«Vampire Weekend is an American rock band from New York City, formed in 2006 and currently signed to Columbia Records. The band was formed by lead vocalist and guitarist Ezra Koenig, multi-instrumentalist Rostam Batmanglij, drummer Chris Tomson, and bassist Chris Baio. Batmanglij departed the group in early 2016 but has continued to occasionally contribute to subsequent albums as a songwriter, producer, and musician».
Conozco a esta banda desde hace ya bastante tiempo. Sus dos primeros álbumes fueron aclamados por la crítica: Vampire Weekend (2008) y Contra(2010). Una de las cosas, a mi juicio, más interesantes de esta formación es que han trufado o preñado sus trabajos y sus temas de evidentes influencias del pop africano (Afropop)… melodías africanas, ritmos y percusiones propias de este continente. Y eso no es algo que uno se encuentre todos los días. Temas como por ejemplo Cape Cod Kwassa Kwassa, Horchata o White Sky. Pero hay muchos más.
Acaban de sacar nuevo disco, este pasado 5 de abril, de título Only God Was Above Us. Ya obra en mi poder. Una escucha no demasiado exhaustiva (suelo poner el reproductor en modo random) hizo que me fijara en esta canción…
Hoy me voy a permitir —cosa que en realidad me encanta— trazar una delgadísima e invisible línea que una música con espiritualidad. Esto es, con autoconocimiento, sanación de las emociones, amor, aceptación y ultrabelleza.
No hace tanto, en realidad, el blog EL REFUGIO DEL ASCETA publicó un post con esta canción. Gracias, gracias, gracias, Montse. Gracias, porque me quedé absolutamente maravillado. La canción me parece preciosa, tanto por la música como por la letra y el hermoso mensaje que transmite.
María José Llergo es una artista y cantaora cordobesa (Pozoblanco, 1994) que ha sido señalada como «una renovadora del flamenco», aunque ella no se limita a simplemente identificarse con esa definición o etiqueta. Su música es muy personal y sincera, le nace del alma, y lo que ha hecho es sencillamente componer canciones que fusionan el pop, la electrónica y el rock con una de esas grandes influencias de la escena andaluza: el flamenco, por supuesto.
No voy a entrar para nada en detalles sobre su carrera o figura. Leí varias entrevistas y reseñas en su día y escuché y vi varios vídeos donde una chica, una artista que derrocha sensibilidad e inteligencia hablaba de su obra y de sus planteamientos con una gran claridad de ideas y simpatía.
Así que quien quiera o a quien se le despierten el interés y la curiosidad puede hacer lo mismo que hizo el que escribe. María José publicó un primer disco, Sanación, en 2020…
«Así nos llega la joven cantaora cordobesa (…), como un rayo de luz auténtico que emana calor propio y escapa del frío de las modas, mutando en brisa fresca y juguetona, provocando quemaduras y sanando al mismo tiempo.
Aire nuevo y combativo a su manera, palpitante de honestidad, que esquiva el omnipresente eco rosaliano y toda etiqueta castradora de libertad creativa. Un dejar fluir por sus propias venas la sangre de los pueblos oprimidos, reavivando su memoria con el fuego de una poética curativa que mira al mundo a los ojos y da voz al dolor de los silenciados».
(En Mondo Sonoro).
El álbum ULTRABELLEZA salía al mercado en el 2023. Preguntada sobre cómo surgió la letra del tema que da nombre al disco (en una entrevista en Shangay.com), la cantante responde:
«De mi oración preferida. Estudié en un colegio de monjas de cuyo nombre no quiero acordarme… [risas]. Y bueno, siempre te queda un poso. Esa oración dice ‘Bendita sea tu pureza y eternamente lo sea, pues todo un Dios se recrea en tu graciosa belleza. A ti, celestial princesa, Virgen sagrada María, te ofrezco en este día alma, vida y corazón. Mírame con compasión, no me dejes madre mía’.
Ya de pequeña ampliaba el sentido de esa oración; no se la dedicaba a la Virgen a la que me obligaban a venerar, sino a mi abuela María y a mi madre María José. No puedo entender que la Iglesia no acepte el matrimonio entre personas del mismo sexo ni la diversidad a la hora de amar. No podemos limitar el amor, ¿no? Rechacemos lo que nos hiere, no lo que nos hace grandes. Así que decidí ampliar esa oración, y así nació ‘Ultrabelleza’».
Cierto es, tal y como se comenta en el mencionado artículo de Shangay, que en este disco y muy especialmente en este tema la cantante demuestra «su compromiso con la diversidad LGTBIQ+ y su defensa del amor libre». Mucho más si tenemos en cuenta que, a modo de introducción, una voz infantil suelta estas dos frases que desmontan cualquier prejuicio:
Mami, mami, ¿es que querer así está mal? ¿Por qué dicen que este amor es antinatural?
Y más adelante una parte de la letra lo deja más claro todavía:
Y qué más da Sea como sea tu forma de amar
Bendito sea el que ama
Y qué más da La forma de tu cuerpo, dime qué más da
Lo que importa es el alma
Tal y como se señala en dicha entrevista…
Shangay: Resultó impactante el manifiesto que lanzaste para anunciar el disco, en el que quedaba muy claro tu rechazo al odio y tu mensaje tan directo de apoyo hacia la comunidad LGTBIQ+…
María José Llergo: Tenía muy claro que quería que fuese así. No entiendo que en este mundo moderno que nos envuelve no se vea la diversidad como una riqueza. Ante esa enfermedad, trato de ser antídoto con mis palabras. Ultrabelleza en especial me gustaría que la escuchara aquella persona que sale del armario y no encuentra comprensión en su entorno, ojalá la encuentre en mi canción.
Todo este aspecto de la canción y todo este bello mensaje se me hicieron muy evidentes desde la primera escucha. Y sin embargo… sin embargo el tema me sugirió muchísimas otras cosas, me provocó impresiones y reflexiones mucho más generales que no tienen que estar vinculadas en absoluto al tema de la orientación sexual o de la libertad para ser y amar como desees (todo lo cual me parece importantísimo y perfecto, obviamente).
