 

La cuestión es que con el paso del tiempo, y en el momento de sacar su tercer disco, la banda ha quedado asentada como un sexteto. Y la verdad que no es fácil atinar con las identidades, entre tanta barba por un lado y las colaboraciones exteriores por otro…

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De izquierda a derecha: Pablo Garrido, Ricky Lavado, Ricky Falkner, Ferran Pontón, Xavi Molero y Charlie Bautista

egon-soda-cronica-concierto-teatro-lara-madridA la banda se integran definitivamente Ricky Lavado (Standstill, Nudozurdo) a la percusión y Charlie Bautista a los teclados. Pero además Dadnos Precipicios contó con varias colaboraciones: Enric Montefusco (Standstill), Gorka Benítez o Martí Perarnau de la banda madrileña Mucho.

Algunas consideraciones finales sobre el estilo de este grupo. Como ya he dicho, beben de muchas influencias, principalmente de todo el rock americano en su amplio espectro, citando entre sus influencias a una banda californiana que se llama Dawes. Personalmente les encuentro mucha semejanza en las melodías vocales a los Vetusta Morla, y también creo identificar trazas lejanas de rock progresivo. Una reseña del Loco Club valenciano, donde actuaron en el 2015, nos dice acerca del Dadnos Precipicios:

“El estilo del álbum es más compacto y negroide que su antecesor. El rock americano predomina, pero el grupo ha introducido aires distintos: progresivo, latin, algún toque mediterráneo e incluso soul haciendo de él un disco mucho más compacto que su antecesor pero también más rico en ritmos. Las letras, como es habitual, corren a cargo de Ferran Pontón…”

Las letras de Ferran Pontón no son un asunto menor. Todo el disco está muy influido por el poeta norteamericano Walt Whitman. Pontón redescubrió en concreto su obra vital «Hojas de Hierba» gracias a una traducción de Pons Alorda al catalán, después de haber disfrutado de esta obra siendo un quinceañero. Ferran es un alma hiperactiva: guitarrista, letrista, editor, librero, ha escrito un libro de poemas y reflexiones en torno a ese tercer disco y comparte una editorial con su padre, llamada Pasado y Presente. Las referencias literarias están presentes en ese Dadnos Precipicios (y tenemos además lo de “Falkner”, otro guiño literario).

Como muestra, ahí van algunas de las frases vertidas en las letras: Podría donar mis sentidos y tener solo oídos para tu pena, Tu miedo es el valor de los demás o No es lencería, es mi alma los domingos puesta a secar las lágrimascronica-conciertoAunque Egon Soda es un grupo bastante minoritario y esto pueda sonar a contradicción, las publicaciones de su segundo y tercer disco fueron muy esperadas, levantando expectación entre los ambientes indies, especialmente el barcelonés. Todo ello derivado de dos factores: Uno, el tener una amplia trayectoria y experiencia, como se ha explicado, y ser músicos muy conocidos en ese mundillo. Y dos, que su primer disco provocó unas críticas muy elogiosas, colocándolo algunos medios entre los mejores trabajos de ese 2008. Lo mismo ocurrió con El Hambre, El Enfado Y La Respuesta: Se colaba para algunas publicaciones y webs indies entre los mejores discos nacionales del año, y creo recordar -con toda probabilidad- que fue así como llegué a conocerles. Basta con escarbar un poco para encontrar unas cuantas reseñas, entrevistas y artículos sobre el grupo.

Lorem Ipsum es el texto que se usa habitualmente en diseño gráfico en demostraciones de tipografías o de borradores para probar el aspecto visual antes de insertar el texto final. El texto en sí no tiene ningún sentido, pero deriva de un escrito de Cicerón en latín, que empezaba de esta forma:

“Neque porro quisquam est qui dolorem ipsum quia dolor sit amet…”

Este texto ha sufrido muchas modificaciones, quitándole palabras o sílabas, aunque el texto usado normalmente empieza con “Lorem ipsum dolor sit amet…”. No tiene ninguna importancia ni significado, tan solo es un texto de prueba. (Y subid el volumen). “¿Adónde han ido / los elegidos para la gloria?”

Los tres temas musicales pertenecen al segundo álbum de la banda…

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Jason Isbell: Chaos and Clothes

Sí, lo he señalado muchas veces: En ocasiones sucede que una canción te atrapa totalmente, te enamora, te desarma. O un sonido, o un nombre propio…gettyimages-617448836-e5e4c0a3-3142-43de-aba4-655b5b956a6e

“Lust and love will always inspire songwriters, but some of popular music’s most compelling dramas stem from people’s relationships to their backgrounds. The impulse to put distance between yourself and the environment you came from, or at least plot an escape from it and flaunt your independence, can be every bit as strong as the impulse to celebrate the familiar, live out an inherited sense of identity or idealize a rooted way of life. There’s a comforting clarity to the emotions that such songs conjure; they can envelope listeners in the warmth of nostalgia, or awaken fantasies of rebelling against social restrictions.”

(“La lujuria y el amor siempre inspirarán a los compositores, pero algunos de los dramas más convincentes de la música popular provienen de las relaciones de las personas con sus orígenes. El impulso de poner distancia entre tú mismo y el entorno del que procedes, o al menos trazar un escape y presumir de tu independencia, puede ser tan fuerte como el impulso de celebrar lo familiar, vivir un sentido de identidad heredado o idealizar una forma de vida arraigada. Hay una claridad reconfortante en las emociones que evocan tales canciones; pueden envolver a los oyentes en la calidez de la nostalgia o despertar fantasías de rebelión contra las restricciones sociales.”)

“Jason Isbell, one of the finest singer-songwriters working at the intersection of folk, country and rock today, has proven himself to be adept at the exacting art of mapping out the territory between those poles. He’s written of disillusioned souls tethered to people and places by a sense of obligation; of restless types confronting the fact that they’ve changed in ways that render them unrecognizable to people back home; of those who wring satisfaction from withstanding lives of limited options. His songs have an exquisite, rawboned realism and deeply embedded class-consciousness, partly because he’s dedicated himself to cultivating his literary gift and partly because it’s often been the contours of his own life, begun in the hardscrabble setting of rural, northern Alabama, and the lives of people he understands, that he’s tracing.”

(“Jason Isbell, uno de los mejores cantautores que trabajan hoy en la intersección del folk, el country y el rock, ha demostrado ser un experto en el arte exacto de trazar el territorio entre esos polos. Ha escrito sobre almas desilusionadas atadas a personas y lugares por un sentido de obligación; de tipos inquietos que enfrentan el hecho de que han cambiado en maneras que los hacen irreconocibles para la gente en su hogar; de aquellos que obtienen satisfacción de soportar vidas de opciones limitadas. Sus canciones tienen un realismo exquisito y crudo y una conciencia de clase profundamente arraigada, en parte porque se dedica a cultivar su don literario y en parte porque a menudo ha sido el perfil de su propia vida, comenzada en el difícil entorno del norte rural de Alabama, y las vidas de las personas que él entiende, que está rastreando.”)

En estos interesantes términos se expresa el portal NPR.org acerca de Jason Isbell, un cantante, compositor y guitarrista nacido en 1979 en Green Hill, Alabama, y criado en un ambiente rural.

Le he descubierto -aunque su nombre no me era del todo desconocido-, visto y escuchado en dicho portal, concretamente en el apartado de Tiny Desk Concerts. La primera de las tres canciones interpretadas en ese espacio -justamente Chaos and Clothes– me ha dejado casi paralizado. Paralizado por la sensación, por la clara evidencia de que estaba ante un grandísimo songwriter: La aparente facilidad para crear melodías, la expresividad y evocación conseguidas con unas pocas frases. Pero viéndole con esa naturalidad y soltura frente a la guitarra, queda claro que además es un intérprete fenomenal, un músico de la cabeza a los pies. En ese Tiny Desk Concert aparece junto a su actual formación, llamada The 400 Unit. Aquí les tenemos…

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De izquierda a derecha: Chad Gamble (batería), Derry deBorja (teclados, acordeón), Sadler Vaden (guitarra eléctrica), Jason Isbell (voz principal, guitarras acústica y eléctrica), Amanda Shires (fiddle, voces) y Jimbo Hart (bajo)

Isbell empezó a familiarizarse con algunos instrumentos musicales ya desde niño. Su abuelo le enseñó por ejemplo a tocar la mandolina con solo 6 años, y creció escuchando gospel o bluegrass, o viendo las actuaciones del Grand Ole Opry, evento en el que por cierto participó teniendo solo 16 años. Creció en un ambiente eminentemente musical, pues su familia se reunía como mínimo una vez a la semana para tocar juntos. Empezó tocando en bandas de garaje o en otras que hacían versiones de country, y con 22 años entró a formar parte de un grupo llamado Drive-By Truckers, donde permaneció 6 años.isbell-1e366e38-9fe3-4f75-a64b-20a455f8e091A partir de ahí inicia carrera en solitario con un álbum de debut en el 2007, pero no es hasta la publicación de Southeastern -su cuarto trabajo, en el 2013-, que no se disparan su carrera y su popularidad. Este álbum arrasó en los Americana Music Awards del 2014: Fue proclamado “Album of the Year”, Isbell “Artist of the Year”, y el tema Cover Me Up “Song of the Year”. Ha recibido elogiosas críticas de luminarias como Bruce Springsteen, John Prine o John Mayer. Su siguiente álbum, Something More Than Free (2015), no solamente debutó en el Billboard Magazine en el puesto número uno en los charts de folk, rock y country, sino que también ganó dos premios Grammy. Su último trabajo hasta la fecha, The Nashville Sound -16 de junio de este año-, también alcanzó el primer puesto en 4 de las categorías del Billboard. En este disco recupera su colaboración con los mencionados The 400 Unit, pues no en todos los discos aparece esta formación.220px-southeasternjasonisbellppowguc220px-the_nashville_sound_-_jason_isbell_and_the_400_unitJason Isbell ha pasado en pocos años de tocar en pequeños clubs y bares a llenar recintos con miles de personas y a copar los primeros puestos en las listas, recibir premios y también elogios por parte de la crítica. Además estuvo enganchado a la bebida y consumió por un tiempo cocaína, de modo que pasó por rehabilitación y dejó atrás esos episodios oscuros. Se casó con Amanda Shires y tuvieron una hija en el 2015. El álbum The Nashville Sound refleja esa condición y esa experiencia de la paternidad, así como la sobriedad recuperada -en el 2012- y la estabilidad personal y familiar.

Pero este último trabajo también tiene mucha más carga política que el anterior, pues Isbell es muy crítico con la gestión de Donald Trump, habiendo sido muy duro en algunas entrevistas y manifestando que su elección supuso para él una decepción (“The Trump presidency has convinced me that we are living in a post-Christian America. (…) But Trump is obviously not a good Christian person.”).

También podemos apuntar que Isbell no se considera a sí mismo un cantante country, y respecto a la música country que se hace en la actualidad no se ha cortado un pelo, manifestando que “most of that stuff is real bad music.”

Isbell ha desarrollado una fuerte amistad con otro ilustre -y gran- nombre del rock alternativo, Ryan Adams, con quien compartió escenarios en el 2012. Diversas fuentes aseguran que el tema Chaos and Clothes estaría dedicado, o habría sido escrito pensando en Adams. En la canción muestra su apoyo a Adams, pues éste se divorció de la actriz Mandy Moore en el 2016, después de 6 años de matrimonio. La canción refleja la tristeza y la devastación causada por la pérdida de un ser querido, en dos sentidos: El figurado, psicológico y mental (“chaos”) y en el concreto y físico, el de las prendas que la otra persona ha dejado diseminadas u olvidadas por la casa (“clothes”). También el tremendo bache personal, que puede mezclarse con el refugiarse en el alcohol para combatir ese vacío, como parecen evocar claramente algunos versos del estribillo…

You’re in a fight to the death my friend  Estás metido en una lucha a muerte, amigo mío
Black metal t-shirts your shield  Camisetas de black metal (son) tu escudo (1)
You’ve got your past on your breath my friend Tu pasado está en tu aliento, amigo mío
Now name all the monsters you’ve killed Ahora nombra a todos los monstruos que has matado
Let’s name all the monsters you’ve killed  Nombremos a todos los monstruos que has matado (2)

(1) Es un hecho conocido que Ryan Adams tiene la costumbre de llevar ese tipo de camisetas del género “black metal”.

(2) Claras referencias al hecho de estar consumiendo alcohol en grandes cantidades para olvidar el pasado. Seguramente quiere provocar una reflexión en el sentido de que darse a la bebida más que servir de ayuda lo que hace es perjudicar al protagonista.

Aquí le tenemos acompañado únicamente del guitarrista Sadler Vaden, para una emisora de Portland. Interpretan el tema en clave acústica, pero el resultado es sensacional. Me remito al mencionado concierto en NPR y a otras tomas en directo con la formación The 400 Unit.

 

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La Granja: Magia En Tus Ojos / Persiguiendo Una Luz

Raúl guiaba nuestros pasos por el Camino Soria de Gabinete Caligari y nos hablaba de la eclosión del pop español, en una época que a grosso modo podríamos encuadrar entre finales de los 70 y llegando hasta entrados los 90. Un largo período en que surgieron numerosos grupos y en que el pop vivió unos años magníficos de gran creatividad y variedad…

“…en España siempre ha gustado mucho el pop y, además, se ha practicado con profusión y calidad, especialmente en algunos períodos como los sesenta, los ochenta y los noventa. Los setenta no fueron malos para el rock, a menudo canalizado a través del movimiento conocido como rock urbano; sin embargo, a finales de esta década ya estaba siendo apartado en favor de las nuevas propuestas musicales y vitales procedentes de las islas británicas; en este contexto es cuando empiezan a aparecer grupos cercanos al punk, al post-punk o a la new wave, casi todos ellos se mostraban muy cómodos con los planteamientos contraculturales, con la provocación y con la idea de que para hacer música no hacía falta saber mucho, sólo disfrutar con ella.”movida-madrilec3b1a-80Podríamos, sintetizando mucho, afirmar que principalmente esta profusión de grupos se dio en dos hornadas, y así nos habla de ello, citando unos cuantos nombres bastante representativos…

“A esta primera hornada del pop español, coloquialmente conocida como “La Movida”, pertenecen grupos como Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides, Paraíso, Parálisis Permanente, Aviador Dro, Derribos Arias, Zombies, Radio Futura, Nacha Pop o la Mode, por citar sólo algunos.” radiofutura“Unas pocas bandas evolucionaron con el paso de los años, desplazándose hacia el pop y el pop-rock y mejorando en calidad musical; de esta manera se unirían a la segunda generación de grupos que fueron apareciendo durante los ochenta y los noventa, desde mi punto de vista más interesantes que los primeros: La Guardia, El Último de la Fila, Tam Tam Go, Duncan Dhu, Danza Invisible, Héroes del Silencio, Los Rodríguez, Los Ronaldos, Loquillo, etc.”