Intentaré explicar en breves palabras el porqué de esto. Cuando de entrada he mencionado el concepto espiritualidad lo he hecho por algo: porque este tema y esta letra, este mensaje, me parecen indiscutiblemente espirituales. Tenemos por un lado una evidente influencia religiosa y se menciona en la letra a Dios (incluso ella habla de ese colegio de monjas y de la oración a la Virgen María). Pero tampoco es por toda esta faceta que me parezca una canción muy espiritual. Hay al menos dos expresiones en la letra que me parecen totalmente definitorias a este respecto:
Bendita tu naturaleza.
No hay nada malo en ti.
No hay nada malo en ti… es un canto total a la aceptación de uno mismo o una misma. Un canto a la empatía y la comprensión —por extraño que suene decir esto— hacia uno mismo o una misma. A amarse y perdonarse a un@ mism@. Sí, porque con total seguridad muchísimas veces no lo hacemos, o no lo hacemos con la sinceridad y la profundidad que serían deseables. Casi todas las personas pueden caer en el error o incluso en el hábito —o haberlo interiorizado como una práctica normal a causa de la educación recibida, de la familia, de la presión social en general— de fabricar juicios y hacer valoraciones acerca de sí mismas que sean excesivamente duras, severas, autoexigentes, críticas, perfeccionistas, negativas… incluso potencialmente dañinas, tóxicas, autodestructivas. ¿Es así o no es así, querido lector o lectora? ¿Qué opinas? Y todos estos juicios o valoraciones tremendamente duras y críticas pueden mermar muchísimo nuestra autoestima, nuestra confianza, nuestro concepto o imagen de nosotr@s mism@s. Si no nos aceptamos y amamos con la suficiente sinceridad e intensidad siempre anidarán en nuestras mentes y nuestros corazones la insatisfacción, el malestar, la frustración, el sufrimiento, la duda y la inseguridad, la autoestima no suficientemente reforzada, la negatividad y la autoexigencia excesivas… etcétera.
No hay nada malo en ti… es la puerta a la aceptación y el perdón sincero hacia uno mismo o una misma. A desterrar o superar todo juicio negativo que nos esté en el fondo haciendo daño —cosa distinta son la necesaria autocrítica y objetividad, el no caer en una ceguera autocomplaciente—. Si te aceptas a ti mismo finalmente y de esta manera, con todas tus peculiaridades, tus limitaciones y tus numerosos defectos, podrás comprender que en realidad bendita es tu naturaleza.
He intentado explicarlo a mi manera. O al menos, todo esto es lo que me sugirió esta canción. Por eso mencioné el concepto espiritualidad, porque para mí está muy presente en el mensaje. Y como dije al principio, todo esto implica autoconocimiento, sanación de las emociones, amor, aceptación y ultrabelleza. En realidad María José Llergo transmite y nos regala ultrabelleza. Ha creado una canción ultrabella donde asoma el amor. Belleza y ultrabelleza no están en otro sitio más que en nuestra propia mirada; en nuestras mentes, en nuestros corazones. Ultrabelleza es una canción muy espiritual. Y si a esto le añadimos toda esa faceta mencionada al principio, la aceptación de toda la diversidad sexual, de toda orientación, de esa libertad para amar a quien queramos y como queramos, entonces completamos el círculo. Es un aspecto más de esa aceptación total que sería lo ideal.
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He dicho que no entraría en detalles sobre su carrera o sobre su último disco… pero he cambiado de opinión. Creo que es mejor mencionar algunas cosas. Así que voy a transcribir aquí algunas pinceladas que ayudarán a conocerla mejor. Para que no se diga 😀.
La cordobesa manifestó lo siguiente a diversos medios a raíz de la publicación de su segundo disco, entre ellos a LaHiguera.net:
«El poder transformador de la belleza no entiende ni de estilos ni de formas. Lo ocupa todo y es capaz de llenar de luz los cuerpos opacos. Y sacar lo bueno absolutamente de todo. Ahora celebro la vida, aunque no siempre he podido hacerlo porque me dolía demasiado. Desde la alegría reivindico la belleza de lo diferente porque con ella se evita que el ser humano destruya aquello que no entiende. Saber valorar y querer incondicionalmente más allá de las diferencias. En el disco se le da un lugar de honor a las diferentes formas de habitar el cuerpo, de amar y de sentir. La sensibilidad no es tu punto débil sino un superpoder».
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«’Ultrabelleza’ presenta un mestizaje en el que el flamenco encuentra acomodo en diversas fórmulas vanguardistas y electrónicas. Los ecos lorquianos se entremezclan con sorprendentes incursiones urbanas, oraciones cristianas buscan cobijo en sinfonías épicas, las reminiscencias del r&b y pop de los 00’s conviven con atmósferas misteriosas y oscuras, percusiones guerreras florecen dentro de estructuras minimalistas y precisos tratamientos electrónicos se funden con elementos orgánicos como pianos y cuerdas, algunas tocadas por la propia María José Llergo. Elementos de un álbum plagado de sugerentes ramificaciones sonoras que lo dotan de una atemporalidad evidente con una esencia muy humana».
«He querido jugar y salir de ese poso* en el que se me encaja como un estereotipo. Desmontarlo y volar libre. Subir cuando quiera al cielo, bajar cuando quiera al infierno. Trascender». (María José Llergo).
*No sé si aquí hay un error y se quería decir pozo en lugar de poso. ¿Quizá sería pozo? ¿Cuál de los dos vocablos cuadraría más? ¿O cualquiera de los dos, siendo indiferente? A mí poso me suena un poco extraño…
(Extraído todo ello de SONY MUSIC).
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«La cantante gitana María José Llergo ha sido galardonada por la Academia del Cine de España en los premios Goya con la concesión del premio a la mejor canción original “Te espera el mar” de la película “Mediterráneo” que es un grito de protesta por las muertes en el mar Mediterráneo de personas que luchan por conseguir una nueva vida en Europa».
(Del INSTITUTO DE CULTURA GITANA; el premio se le concedió en el 2022; me entero con esta breve nota, por cierto —ahora mismo— de que es de etnia gitana).
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«A Federico le hubieran enamorado estos versos recientes:
La Luna se hizo cuchillo y en su pecho se clavó,
manchando de rojo sangre su vestío de algodón;
con ella se la llevó, la hizo su compañera…
Algunos la llaman Venus pensando que es una estrella.
Los ha escrito la cordobesa María José Llergo (Pozoblanco, 1994) para su canción ‘Niña de las dunas’.
Escucha y estudia sin tregua a sus dos Niñas: la de los Peines y la de la Puebla. Le fascinan la voz de Lole y las letras de Manuel. Lleva en el corazón a Alba Molina y a García Lorca, al que se siente conectada innatamente. Tiene también un poquito de Amy: debilidad por el R’N’B, el soul y el jazz (sin olvidar la historia y el significado cultural y social de cada expresión artística).
Recuerda con peso los estragos causados por la Guerra Civil en su pueblo y desde ese dolor versiona ‘Canción de soldados’ para el documental ‘El largo silencio’ de Sabino Antolí.
Cuando muere un general lo llevan sobre un armón;
al que se mata en la mina lo entierra el mismo carbón.
(…)
Dicen que Federico tenía el don de predecir el futuro en sueños y de viajar en el tiempo a través de ellos, y yo creo que a ella la vio en alguno. Así como parece que el ‘Romance de la Luna’ lo hubiera escrito sabiendo que Camarón iba a trabajar de niño con su padre gitano en la fragua de Cádiz, una luz muy parecida a la de María José Llergo le tuvo que encandilar cuando escribía versos como “Vestida con mantos negros piensa que el mundo es chiquito y el corazón es inmenso”.
Mi amiga María se emocionó mucho al descubrir que esta chica es del pueblo de su abuela y que se preocupa por nombrar lo terrible que fue allí la guerra».
(Extraído de Pikara MAGAZINE).
No iba a aparecer este vídeo aquí, porque no es objetivo de esta entrada hablar de un mundo absolutamente desconocido para mí… pero así podemos constatar el peso de la tradición flamenca y cómo la artista se acerca a ella…
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En relación a algunas de las reflexiones que he hecho antes…
PREGUNTA: ¿Ese no creer en sí misma es una especie de síndrome del impostor?
RESPUESTA: Estoy en terapia desde el primer momento en que tengo exposición pública porque cuando una persona tiene un don —yo creo que tengo la capacidad de cantar bien y crear canciones—, lo tiene tan interiorizado que no se da cuenta de lo especial y lo bonito que lo ven los demás. Por eso digo que mi peor lucha es por valorarme, quererme y permitirme ser desde el amor y no desde la autoexigencia como lo hacía antes.
(Extraído de una interesante entrevista en EL MUNDO).
En fin… estas son solo algunas pinceladas, y solo puedo invitaros a que busquéis por vosotros mismos más información sobre esta artista «con la sonrisa infantil y la determinación adulta de quien se ha convertido en uno de los iconos del resurgir flamenco nacional junto al concepto disruptivo de Rosalía». (La Vanguardia).
Me encanta… y no solamente desde el aspecto puramente musical. Está muy claro que es una persona muy lúcida y despierta —¡espiritual, sí!—, intuitiva y sensitiva.
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Mami, mami, ¿es que querer así está mal? ¿Por qué dicen que este amor es antinatural?
El mismísimo Dios Con el agua y el viento te hizo así
No hay nada malo en ti
Cuando puso el amor Por encima del miedo te hizo así
No hay nada malo en ti Tienes ese color que hace cálido el viento Tienes eso que no puede borrar el tiempo Eres como el amor, ultrabello
Bendita tu naturaleza y bendita por siempre lo sea
Pues todo un Dios se recrea en tu ultrabelleza Bendita tu naturaleza y bendita por siempre lo sea Pues todo de Dios se recrea en tu ultrabelleza
Y qué más da Sea como sea tu forma de amar
Bendito sea el que ama
Y qué más da La forma de tu cuerpo, dime qué más da
Lo que importa es el alma
Y qué más da Sea como sea tu forma de amar Bendito sea el que ama Y qué más da Qué más da
Bendita tu naturaleza y bendita por siempre lo sea Pues todo un Dios se recrea en tu ultrabelleza Bendita tu naturaleza y bendita por siempre lo sea No hay nada malo en ti
Y ahí las tengo, en un disco duro externo, descargadas hace ya bastante tiempo y pendientes de que las vea: las dos primeras temporadas de la serie True Detective. Es el mismo disco duro donde tengo también la serie completa Breaking Bad y que todavía no he visto… ¡increíble, pero qué desastre estoy hecho! A veces me pueden la dejadez, la pereza, el pasotismo y también, cómo no, la falta de tiempo. Ya que menciono el tema de las series, decir que la última que he visto entera, y que ciertamente era una asignatura pendiente dadas las excelentes críticas que recibió, fue —hace unos pocos meses— Gambito de Dama. ¡Joder, es una absoluta maravilla! Me encantó; me pareció impecable, buenísima, un alarde de narrativa, inteligencia y unas cuantas cosas más.
¡Qué absoluto descubrimiento ha sido para mí la excelente actriz Anya Taylor-Joy! Aunque la verdad es que curiosamente la descubrí a través de la película The Northman («El hombre del norte»), para después llevarme la sorpresa de que es la protagonista de The Queen’s Gambit. A partir de ahí he visto unas cuantas películas en las que interviene; pero esto por sí solo daría para una entrada…
Volviendo a True Detective y a la banda sonora que la acompaña, decir que gracias a Eva 😀 descubrí este gran tema (supongo, si lees esta entrada, que te referías a esta canción):
Investigando un poco, quien interpreta este tema es la banda de nombre The Handsome Family, formada en 1993 en Chicago, y compuesta por Brett Sparks (voces, guitarra y teclados) y Rennie Sparks (bajo, banjo y voces). Son marido y mujer. Far from Any Road estaba incluido en su álbum Singing Bones (2003) y fue utilizado como tema principal en los opening credits de la primera temporada (2014) de True Detective. Su música se ciñe al ámbito del alternative country y el Americana.