En esa segunda hornada, surgida hacia 1981-83, por supuesto también están como punta de lanza los propios Gabinete Caligari, protagonistas de su entrada.

Una exhaustiva entrada de la Wikipedia -en realidad un apartado- nos habla también de todo esto –aquí– entrando en detalle de forma extensa, explicando todo el contexto cultural en que se dio esta explosión musical: Las influencias venidas desde el ámbito anglosajón, el papel de políticos e instituciones en la promoción, la actitud vital, el descaro, las ganas de divertirse, la imagen de estos artistas, o el surgimiento de publicaciones musicales que tendrían gran importancia en el asentamiento y difusión del pop, el rock -y otros- en España: Estos son solo algunos de los aspectos mencionados.movida-830x556Todo empezó con la revolución que supuso en el rock mundial la aparición del punk y de la new wave en Estados Unidos y Gran Bretaña, hacia 1976-77. Todo ello llegaría a España y se traduciría en un fenómeno conocido como el Rrollo, con una serie de manifestaciones como el rock urbano, el rock sinfónico o el rock andaluz. Tal fue la profusión y la variedad de grupos y estilos que de nombres pioneros como Miguel Ríos, Triana o Tequila se pasaría a los primeros representantes del punk en España: Así tendríamos a los ya mencionados Kaka de Luxe, pero también a Ramoncín y W.C. o La Banda Trapera del Río, por ejemplo.

Pero la aparición del punk supuso tal carga de nihilismo, ruptura e ironía corrosiva, que llegaría a ser letal para la propia escena creada -cultural y musicalmente-. Grupos y artistas patrios que bebían directamente de los grandes nombres anglosajones se diferenciaron muchísimo de los mencionados rock urbano, rock sinfónico y rock andaluz -de todo lo que oliera a hard rock o similar- llegando incluso a renegar de dichas expresiones. De esta forma se hizo tabla rasa, dando por liquidada la década de los 70 y propiciando que se empezara de cero. Esas son las circunstancias que llevan a que, hacia 1978-79 se creara el movimiento que se bautizó como Nueva Ola española, y que acabaría reconduciéndose y llamándose La Movida.35565401_010223Toda esta “larga” explicación -que en realidad son cuatro pinceladas- viene a reflejar la tremenda riqueza de esa eclosión del pop español, y un detalle que corrobora esa cantidad y variedad de grupos es que a la enumeración antes hecha se pueden añadir por ejemplo Glutamato Ye-Yé, Los Secretos, Los Ejecutivos Agresivos, Los Elegantes, Ella y los Neumáticos -donde empezó Christina Rosenvinge-, Los Rebeldes o Los Rápidos, tan solo si pensamos en la primera oleada de nombres.

En cuanto a la segunda hornada de grupos, el número crece considerablemente y podríamos añadir por ejemplo a Los Coyotes, Pistones, Sindicato Malone, Esclarecidos, Ciudad Jardín, Objetivo Birmania, Alphaville, Los Burros -como saben los buenos aficionados, uno de los grupos embrionarios de El Último de la Fila, junto a los antes mencionados Los Rápidos-, Brighton 64, Decibelios, Siniestro Total, Golpes Bajos -otro grupo “fundacional” que resultó clave-, Os Resentidos, T.N.T, 091, La Dama se Esconde, Ilegales, Presuntos Implicados o Seguridad Social…

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Golpes Bajos

La variedad de estilos tocados por este verdadero ejército de artistas fue absoluta y total. La fortaleza y la riqueza de tal panorama permite que aún ni siquiera hayamos mencionado a artistas como Tino Casal, Hombres G o Mecano, nombres que quizá no podrían englobarse en esa “movida” pero que arrasaron en éxito y ventas -en especial segundos y terceros-. Además, aparte de los mencionados rock sinfónico, andaluz y urbano -con formaciones conocidas- también se dieron otras manifestaciones, como el heavy metal, el rock radical vasco, el punk de los 80, una serie de grupos que podrían pasar por “inclasificables” o “francotiradores” como Burning, Mermelada o La Orquesta Mondragón, o solistas singulares con peso específico como Rosendo o Joaquín Sabina.r-3417873-1398680403-2725-jpegComo puede verse, un panorama amplísimo. “La Edad De Oro Del Pop Español”…incluso existen recopilatorios con muchas de las canciones más conocidas de esas décadas, y también un grupo del mismo nombre que da conciertos por la geografía española rememorando grandes clásicos del pop rock español.

Como apuntaba Raúl, la llegada de esa segunda hornada de grupos supuso un salto cualitativo y una mejora en la calidad de la música que se facturaba. Y además en algunos casos se tradujo en cierto éxito comercial. Nos sigue contando la exhaustiva exposición de la Wikipedia:

“En un primer momento (1979-80) las compañías discográficas establecidas parecen apoyar a las nuevas bandas y fichan a muchas de ellas. Pero esos primeros lanzamientos, a pesar de venderse relativamente bien (sobre todo Radio Futura, Alaska y los Pegamoides o Nacha Pop), no alcanzan las cifras que la industria espera, por lo que ésta les da la espalda y vuelve a sus cantantes prefabricados para el público adolescente…”

Pasan los años, el movimiento evoluciona, recibe el apoyo de los poderes públicos y políticos y se convierte en un hecho incontestable más allá de lo estrictamente musical. Hasta que en 1984 se produce un punto de inflexión y las cosas empiezan a cambiar:

“Al recibir el apoyo de los poderes públicos y de la cultura oficial, la Movida se “oficializó”; se “institucionalizó”. Y, en consecuencia, dejó de existir como verdadero movimiento juvenil; vivo, espontáneo, generador de grupos, corrientes musicales, modas y estéticas. De forma que hacia 1984 (justo en el momento de su apogeo) puede afirmarse que La Movida había llegado a su fin. Eso no quiere decir que desaparecieran las bandas nacidas con ella, en absoluto. De hecho, fue a partir de ese momento cuando muchas de ellas se consolidaron y consiguieron, además, un éxito comercial masivo, vendiendo cientos de miles de discos y dominando las listas españolas hasta principios de los 90. (…) Los años 80, durante su segunda mitad, siguieron siendo una auténtica Edad de Oro para el rock y el pop en España. Con la ventaja añadida de contar con un ambiente ya consolidado a todos los niveles. Además, como ya se ha apuntado, entre 1984 y 1990 (y aún después) muchas formaciones de La Movida se convirtieron en auténticos superventas, alcanzando un éxito masivo.  Así ocurrió con Alaska y Dinarama, Gabinete Caligari, Radio Futura, Loquillo y Los Trogloditas, los ramonianos Los Nikis, Siniestro Total, o Nacha Pop. Por no hablar de Mecano…” pistones-lo_mejor_de_la_edad_de_oro_del_pop_espanol-traseraY es justamente a partir de ese año clave, 1984, que cabría hablar de una tercera oleada de grupos, aunque ya están fuera de la extinta Movida. A los ya mencionados La Guardia, El Último de la Fila, Tam Tam Go, Duncan Dhu o Héroes del Silencio cabría añadir por ejemplo La Unión, Los Toreros Muertos, Los Hombres G, El Norte, Semen Up o Cómplices…De hecho, una numerosísima ola de nuevos grupos vuelve a surgir en esos años, herederos del legado que han dejado esas primeras formaciones nuevaoleras: Los Enemigos, Los Ronaldos, Más Birras, Los Negativos, Sex Museum, La Frontera, Tahures Zurdos, Malevaje, etc, etc. O el grupo protagonista de la entrada de hoy: La Granja.la-granja14Valga esta larguísima introducción para conectar con la idea que siempre he tenido respecto a esta formación surgida en Palma de Mallorca: Casi nunca aparecen citados en las crónicas y referencias no ya de la Movida -quedan efectivamente fuera, al surgir algo más tarde, en 1986- sino de los artículos que hablan de los años más brillantes del pop español y sus formaciones más representativas. Y sin embargo, creo a título personal y muchos otros aficionados también lo piensan, que La Granja efectivamente están entre los mejores grupos de pop y rock de todo el panorama histórico español.

Fue el eco mediático alrededor de la banda y su difusión por ejemplo en radios lo que hizo que tres de sus discos ingresaran en mi colección en forma de vinilo…

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Soñando en Tres Colores. Segundo trabajo, año 1988

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Azul Eléctrica Emoción. Tercer trabajo, año 1989

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Deliciosamente Amargo. Cuarto trabajo, año 1991

Los dos temas protagonistas de esta entrada pertenecen al álbum Azul Eléctrica Emoción, un trabajo magnífico. Algunas apreciaciones en torno a este disco y la carrera de la banda me van a servir de coartada para defender la idea antes expuesta: Estamos ante uno de los mejores grupos de esos años 80 dorados. Una interesantísima -y en verdad increíble- web de nombre MallorcaNochentas hace un magistral repaso a la historia de la banda –primera parte y segunda parte– y nos cuenta cosas tales como…

“El primer LP de La Granja aparece a principios de 1987 recibiendo elogios prácticamente unánimes por parte de la crítica musical más avezada (Ruta 66, Rockdelux, Radio 3, etc.).”

Respecto a Soñando en Tres Colores

“La acogida por parte de la crítica es mejor si cabe que con el primer disco. Así y todo, el número de copias vendidas, a pesar de experimentar una razonable mejoría respecto del primero, no les permite jugar en la misma división que otras bandas (Los Ronaldos, La Guardia, etc.) asiduas de los omnipresentes y decisivos, por aquellos días, “40 Principales”. No obstante, en esa segunda división se mueven como pez en el agua, disfrutando de la credibilidad que un éxito masivo posiblemente les hubiera privado. Soñando en Tres Colores, es tal vez el disco de La Granja mejor valorado no solo por sus seguidores sino incluso por sus componentes.” 

O respecto al LP que hoy tocamos…

“Azul Eléctrica Emoción aparece en otoño y será uno de los cien discos esenciales del pop español para Jesús Ordovás. Dobla en ventas al trabajo anterior y es el primero que se publica en vinilo y en CD. Siguiendo fielmente la idea de homogeneidad incluyen un par de versiones a los temas originales de la cual destaca poderosamente la de “She’s got a new spell”, de Billy Bragg, rebautizada como Magia En Tus Ojos y que se convierte inmediatamente en hit.”la-granja1Esa formación original de 1986 estaba integrada por Guillermo Porcel (voz), Carlos Garau (bajo), Miguel Gibert (batería y letrista) y Kiko Riera (guitarra). Ese año ganan el concurso Pop-Rock “Palma de Mallorca” y el ayuntamiento les financia el que sería su primer disco, de título homónimo, y que incluía el hit Sufro Por Ti, un tema con letra gamberra e irreverente y rebosante de sentido del humor y también de misoginia, por qué no decirlo. Paul Collins, que al frente de su formación The Beat había facturado uno de los discos esenciales del power pop americano de los 80, les producirá el Azul Eléctrica Emoción. Power pop, ése es el concepto clave para entender los temas de La Granja, si hilamos fino en el universo del pop-rock. Y ojo, eso sin renunciar en ningún momento a la electricidad guitarrera. Tras la aparición de este importante trabajo, se suma a la formación Pablo Ochando a la guitarra y teclados.

La Wikipedia también valora la aportación de la banda mallorquina en elogiosos términos:

“Para algunos, uno de los mejores grupos de la música pop española, destacan por su facilidad para componer melodías pegadizas sin caer en lo ramplón, a la vez que (sobre todo en directo) cuentan con una gran potencia, destacando la contundencia de sus dos guitarristas. Curiosamente, muchos de sus temas tienen personajes con nombres y apellidos femeninos (…Dolores Haze, Anita Reyes, Inés, Isabel, Violeta, Rebeca, Cristina…). Su cuarto disco, Deliciosamente Amargo, supone un punto álgido en la popularidad del grupo, ya que logra disco de oro (50.000 copias vendidas), pero precisamente la lucha por las ventas va a resultar demasiado dura para el grupo…”

Tras un descanso y la salida momentánea de Guillermo Porcel del grupo, éste vuelve en 1998. Tobogán es su último LP hasta la fecha -del 2004- y según este medio la banda -aún en activo- se encuentra preparando las canciones del que sería su octavo disco de estudio.la-granja131El crítico musical Jordi Turtós, en la prestigiosa revista Rockdelux, hacía una reseña de este disco y valoraba la propuesta musical del grupo…

“Fue un bonito disco de pop-rock que enamoró a todo el mundo. Mejor álbum español de 1989 según las listas publicadas en el (número) Rockdelux 60. 

Nos habían advertido ya con su anterior trabajo (“Soñando en Tres Colores”, 1988): iban en serio, su oferta era una de las más esperanzadoras de las que circulaban por estos pagos. Lo que uno no imaginaba era que este “Azul Eléctrica Emoción”, su tercer y reciente trabajo, pudiese erigirse en un paso de gigante tan impecable. (…) No caben vacilaciones ni falsas metáforas. Sencillamente estamos ante uno de los mejores trabajos de este año en cuanto a producción nacional se refiere.