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Voy a hacer dos recomendaciones cinematográficas, en esta entrada que salta de flor en flor tal y como hacen nuestras propias mentes…
La primera: ya que el gran Matthew McConaughey protagoniza la primera temporada de la serie, recomendar a los y las muy fans de este actor la película Mud, por si no la han visto. Esta cinta del 2012 nos narra de manera vibrante una interesante historia: un fugitivo de la justicia, oculto en una pequeña isla, establece contacto con dos niños, que le ayudarán en sus planes para revertir su situación. Muy buena historia y una gran interpretación de este actorazo…
La segunda recomendación la hago porque justamente acabé de ver ayer la película. Me hablaron muy bien de ella la semana pasada (ciertamente la tenía oída). Se trata de la producción surcoreana Parásitos (Parasite), dirigida por Bong Joon-Ho en el 2019. El film se llevó nada menos que cuatro Oscars en la correspondiente edición: al Mejor Director, Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Guion Original. Ahí es nada. Es una de las películas coreanas más exitosas de todos los tiempos. También se llevó la Palma de Oro del Festival de Cannes, y unos cuantos y prestigiosos premios más y nominaciones.
Aquí tenemos una excelente y completa reseña en la web de Fotogramas, incluyendo una entrevista al director. Pero ojo, porque contiene spoilers: se destripa totalmente el final y se analizan unas cuantas claves. La película tiene un ritmo bastante vivo y te engancha de principio a fin, ya que nos muestra la astucia de los protagonistas, esa carga de thriller psicológico mezclado con mentiras y un negro sentido del humor (me he reído mucho por momentos). La trama se va enredando y nos conduce hacia un final tremendo, con una situación insostenible que acaba explotando. Lo que nos narra básicamente esta película es la historia de una familia de cuatro miembros, todos ellos en el paro y de clase social baja, que agudizan el ingenio para conseguir trabajo y prosperar de forma notable… a costa de una familia rica y bien posicionada. No voy a entrar en más detalles. Lo curioso es que no se les puede calificar exactamente de estafadores, manipuladores o mentirosos —mucho menos de delincuentes— aunque es verdad que estafan y mienten, pero tampoco de una forma escandalosa. Las palabras que más cuadrarían serían impostores o embaucadores, ya que lo que hacen es no contar toda la verdad; ocultar datos o información clave que les compremetería seriamente de llegar a oídos de los que son su fuente de ingresos.
La familia protagonista. Sublimes los cuatro. ¡Reza para que no se crucen en tu vida!
Arrasando en varios certámenes. El director es el único que lleva gafas en la foto. De verdad: si no la has visto, no te pierdas esta cinta.
El film hace gala de una ácida y fina crítica social y de valores y parámetros que sin duda resultan clave: la riqueza, el éxito social, las apariencias, las diferencias de clases, los prejuicios… Como bien dice el mencionado reportaje en Fotogramas:
«El surcoreano es todo un ejemplo de cómo llevarla [la crítica social] por bandera para contar más cosas. Sus películas, además de ser frenéticos viajes repletos de puro entretenimiento, tienen como base una cruda representación de la realidad y el choque social. Pero hasta ahora ninguna había sido tan arrolladoramente cruel, y a la vez tan entretenida, como ‘Parásitos’».
En fin, que me ha parecido realmente muy buena, entretenida, ingeniosa y divertida. Un singular y arriesgado mapa de cómo escalar posiciones socialmente si agudizas el ingenio y consigues que el engaño no sea visible en ningún momento. Lo que no sabía es que Bong Joon-Ho es también el director de The Host, película que vi hace muchos años y que me gustó bastante (va de monstruos en plan ciencia ficción). Y también de Rompenieves (Snowpiercer) que, sabiéndolo, pienso ver en próximos días.
Hala, hasta aquí esta entrada bastante cinematográfica. Y tú… ¿tienes alguna recomendación de series o películas que crees son merecedoras de elogio?
Sin duda alguna merecerían y merecen una entrada mucho más extensa, exhaustiva y concienzuda que la que en principio creo que saldrá de mi pluma. Aunque la verdad es que ya ha ido «engordando» y «creciendo» en mi mente mucho antes de tocar el teclado. Les debo tanto, tanto, tanto a nivel emocional a Antònia Font… se lo debo de maneras quizá difíciles de explicar y cuantificar: por toda la belleza y el talento con el que me han regalado; por todo lo que me han hecho sentir; por todo lo que han evocado y despertado en mí con su poesía e imaginación musicalizadas. ¿Se comprende esto? Seguro que así es.
Al menos para mí, Antònia Font ha sido uno de los grupos españoles más importantes, singulares y creativamente brillantes de las dos últimas décadas. La banda mallorquina, formada en 1997, nos golpeaba con la triste noticia de su disolución en el ya lejano 2013. Y sin embargo, afortunadamente así son las cosas a veces, anunciaban su regreso hace relativamente poco: en el 2021. Qué noticia tan grata y esperanzadora…
Aunque tal valoración no es únicamente cosa mía. Y no me hace falta ni tan siquiera citar una fuente precisa y concreta que sostuviera (en concordancia con muchas otras):
«El grup més influent del pop en català dels últims anys».
De izquierda a derecha, Antònia Font son: Pau Debon (cantante), Jaume Manresa (teclados), Pere Debon (batería), Joan Roca (bajo) y Joan Miquel Oliver (compositor y guitarra).
Lógicamente, se puede encontrar en la red una ingente cantidad de información sobre esa primera etapa de la banda que abarcó 17 años. Y sobre los ocho álbumes en que se tradujo. Y también muchos artículos y entrevistas de ese momento clave en el 2013, donde se explicaban el anuncio de su separación y una serie de motivos también perfectamente entendibles: agotamiento, cierto deterioro de las relaciones interpersonales, una agenda apretadísima de conciertos, el forzar la máquina en exceso…
Todo esto es lo que me voy a saltar a la torera, así como el hablar con detalle de cualquiera de sus discos o temas. Cuando he dicho «merecen una entrada mucho más extensa, exhaustiva y concienzuda» lo he hecho porque quiero centrarme en algo muy específico… y que se refiere en primer lugar a mí y por extensión a la banda: la emoción. Las emociones, los sentimientos. Vivir la vida. Vivir el momento, vivir el presente. ¡Vivir! Vivir con intensidad y conciencia el maravilloso poder del ahora, parafraseando el conocido libro de Eckhart Tolle. La vida se nos escapa como si se tratara de arena que se escurre entre los dedos. Y aunque sé y siento que soy inteligencia, luz y energía —que somos inteligencia, luz y energía, entre muchísimas cosas más—, no es menos cierto que la existencia desde un punto de vista material e individual tiene un final. El tiempo vuela, los años vuelan en un abrir y cerrar de ojos —¡la vida misma!—, y el contemplar esa velocidad vertiginosa, esa transitoriedad en el caso de la carrera de Antònia Font es un ejemplo más. ¡Cómo pasa todo!
Sí, quienquiera que me lea … siento que muy poco a poco, pero inexorablemente, estoy envejeciendo. También la salud poco a poco empieza a flaquear y se va viendo mermada. Lógico: el cuerpo no deja de ser una máquina. Y aunque afortunadamente y en líneas generales estoy bien —no me pasa nada grave— lo dicho es totalmente cierto. Quizá leas esto y no veas la conexión, pero para mí está clarísima: quería y quiero hablar del grupo mallorquín y recordar sus temas conectándolo directamente con las emociones, con mis vivencias, con el paso implacable del tiempo, de la vida. Y he querido darle a esta entrada un carácter más confesional y personal: estoy hablando de forma directa y no estrictamente de música. Últimamente me siento extremadamente sensible. Cualquier cosa puede moverme fácilmente a las lágrimas, y no tiene que ser algo triste o trágico. Al contrario: muchas veces es por experimentar o contemplar cosas hermosas. Ahora soy extraordinariamente consciente de la fugacidad de las cosas, del paso brutal de los acontecimientos y el tiempo.
Valoro cada vez más los regalos extraordinarios que nos hacen al común de los mortales las personas que se dedican al arte, sea del tipo que sea. Porque nos regalan belleza y nos mueven a la emoción, al sentimiento, a la reflexión, a la introspección, al autoconocimiento en definitiva. Nos hacen vivir todavía más intensamente… si nos mantenemos abiertos, receptivos y positivos, y somos también agradecidos. No solamente me pasa con la música; también muy especialmente con el cine. Anoche viendo una película que me pareció muy buena y cargada de adrenalina —Anna o ANИA, de Luc Besson— pensé que el cine nos enseña claramente lo bella e intensa que es la vida, la multiplicidad de situaciones, historias, personajes, emociones… Es desde esta clave que me acerco a este grupo al que le debo tanto.
Lo que voy a decir a continuación puede sonar fuerte o bastante extraño: me sonaba, por decirlo así (o tenía la duda), pero sin tener una certeza del 100%, el haber escrito sobre el grupo en el pasado. ¡Y así es, efectivamente! Casi ni lo recordaba ya. En el 2016, año en el que nacía este blog, les dediqué una entrada centrándome en uno de sus impagables y bellos temas: Els Canons de Navarone. Echándole un vistazo me invaden la extrañeza y una divertida sensación de sorpresa. ¿Escribí realmente, he escrito yo esa lejana entrada? Eso parece, eso dicen las convenciones y el sentido común. Pero no tengo demasiado esa sensación, pues podría haberlo leído como si lo hubiera escrito otra persona. Pero realmente sí, ahí está la clave: lo escribió el yo, el ego, el personaje mental del que me he desidentificado enormemente en estos últimos años —por esta razón desaparecí de este blog tanto tiempo y abrí otro con unas coordenadas vitales totalmente distintas—. Ese personaje mental es la personalidad vista y vivida primordialmente desde una dimensión conceptual, intelectual o racional, como queramos llamarlo. Y aunque esto pueda sonar muy extraño, es perfectamente cierto y real. O dicho de otra manera: nos pensamos a nosotros mismos, vivimos la vida a través del filtro de la mente y el pensamiento, cuando realmente somos mucho más que eso, o algo mucho más simple y más puro que he mencionado antes: pura luz incondicionada o inteligencia. Llámese a esto autoconocimiento, autoindagación, despertar o camino espiritual… da igual. Como puede verse conecta totalmente con las reflexiones que he hecho antes de vivir la vida intensa y directamente desde la emoción, no solo desde la mente racional y el pensar. Por otro lado, varias veces he mencionado últimamente el que podemos ver a nuestro yo del pasado como algo muy distinto del presente, incluso como algo ajeno y casi irreconocible. Qué extraño, ¿verdad? No tanto, si consideramos que el yo no deja de ser eso, una imagen mental, y que quizá no existe como ser real.
Que tengamos lógicamente una imagen de nosotros mismos —el ego— no quiere decir que única ni primordialmente seamos eso. Nuestro verdadero Yo o Ser es mucho más y es mucho más profundo. Es algo real, dinámico y además completamente inatrapable por la mente.