La Granja ponen en funcionamiento, con la simplicidad como virtud, unas guitarras, un bajo y una batería (más la ayuda de un Paul Collins que, además de producir, toca la acústica) sin que la voz tenga que abrirse paso a codazos o a gritos. No hay alardes ni grandilocuencias, sencillamente música de esa que tú y yo andamos buscando continuamente y que la mayoría de bandas nacionales se empeñan en negarnos: rock inteligente que respete y que podamos respetar sin recurrir a tópicos ni a estados de ánimo determinados.

(…) Han dado con la clave, con la lucidez del rock natural, espontáneo, ese lenguaje tan universal que pocas veces se ha visto tan bien traducido en España como en “Azul Eléctrica Emoción”. Tras una primera escucha, el disco te desarma, te lleva a olvidar cualquier prejuicio. Suena transparente, las ideas saltan a simple vista, los temas se alzan sin fisuras ni renqueos, sin debilidades. Baladas, medios tiempos o acelerados, todos construidos con la misma convicción y coherencia, sin prisa, pero con rotundidad. Los textos huyen del alegato o del mitin generacional, las historias se ajustan perfectamente a su escenografía musical…”

la20granja201986Para concluir esta extensa entrada, no estará de más escuchar a los propios componentes del grupo para ver qué opinan acerca de su éxito. Concedieron una entrevista al Diario de Mallorca con motivo de sus 25 años de carrera y de un concierto que dieron en Palma en el 2012. ¿Qué hizo de La Granja uno de los referentes de la música de esa época?

“Creo que las letras. La gente relacionaba el pop-rock con canciones de amor y desamor y nosotros hacíamos algo diferente. Intentábamos utilizar una semántica distinta y tratábamos temas polémicos como el aborto o la violencia doméstica”, reflexiona Guillermo Porcel, el vocalista.

“El directo, sin duda. Las guitarras y la voz de Porcel son muy atractivas y eso engancha a la gente”, responde Miguel Ángel Sancho, responsable del Sello Blau.

Respecto al fenómeno de las fans femeninas, Porcel añade entre risas:

“Aquí son más tranquilas, aunque tuvimos suerte. En aquellos años también surgieron Hombres G y Duncan Dhu. A ellos les tiraron más sujetadores que a nosotros, sufrieron más.”

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El quinteto en tiempos recientes

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El single

Bien, ha quedado muy claro que reivindico desde aquí la carrera y los discos de esta banda, ese formidable trabajo del 89 y esta magnífica Magia En Tus Ojos que, aparte de la música, tiene esa gran letra como uno de sus puntos fuertes…

Como se ha apuntado, esta gran canción es una versión de un tema del británico Billy Bragg. El título de la canción creada por este veteranísimo cantautor, conocido por sus posiciones izquierdistas y activistas, canción protesta, compromiso social y cercanía al movimiento obrero, es She’s Got a New Spell (“Ella tiene un nuevo encanto”, o lo que es lo mismo, magia, hechizo, atractivo…). La canción fue compuesta en 1988 y abría su larga duración Workers Playtime de ese mismo año. La Granja le cambió la letra y pueden rastrearse lejanas similitudes, empezando por el hecho de que en ambas la protagonista que hechiza al artista es una mujer. Bragg dice cosas tan bonitas en la letra del tema como:

She cut the stars out of the sky
And baked them in a pie

She stole the scene and scenery
The script and the machinery

Azul Eléctrica Emoción contenía unas cuantas formidables canciones: La Mala Traición, El Chico De La Moto, Por Ti, Por Mí, Inés, Hartos…pero a juicio personal en este disco se encuentra uno de los mejores temas de toda su carrera, un tema que me ha hecho modificar la primera intención de hablar solamente de la anterior canción. Se trata de Persiguiendo Una Luz: Gran melodía, frescura y hermoso estribillo. Desde luego un tema y un sonido que nada tienen que envidiar a algunos de nuestros adorados ídolos anglosajones, llámense estos The Sundays, Echo and the Bunnymen o The Smiths

Y para constatar lo grandes y lo incombustibles que son, y al mismo tiempo cómo estas canciones siguen en el corazón de sus fieles seguidores después de tantos años, aquí les tenemos: En el Wurlitzer Ballroom de Madrid, el 23 de enero del 2016…

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Johnny Clegg is saying goodbye

Dios mío. Johnny Clegg, no sé si os sonará o recordaréis a este músico, compositor y cantante sudafricano. Ahora tiene 64 años, y en el 2015 se le diagnosticó un cáncer muy agresivo de páncreas. Aunque la dolencia ahora ha remitido, ya ha pasado dos veces por quimioterapia.

Clegg se ha embarcado en una gira por los Estados Unidos, para despedirse de sus fans. Johnny se está despidiendo de su público y de este mundo. Es durísimo decir esto, y más que me ha golpeado en mi interior al enterarme de esta noticia.

Un símbolo de la lucha contra el apartheid, por las libertades y la integración racial, de hecho fundó dos bandas donde lo interracial era premisa básica: Juluka y Savuka. Descubrió y se enamoró de la música y la cultura zulú siendo un adolescente, y se le conoce también como Le Zoulou Blanc. Un verdadero ejemplo de world music, de mestizaje cultural y de fusión de estilos y de sonidos, mucho antes que un Peter Gabriel o un Paul Simon.johnny2bclegg2band2bsavukacle892b2bins2b09johnnycleUna carrera que abarca cuatro décadas, una figura clave de la música sudafricana. Creo que no hace falta decir nada más. Que hable la música, que hablen los sonidos y las imágenes…

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Princess Nokia: Brujas

El nombre de Princess Nokia ha aparecido estas últimas semanas con bastante frecuencia en los medios musicales. Tantas veces -su nombre artístico me parece que tiene bastante gancho- que ya me picó la curiosidad…screen-shot-2017-06-28-at-12-44-16-pm-1-696x435Uno de los motivos es que acaba de estar de gira por España. Actuó el 11 de octubre en la sala Mon Live de Madrid, el 12 en el Razzmatazz de Barcelona y el 13 en el festival Monkey Week de Sevilla.

Otro de los motivos es que se hizo viral un vídeo en Twitter en el que la cantante le arroja un bol de sopa caliente a un hombre blanco -éste en evidente estado de embriaguez- que estaba profiriendo insultos racistas contra ciudadanos de raza negra. Ocurría en el metro de Nueva York, y toda la secuencia de los hechos es bastante patética. El hombre no para de increpar a los pasajeros afroamericanos del vagón, hasta que una mujer le tira la sopa -y resulta ser ella-. Ante sus intentos de bloquear la puerta del vagón, acaba siendo pateado fuera. La noticia nos la cuenta y nos la muestra la web de jenesaispop.com aquí.champion-urban-outfitters-princess-nokia-what-do-you-champion-campaign-1-620x374Pero el principal motivo es estrictamente musical: Si el año pasado editó un EP titulado 1992, lanzado vía descarga libre, ahora se reedita en formatos digital y físico, en una “deluxe edition” y ampliándose hasta 16 temas…51c790c0-87ef-496c-8c90-701fa61feeb0_grandeEn realidad Princess Nokia es el nombre artístico de un proyecto plural del que ella dice ser tan sólo la voz. El nombre real de esta chica es Destiny Frasqueri, y se trata de una artista del Harlem neoyorquino y origen italo-portorriqueño. En otras palabras, estamos hablando de la comunidad nuyorican del Bronx. Nuyorican es el portmanteau de los términos “New York” y “Puerto Rican”, y se refiere a la diáspora puertorriqueña establecida en dicha ciudad estadounidense.