Doy estas explicaciones para que se entiendan mejor las razones de que me cueste tantísimo reconocerme en el personaje que escribió esa entrada hace ocho años. A lo mejor resulta de difícil comprensión o suena a pura abstracción, especulación, película «espiritual» o trascendente que uno se monta… lo que sea. En todo caso, ese yo del 2016 —que parece que la sociedad, la educación, el sentido común insisten en decir que es el mismo de hoy; que existe una continuidad fuera de toda discusión— escribió este párrafo que me parece tremendamente descriptivo de las coordenadas artísticas de la banda:
«En sus canciones tocaban temas como el espacio, la astronomía, la astronáutica, la robótica, la tecnología, los inventos, referencias cinematográficas, el mar o tópicos relativos a Mallorca y las islas, la idiosincrasia de su tierra y clásicos como el turismo, por ejemplo. Realmente la variedad de cuestiones aludidas en sus letras era enorme, siempre mezclando lo universal con lo local, con historias y vivencias personales y con un sentido del humor irresistible. Cantaban en mallorquín».
Realmente me llegaron a enganchar muchísimo, ya que tengo varios de sus discos en formato digital: Alegria (2002), Taxi (2004), Batiscafo Katiuscas (2006), Lamparetes (2011) o Vostè és aquí (2012). Lamparetes fue considerado uno de los mejores discos españoles del 2011, y sobre este trabajo es significativo lo que dijo la revista Rockdelux en su momento:
«… no hay nada parecido en el ámbito del pop made in Spain (islas incluidas). Nadie dispone de su asombrosa intuición para engarzar melodías y colocarlas en un amasijo de sonido flotante que salta a la comba entre teclados y guitarra eléctrica. ¿Y qué decir de Pau Debon, excepcional cantante en su papel de médium para transmitir todo el significado de los textos de Oliver?».
Y esta entrada tan y tan cargada de vivencias y reflexiones personales va a terminar con las que considero dos de sus joyas más refulgentes. Dos temas extraordinariamente evocadores y bellos. Puesto que cantan en mallorquín voy a poner las letras originales y también las traducciones, para que en la medida de lo posible se escape el mínimo de matices.
Batiscafo Katiuscas…
Interpretación para el Canal 33 catalán. Sencillamente sublime, maravilloso. Cuánta belleza…
Batiscafo monoplaça Es teu focus a s’abisme De ses aigües insondables Només tu les averigües
Batiscafo socialista Redactant informe tràgic Camarada, maquinista A Institut Oceanogràfic
Batiscafo solitari Dus un ruting planetari
Retxes de sol atravessen blaus marins Ses algues tornen verdes i brillen ses estrelles Que ja s’ha fet de nit i es plàncton s’il·lumina I canten ses balenes a 30.000 quilòmetres d’aquí
Retxes de sol atravessen blaus marins Ses algues tornen verdes i brillen ses estrelles Que ja s’ha fet de nit i es plàncton s’il·lumina I canten ses sirenes aproximadament per no existir
Retxes de sol atravessen blaus marins Ses algues tornen verdes i brillen ses estrelles Que ja s’ha fet de nit i es plàncton s’il·lumina I canten ses balenes a 30.000 quilòmetres d’aquí
Retxes de sol atravessen blaus marins Ses algues tornen verdes i brillen ses estrelles Que ja s’ha fet de nit i es plàncton s’il·lumina I canten ses sirenes aproximadament per no existir
Batiscafo monoplaza tu foco en el abismo de las aguas insondables solo tú las averiguas
Batiscafo socialista redactando informe trágico camarada, maquinista a Instituto Oceanográfico
Batiscafo solitario llevas una ruta planetaria
Rachas de sol atraviesan azules marinos las algas se vuelven verdes y brillan las estrellas que ya se ha hecho de noche y el plancton se ilumina y cantan las ballenas a 30.000 kilómetros de aquí
Rachas de sol atraviesan azules marinos las algas se vuelven verdes y brillan las estrellas que ya se ha hecho de noche y el plancton se ilumina y cantan las sirenas aproximadamente por no existir
Batiscafo socialista redactando informe trágico catedrático Yuri Puscas a Instituto Oceanográfico
Batiscafo Katiuscas* haces un atlas visionario
Rachas de sol atraviesan azules marinos las algas se vuelven verdes y brillan las estrellas que ya se ha hecho de noche y el plancton se ilumina y cantan las ballenas a 30.000 kilómetros de aquí
Rachas de sol atraviesan azules marinos las algas se vuelven verdes y brillan las estrellas que ya se ha hecho de noche y el plancton se ilumina y cantan las sirenas aproximadamente por no existir
*Katiuscas o katiuskas significa «botas de goma».
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Extraído de una entrevista en Desconcierto.com. Respuestas de Joan Miquel Oliver, el compositor:
—¿Quién es el señor Yuri Puscas?
—El piloto del batiscafo, que es un submarino monoplaza llamado Katiuscas. Hay gente que no lo entiende. Pensaba que sí, pero veo que no. De la misma manera que ven la portada y no saben qué es… ¡Yo juraría que es un hipopótamo! [risas]
—No sabíamos nada de vuestra relación con el Instituto Oceanográfico Ruso…
—Todo esto es muy sentimental. El Instituto Oceanográfico, un científico solitario hecho polvo… No deja de ser el Major Tom de David Bowie. This is Major Tom to ground control… El batiscafo es la metáfora de un viaje interior. De hecho creo que explica muy bien el contenido del disco, que habla más de sentimientos que de personajes o mundos inventados. Hay un viaje al espacio exterior, y este otro, que es hacia dentro.
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Creo que pocos homenajes se habrán hecho tan bonitos y tan auténticamente sinceros al gran actor y en mi opinión aún mejor director norteamericano…
Qui dubta d’en Clint Eastwood mirant el Grand Canyon del Colorado, niguls allargassats i vermellosos i el cel se penja una estrella i se fa de nit. I en Clint només il·luminat per sa foganya s’encen es puret i guarda un secret, i guisa un conillet a la llauna. S’adorm, somia trens i mercaderia, en indis Cheyennes damunt una colina a sa llum de sa lluna. Se desvetlla, s’aixeca, orina i no té son i pensa… va quedar de western, cabrons, ja voreu quan s’inventin es cinema! És pura peresa i tira per sa carretera cap a Denver.
I un home tot sol no sempre se basta qui dubta avui en dia d’en Clint Eastwood I un home tot sol se tuda i se cansa qui dubta avui en dia d’en Clint Eastwood
Arriba, dos homes se li atraquen i l’investiguen. Volen saber on és en Morgan Freeman que és es negre de Million Dollar Baby Do you know? Maybe. Dissimula, se’ls mira, desenfunda com un llamp i els liquida. Escup i se caga en sa seva vida. Sempre al punt de mira d’es Sèptim de Cavalleria, o de gringos foragidos, o de xèrifs corruptes a cases de putes, o de xinos drogaditos a Gran Torino, i Clint, què vols? Encara ets al segle denou. Fa un any que no te dutxes, i això només són quatre casutxes…
… de mort.
I un home tot sol no sempre se basta qui dubta avui en dia d’en Clint Eastwood I un home tot sol se tuda i se cansa qui dubta avui en dia d’en Clint Eastwood
I un home tot sol s’avesa i se cuida qui dubta avui en dia d’en Clint Eastwood I un home tot sol sopant a sa cuina qui dubta avui en dia d’en Clint Eastwood
Quién duda de Clint Eastwood mirando el Gran Cañón del Colorado, nubes estiradas y rojizas y el cielo se cuelga una estrella y se hace de noche. Y Clint, sólo iluminado por su fogata se enciende el purito y guarda un secreto, y guisa un conejito en la lata. Se duerme, sueña trenes y mercancía, con indios Cheyennes sobre una colina a la luz de la luna. Se desvela, se levanta, orina y no tiene sueño y piensa… ha quedado de western, cabrones, ¡ya veréis cuando inventen el cine! Es pura pereza y echa a andar por la carretera hacia Denver.
Y un hombre solitario no siempre se basta quién duda hoy en día de Clint Eastwood. Y un hombre solitario se apaga y se cansa quién duda hoy en día de Clint Eastwood.
Llega, dos hombres se le acercan y le investigan. Quieren saber dónde está Morgan Freeman que es el negro de Million Dollar Baby. ¿Lo sabes? Quizás. Disimula, les mira, desenfunda como un rayo y los liquida. Escupe y se caga en su vida. Siempre en el punto de mira del Séptimo de Caballería, o de gringos forajidos, o de sheriffs corruptos en casas de putas, o de chinos drogradictos en Gran Torino, y Clint, ¿qué quieres? Aún estás en el siglo diecinueve. Hace un año que no te duchas, y esto solo son cuatro casuchas…
… de muerte.
Y un hombre solitario no siempre se basta quién duda hoy en día de Clint Eastwood. Y un hombre solitario se apaga y se cansa quién duda hoy en día de Clint Eastwood.
Y un hombre solitario se acostumbra y se cuida quién duda hoy en día de Clint Eastwood. Y un hombre solitario cenando en su cocina quién duda hoy en día de Clint Eastwood.
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Cuando partes del mundo se desangran en guerras, destrucción y muerte… cuando la naturaleza humana sigue siendo prisionera de fanatismos, odios, mezquindad, avaricia o egoísmo… cuando el maldito capitalismo globalizado, consumista e insostenible sigue obsesionado con los mantras de la riqueza, el beneficio económico, el progreso y el crecimiento, mientras sus costuras van reventando por todos lados… esta gran banda nos habla entre otras cosas del talento para la ciencia de algunas naciones, de batiscafos diminutos, del canto de las ballenas —desde luego no es una observación irónica, sino un elogio a la belleza— o de vaqueros solitarios de mal carácter y gatillo fácil.
Tal y como mencioné al principio, poesía y música se dan la mano.
Creo que lo he hecho en contadísimas ocasiones en este blog: el repetir aquí cualquier tema o pieza que haya sido protagonista central de una entrada anterior. Y normalmente ha sido aportando variaciones significativas: en estudio versus en directo, alguna versión en manos ajenas…
Pero ayer pensé en ella y en su magistral interpretación, y decidí que las haría protagonistas de nuevo. Me apetecía recordar y visionar de nuevo esta electrizante actuación y alucinar de nuevo. Flipar, maravillarme, quedarme boquiabierto. Y así ha sido: la emoción ha vuelto a encenderse dentro de mí.
En el 2021 escribí una extensa entrada sobre Khatia Buniatishvili, pianista nacida en Batumi (Georgia, una de las antiguas Repúblicas Socialistas Soviéticas) y considerada una de las mejores intérpretes de piano clásico a nivel mundial. Se habla en dicha entrada de los inicios de su carrera y de los compositores que más le han llamado la atención y de cuya obra ha dado conciertos y grabado discos: Liszt, Chopin, Beethoven, Schubert, Rachmáninov, el propio Prokófiev…
En dicha entrada también escribía mis propias reflexiones y puntos de vista sobre un aspecto de dicha pianista sobre el que la prensa ha disertado: su innegable sensualidad y su gran belleza física, armas que ella utiliza sin disimular para seducir aún más al público. Pero este atractivo sería un mero aspecto anecdótico y sin valor si realmente no tuviera un enorme talento interpretando…
Hice el interesante ejercicio de comparación estilística de incluir en dicha entrada la misma Sonata interpretada por uno de los monstruos del piano en música clásica: Maurizio Pollini. La interpretación, a mi juicio mucho más comedida de este Precipitato por parte del italiano, pone aún más de manifiesto la forma absolutamente pasional y torrencial con que la aborda la pianista georgiana. Los adjetivos, como tantas veces, se me quedan cortos: apabullante, sensacional, magistral, memorable… Aquí la tenemos, con su vestido rojo y su maravillosa media melena indomable…
Y por si esto te ha parecido poco, aquí tenemos esta Sonata para piano n.º 7 entera interpretada por la pianista.