Aunque lo suyo es el rap y el hip hop, su acercamiento es bastante ecléctico e inclusivo. Empezó en el 2014 con dos mezclas donde nos presentaba temas pop pero con elementos de rap, R&B y soul. La mencionada jenesaispop.com le dedica algunos artículos y hace algunas consideraciones sobre esta artista:

“Uno de los mayores descubrimientos del rap de los últimos tiempos.”

“Discurso feminista de verdad, implicado en la defensa y normalización de los cuerpos reales, comprometido contra el racismo y el clasismo cotidianos e institucionalizados.”

“Numerosos mensajes de empoderamiento –anti-bullying, pro-latino; anti-elitista, pro-barrio; anti-sexista, pro-LGTBIQ pueblan el repertorio de esta artista de Harlem.”

Según esta publicación, su estilo se debate entre dos facetas: una de ellas es “un potente hip hop experimental, agresivo y oscuro” y la otra son guiños al rap de la vieja escuela.

“‘1992 Deluxe’ es un magnífico documento que prueba, de nuevo, que en el underground yanqui existen propuestas más interesantes desde el punto de vista lírico y artístico que en el mainstream.”10619982_281661808710011_4602534065787559256_oMuchas otras cosas se pueden descubrir de esta artista, como que ha llevado una vida durísima donde no han faltado abusos o discriminación, y que estuvo a punto de morir dos veces. Otra de las cartas estilísticas que se guarda es, al igual que el dúo francocubano Ibeyi, las referencias a la tradición Yoruba.

El tema Brujas -en castellano- me ha llamado muchísimo la atención. Para empezar, un vídeo buenísimo donde se ven prácticas femeninas en plena naturaleza -el agua, los bosques- que enlazan con ritos Yoruba y evidentemente con lo que se ha denominado como brujería. Vídeo sugerente y expresivo, lleno de claves visuales al igual que la letra de la canción, llena de palabras relacionadas con las deidades, la santería o las raíces latinoamericanas.screen-shot-2016-11-07-at-2-37-33-pmprincess-nokia-678x381brujasprincess_nokia_main_1488907932El tema empieza con unos versos muy interesantes en lenguaje Yoruba, y que pertenecen a uno de los cantos de esta tradición (Yemaya Assessu)…

“Kai kai kai Yemaya Olodo, Kai kai kai Assessu Olodo”

Diferentes perlas aparecen en la letra, como por ejemplo en el estribillo…

Orisha, my alter
Got coins on the counter

Recordemos, lo expliqué en la entrada sobre Ibeyi, que los Orishas son las deidades de la santería cubana, o las imágenes o entidades a adorar, procedentes de esa tradición afrocubana que tiene sus orígenes en Nigeria. “My alter” evidentemente hace referencia a “mi otro yo, la otra cara de mi personalidad”.

I’m that Black a-Rican bruja straight out from the Yoruba
And my people come from Africa diaspora, Cuba (…)

I’m that Black a-Rican bruja straight out from the Yoruba
And my ancestors Nigerian, my grandmas was brujas
And I come from an island and it’s called Puerto Rico (…)

Estos son algunos de los versos de esta letra llena de referencias culturales y a las prácticas espirituales de esas tradiciones.cwxmwtyucaaal6dAdemás me gustan mucho estas cuatro brujas negras. Como me gusta la provocación y lo incorrecto, me divierte y me caen bien cuando nos dedican unas hermosas peinetas cantando eso de…

Don’t you fuck with my energy

4033c03032f0f35bc94d64edca645551La parte instrumental del tema, conducida por una línea de sintetizadores, está muy bien llevada y creo que la firmaría Kanye West o cualquier estrella del rap para uno de sus grandes hits. A mi juicio es lo que en verdad engancha y le da un aire hipnótico y misterioso a este interesante Brujas

 

 

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Vetusta Morla: Te lo Digo a Ti

Me parecen sencillamente sensacionales, tanto el nuevo tema como el nuevo vídeo de los madrileños Vetusta Morla

“Vetusta Morla es el grupo independiente de mayor éxito comercial en España, con varios discos de oro, e inició su carrera en 2008 con Un Día en el Mundo, al que sucedieron Mapas (2011) y La Deriva (2014), el álbum más galardonado de la historia de los premios que concede la UFI (Unión Fonográfica Independiente).”

…nos dice un interesante artículo sobre la banda publicado en EL PAÍS. Esta formación, forjada en el verano del 98 en un instituto de la localidad de Tres Cantos, me conquistó absolutamente con una joya rebosante de talento y fuerza como es Un Día en el Mundo, un disco que he escuchado innumerables veces. Y ahora vuelven con un esperadísimo nuevo trabajo, el que será su cuarto disco, Mismo Sitio, Distinto Lugar1505747552_819696_1505747655_noticia_normal_recorte1Se publica este próximo 10 de noviembre, y nos cuenta la mencionada crónica cosas tan interesantes como que el grupo lo ha grabado entre los Hansa Studios de Berlín, los Tarbox Road Studios de Cassadaga (EE.UU.) y el Sterling Sound de Nueva York. O que participa en el disco Dave Fridmann, ex-integrante de Mercury Rev. O que ha sido producido entre otros por “Greg Calbi, responsable de la masterización de este disco y de álbumes como “Young Americans” de David Bowie o “Born to Run” de Bruce Springsteen.” Casi nada. 2017092920023462484Un disco que apuesta fortísimo por la innovación y la reinvención. Bastan para certificarlo las interesantes palabras vertidas por Guille Galván, uno de los guitarristas y compositores, durante una charla en el festival BigUp! de Murcia:

“Porque lo interesante de componer es acercarse al borde, saberse en terreno desconocido, retorcerse y moverse al dictado de la curiosidad.”

El tema Te lo Digo a Ti ha sido el primer adelanto y ya deja claro que el grupo apuesta por innovar en varios aspectos: La voz procesada de Pucho, el cantante, la caja de ritmos o los arreglos de la canción. Una canción que suena por momentos casi tecno, electrónica y eminentemente pop, aunque una escucha atenta no puede pasar por alto que tanta intensidad solamente puede salir del pop…rock. O del rock al que no le da miedo modernizarse.te-lo-digo-a-tiEl vídeo es magnífico, satírico y divertido. Recrea un interrogatorio policial, y ha sido dirigido por Nacho Vigalondo. Está interpretado y protagonizado por él mismo, apareciendo travestido. Lo curioso del caso es que ese interrogatorio en clave de thriller policíaco también podría leerse en clave política o de actualidad. ¿Será porque los casos de corrupción e interminables mentiras y engaños nos tienen a todos fritos y hartos, o porque personalmente el interrogado me recuerda poderosamente a un señor que tuvo sus problemas con la justicia, el banquero Mario Conde? Lolita Flores asume el rol de “poli buena” y Nacho Vegas -que se limita a propinar una bofetada- el de “poli malo”.vetusta-morla-22-09-17“El director contrapone persona y personaje, realidad y ficción, para añadir desconcierto a la narración y descontextualizar una secuencia típica del cine policiaco. El vídeo ilustra con humor una historia de terror: el miedo a ser señalado, el temor, tan hitchcockiano, a ser culpado de algo que no has hecho o no recuerdas haber hecho.” 

…nos dice a su vez una crónica en jenesaispop.com.

No basta con escucharla una vez. De hecho me lanzo a escribir esta reseña después de haberla escuchado unas cinco veces estas semanas y de -creo- poder apreciar toda su fuerza y esa intensidad compositiva tan inconfundible en el grupo…

Después de girar por varios países latinoamericanos, la banda dará conciertos en varias ciudades portuguesas y españolas, ya en el 2018…cartel-gira-vetusta-morla-mismo-sitio-distinto-lugar

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Gaspard Royant: 7″ Club / Europe (Live 03/02/17)

Hace tiempo que no aparece por este blog este dandy francés, un absoluto crack del pop vintage. Un artista que, partiendo del rhythm and blues y el doo-wop de los años 50 y 60, recogiendo las influencias clásicas de por ejemplo Roy Orbison, Phil Spector, Chuck Berry, los Beatles o Sam Cooke, sabe componer magníficas canciones con aires retro y sixtie.gaspard-royant-2-696x522En esas canciones de aires sesenteros refleja las influencias de estilos como el pop de garaje y el sonido Northern Soul, un movimiento revival que a su vez hundía sus raíces en el mencionado rhythm and blues, el soul, el gospel y los sonidos negros de sellos como la Tamla y la Motown.

Aquí le tenemos en vivo, en un concierto dado en la sala Le Trabendo de París, el pasado 3 de febrero de este año. El primer tema, 7” Club, es una de sus mejores canciones y está contenida en su último álbum, producido por un grande del pop, Edwyn Collins. También se la conoce como 7 Inch Club

El tema Europe

Por cierto que ambos vídeos oficiales son absolutamente impecables, tanto en el sonido como en la facturación visual de los clips. Aquí tenemos el primero y aquí el segundo.

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Alex Cameron (ft. Angel Olsen): Stranger’s Kiss

Vaya, creo que hacía tiempo que no veía un vídeo tan curioso, extraño y un pelín inquietante. Un vídeo singular con elementos para quedar en la retina y la memoria, y además una excelente canción.

Alex Cameron es un cantante y songwriter australiano, pero a la vez es el nombre de un dúo procedente de Sídney. Lo componen el propio Cameron y su business partner Roy Molloy, que se encarga de tocar el saxo…

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Alex Cameron a la izquierda y Roy Molloy a la derecha

Cameron antes había formado parte de un trío de música electrónica llamado Seekae -aunque según la Wikipedia, aún es parte de esta formación-. Sus inicios en “solitario” o junto a Molloy, para ser más exactos, están marcados por ese tipo de sonido, sintetizadores programados y las influencias de célebres bandas de tecno/pop como Depeche Mode o New Order. Y así quedaba constancia en su álbum de debut, Jumping the Shark (2013). Sin embargo su estilo ha evolucionado, y en su segundo trabajo, publicado en septiembre del 2017 –Forced Witness-, se abre y se acerca al pop de los 80 en general, teniendo como referencias grandes y conocidos nombres (John Parr, Roxy Music, John Waite, o sin ir más lejos Meat Loaf o Bruce Springsteen en esta excelente balada que traemos hoy).maxresdefault1Lo interesante de esta formación viene ahora, por partes. Punto uno, Cameron es un gran narrador, un storyteller notable, que ya en su primer disco contaba historias de perdedores, colgados, tipos raros o repulsivos cuyo común denominador podría ser “the sort of desperate nature of trying to avoid failure”, según explica en una entrevista. Acostumbran a ser caricaturas de personas maltratadas por la vida, historias de las que ha sido testigo, pero también hay partes achacables a la experiencia personal.

Punto dos, en su segundo trabajo las canciones nos presentan y dan voz a un abanico de carácteres totalmente diferentes, que vendrían a ser las personas existentes dentro de cada uno de nosotros: Según las conclusiones de Carl Jung, distintas facetas o caras que mostramos ante diferentes situaciones o ambientes, una especie de máscara o arquetipo que puede engañar a los demás pero también a uno mismo. Es una forma atenuada de escisión de la personalidad, de forma que en todos nosotros conviven diversos “yoes”. Estas personas que asoman en las letras de Cameron intentan evitar el enfrentarse a una realidad desagradable, lidian con distintas formas de inadaptación social, problemas o frustraciones derivadas de compararse a determinados ideales sociales. “There are ten songs on Forced Witness, and each of them is sung by a complete asshole”, nos dice al respecto un artículo en Pitchfork.com.alexcameronstillY punto tres, la propia línea argumental del vídeo de hoy, que en verdad es singular y llamativa. ¿Dos personas buscándose la una a la otra? Ésa parece ser la idea: Una chica se caracteriza -nunca mejor dicho- y sale a recorrer las calles en busca de lo que se conoce como su doppelganger -su doble, alguien clavado físicamente a nosotros-. Un extraño, curioso e increíble encuentro, quizá un golpe de increíble buena suerte.

Al respecto de la idea que quiere transmitir este vídeo, Cameron manifestó en una entrevista a la publicación The Fader:

“Stranger’s Kiss is a song about a couple in the midst of a breakup taunting each other with sarcastic advice and threats of despair as they grapple with their new found freedom. In life we question our own potential for independence. And the abusive ones will manipulate that doubt into codependency. So we sacrifice singledom for company. The video Jemima wrote and directed brings the tenderness of love within the song to the surface – two people obsessed with who they want to be. Clinging onto chemical love regardless of destitution. We see blind idolisation. The two each give the other what they always wanted and needed. And that is a type of strange love. No matter how unhealthy, superficial or unsustainable that dynamic may be – this love offers brief but blissful moments of relief for whatever pains a person can endure. And that’s what the clip is about.”

“Stranger’s Kiss es una canción sobre una pareja en medio de una ruptura que se burlan el uno del otro con consejos sarcásticos y amenazas de desesperación mientras lidian con su nueva libertad encontrada. En la vida nos cuestionamos nuestro propio potencial de independencia. Y los que son abusivos manipularán esa duda hasta (forzar) la codependencia. Así que sacrificamos la individualidad por la compañía. El vídeo que Jemima escribió y dirigió trae la ternura del amor dentro de la canción a la superficie: dos personas obsesionadas con lo que quieren ser. Aferrarse al amor químico a pesar de la miseria. Vemos la idolatría ciega: los dos le dan al otro lo que siempre quisieron y necesitaron. Y ese es un tipo de amor extraño. No importa cuán insalubre, superficial o insostenible pueda ser esa dinámica, este amor ofrece breves pero dichosos momentos de alivio para cualquier dolor que una persona pueda soportar. Y de eso se trata el clip.”

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Jemima Kirke, actriz londinense que saltó a la fama con la serie Girls

Mención aparte en el vídeo para Jemima Kirke, que escribió, dirigió e interpretó esta extraña historia de forma más que convincente. Acabaré diciendo que cuanto más escucho el tema, más evidentes se me hacen las reminiscencias no del Boss, sino sobre todo de Meat Loaf. Magníficas también las partes de saxo. Angel Olsen con su bonita voz se subió también a este carro…

 

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Tei Shi: Bassically

Andaba a principios del 2016 escuchando y viendo vídeos en YouTube de la fascinante Grimes (Elise Boucher), investigando detalles de la carrera de esta artista canadiense que me fascinó con su álbum Art Angels (2015), cuando tropecé con Tei Shi, que casualmente también ostenta nacionalidad canadiense. Realmente debió ser el propio YouTube -ese ente tan listo- el que me sugirió el vídeo que hoy nos ocupa, y piqué el anzuelo. Bassically es a mi juicio una muy buena canción, con los elementos muy bien trabajados y con una parte vocal más que atractiva. teishi-photo-by-nicholaspesce-580x871Tei Shi es el nombre artístico de Valerie Teicher (“Val”), nacida en Buenos Aires pero de padres colombianos. Su historia es un poco -o bastante- la historia de una chica y artista trotamundos, ya que Val ha vivido en Buenos Aires, Bogotá, Vancouver, Montreal y actualmente Nueva York, donde está establecida -Brooklyn-, además de haber adquirido la nacionalidad canadiense.teishi_press2_creditjjmedina-679x1024Así es. Con más detalle podemos contar que su familia abandona Argentina para establecerse en Bogotá cuando la niña tenía dos años. Allí vive junto con sus padres, su abuela y tres hermanas mayores que ella. A los 8 años se traslada con su familia a Vancouver, para acabar volviendo a Colombia cuando contaba 15. Al cabo solamente de un año regresa a Canadá para seguir con sus estudios. Tanto cambio de residencia no parece haberle afectado ni dejado ningún trauma. Al respecto de esta cuestión ha declarado en una entrevista:

“When you’re that age your life is your family, and then you’re doing what you’re doing anywhere.”

Por otro lado siempre ha mantenido fuertes lazos con su país de origen y no ha perdido en absoluto sus raíces latinas. Después de graduarse en música en la Berklee College of Music de Boston empezó su carrera musical. Se estrenó en verano del 2013 con un single titulado M&Ms, siendo dirigido el vídeo precisamente por el hermano de Grimes, Mac Boucher. Con un acompañamiento instrumental muy básico y cantado prácticamente a cappella, llamó la atención de algunos medios. Un par de canciones más servirían para promocionar su primer EP, titulado Saudade, en noviembre de ese 2013…teishi_750_750_75_sEn abril del 2015 edita su segundo EP, de título Verde. El primer single de este EP es precisamente el tema Bassically, que fue muy bien acogido. Por ejemplo acumulando 7 millones de reproducciones en Spotify o siendo versionado por otros artistas. El vídeo oficial se acerca ya a los 4’5 millones de visitas. Yo, sin conocerla absolutamente de nada, también acabé cayendo…teishi

El vídeo oficial…Realmente curioso, incluso lo podríamos calificar con un poco de sentido del humor de cutre salchichero, porque es obvio que está hecho con muy poco presupuesto y con unos efectos “especiales” realmente risibles, pero que de tan cutres resultan graciosos. La filmación nos muestra a la propia Tei Shi ataviada como una guerrillera, junto con otras dos compañeras, entablando una mortífera guerra con un escurridizo monstruo que tiene forma de reptil gigante. Parecería incluso material propio de los films de serie B -a Messer Chups les gustaría, seguro- y la propia Val declaró que querían darle un aire de cómic a la historia…136368194_4856414676001_bb-teishi-bassically-2El estilo que practica nuestra protagonista es indie pop, synth-pop, alternative R&B. Se pueden añadir otros muchos matices, como que tiene toques de shoegazing -porque superpone capas de sonido e instrumentos-, de pop evidentemente electrónico y además en algunos temas con fuertes dejes de R&B o clara orientación hacia la dance music. Y eso es lo que ocurre precisamente con Bassically: Es un tema que es perfectamente bailable, no costaría nada imaginarse al personal cerrando los ojos, dejándose llevar y meciéndose al son de su cadencia.

Por ejemplo la web Noisey en un reportaje sobre la artista califica su música de “R&B bedroom pop from an entirely different dimension”. Y precisamente y de nuevo Grimes, calificó el tema Basically como “one of the best pop songs of 2050”. Además no son pocos los usuarios y medios que hablan de ella como “future pop”. Todo ello no deja de resultar “casual” y curioso, pues llegué a Tei Shi precisamente por sus similitudes estilísticas y sonoras con Grimes.teishi_featured_fix1screen-shot-2015-08-20-at-7-35-34-pm-1024x633

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Una artista por otro lado con notables cambios de look

Atención a ese ritmo, a los sintetizadores, a la percusión y las cajas, y después y notablemente a los devaneos vocales de Val, que quizá son lo más destacado del tema. Una canción que puede enganchar…

Aunque después de ver algo tan graciosamente cutre salchichero -si has sobrevivido- se me ocurre a la vez una reflexión y un ejercicio: Podría ser que la naturaleza y la estética de este vídeo nos estuviera intoxicando de alguna manera y no dejándonos percibir que se trata de una canción singular. Como siempre, esto es una obviedad repetirlo, un tema no puede apreciarse con mucho más conocimiento de causa si uno no lo escucha un mínimo de tres veces. Es por ello que esta interpretación de Tei Shi en la emisora KCRW nos muestra más a las claras que es un excelente tema pop donde se combinan voces, teclados y ritmo de una forma notoria…

Un último apunte: A finales de marzo de este año la cantante lanzaba su primer larga duración, de título Crawl Space. El single de adelanto, Say You Do es muchísimo más comercial pero tiene innegable gancho y belleza. El vídeo se desarrolla en el interior de una limusina. Val va ataviada con un vestido claro muy ceñido al cuerpo y botas de látex rojas, y pronto empiezan a aparecerle alter egos igual de sugestivos. Una canción pop que podrían firmar otras divas del género, como Cheryl, Britney Spears o muchas artistas de R&B, porque eso es lo que transpira la canción.teishi_wide-891c16f38cbddc62de5e54a4e267f3053e5b20b8-s900-c85

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Bob Dylan: Learning to Fly (Tom Petty)

Dylan rindió homenaje al que fuera su compañero en los Traveling Wilburys. Además habían compartido escenario y tours en varias ocasiones. En ese famoso supergrupo, Dylan llevaba el sobrenombre de “Lucky Wilbury” y Petty el de “Charlie T. Wilbury, Jr.”

Aquí tenemos un magnífico cover de Bob Dylan con su banda, tocando en el 1stBank Center en Broomfield, Colorado. 21 de octubre del 2017. Petty hubiera cumplido los 67 años justo un día antes, el 20.

 

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