A Whiter Shade of Pale es sin duda el tema por el que más se conoce —con abismal diferencia— a la banda británica Procol Harum. Un tema bellísimo e inmortal que excede en fama a la de sus propios creadores. Procol Harum, un grupo realmente emblemático y singular…
«El sonido de este LP se sitúa entre el pop beat, el soul, el R&B, la psicodelia y el rock sinfónico. Se trata de un trabajo de obligada escucha para todos los amantes del órgano Hammond, de las buenas melodías y para quienes deseen investigar sobre los orígenes del rock progresivo».
(La Guitarra de las Musas)
Estas observaciones se refieren al álbum con el que debutó la banda, Procol Harum (1967). Connotaciones adicionales pueden extraerse de la Wikipedia: también se perciben trazas de blues e influencias tanto de la música barroca como de la música clásica en general. ¡Dios mío, vaya mezcla! Como buena prueba de ello tenemos el detalle, ya conocido por muchos aficionados, de que la línea de órgano de este gran éxito se inspiró en la bellísima Suite Air de Johann Sebastian Bach. Para ser más concisos se trata de la Air for G String, que es un arreglo musical hecho por el violinista August Wilhelmj del segundo movimiento de la Suite orquestal n.º 3 en re mayor, BWV 1068 de Bach.
Lo singular es que, según nos cuenta también La Guitarra de las Musas, la canción «fue publicada como sencillo en 1967 y, al menos inicialmente, no fue incluida en el mencionado álbum, aunque sí en la edición estadounidense y en posteriores reediciones».
Independientemente de este curioso hecho, el tema fue un éxito rotundo al instante. Volvamos a la Wikipedia: lanzado como single el 12 de mayo de 1967, alcanzó el número 1 de la lista de singles británica el 8 de junio y permaneció allí seis semanas. Sin demasiada promoción, escaló hasta el puesto número 5 de las listas estadounidenses. Es uno de los singles con mayor éxito comercial de toda la historia, habiéndose vendido más de diez millones de copias del mismo.
Este detalle me ha encantado. Esto, chicos y chicas, es hermoso y emocionante, porque es historia de la música —¡y qué historia, con mayúsculas!—:
«Jim Irvin of Mojo said that its arrival at number 1 on 8 June 1967, on the same day that the Beatles’ Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band topped the national albums chart, marked the start of the Summer of Love in Britain».
El tema fue compuesto en su parte musical por Gary Brooker y Matthew Fisher, mientras que la letra corrió a cargo de Keith Reid.
La banda tuvo dos períodos de actividad: de 1967 a 1977 y de 1991 a 2022. En esa segunda etapa publicaron tres discos. Ya en la década del 2000, retomaron una limitada agenda de conciertos en el 2005. En los dos años siguientes actuaron en países como Italia, Dinamarca, Noruega o Suecia. Justamente de esa época es la maravillosa interpretación que descubrí un buen día y que es la razón que me ha llevado a escribir esta entrada. En agosto del 2006 dieron dos conciertos al aire libre con la Danish Radio Orchestra en el Castillo de Ledreborg, en Dinamarca. El escenario es incomparable y la introducción y los arreglos sinfónicos de dicha orquesta son fantásticos. Aquí les tenemos:
Gary Brooker, el cantante y pianista, falleció el 19 de febrero del 2022. Fue el único miembro, original y fundador de la banda, que permaneció activo desde el principio hasta el final. Después de su muerte Procol Harum se disolvieron definitivamente.
¿Qué puedo decir de esta maravillosa canción? Que forma parte de mi vida. Vaya esta entrada como homenaje a esta gran banda y como recuerdo a Brooker.
También recuerdo perfectamente a mi madre, hablándome de y tarareando Con su blanca palidez. De todos estos acontecimientos, de todas estas personas puedo decir que «las llevo dentro, hasta la raíz».
El Carnaval es uno de los temas contenido en el último trabajo de Andrea Motis, Febrero. Se trata de una excelente versión donde se mezclan y funden la música brasileña y los arreglos jazzísticos. Decir «música brasileña» quizá suena a poco, porque personalmente este tema me trae aromas de muchas otras cosas: aromas tropicales, batucada y samba; folclore latinoamericano; música clásica incluso, con una cierta cadencia que me ha recordado por instantes el Bolero de Ravel. Motis está acompañada, como en el resto del disco, por la Camerata Papageno y el violinista Christoph Mallinger.
El Carnaval es un tema compuesto por Horacio Salinas, miembro del mítico grupo chileno Inti-Illimani (nombre compuesto del término quechua inti, ‘Sol’, y la palabra aimara Illimani, ‘águila dorada’, nombre de la montaña cercana a La Paz, Bolivia). Este grupo, formado en 1967, compone e interpreta temas que se adscriben a estos géneros: folclore latinoamericano, folk, fusión latinoamericana, música andina, Nueva Canción Chilena —justamente un movimiento musical se denomina de tal manera, siendo otro componente el grupo Quilapayún—, canción protesta, world music. Salinas ingresó en el grupo en octubre de 1967, y aunque no es de hecho uno de los fundadores, acabaría siendo el director del conjunto durante la mayor parte de su existencia.
Existe otra versión, en lo que parece ser una fusión de distintos temas, que está incluida en el disco FRAGMENTS OF A DREAM, donde intervienen Inti-Illimani junto a los músicos John Williams y Paco Peña. Excelente. Otro día aparecerá por aquí.
Y para acompañar, ahí van cuatro magníficas fotografías, muy carnavalescas, realizadas por Zhizhikina Galina…
Uau. Qué absoluta gozada de tema, qué maravilla. Cuántos recuerdos me trae de aquellos años de juventud en que escuché la canción innumerables veces en las emisoras de FM. El grupo The Crusaders —del que tristemente tengo que reconocer que no sé si conozco alguna canción más— practicaban una fascinante mezcla de jazz con muchos otros estilos, es decir: jazz fusion, urban R&B, R&B-based jazz, blues, soul jazz, funk…
En 1979 salía el disco justamente titulado Street Life que contenía este tema y que supuso el punto álgido de la banda en cuanto a popularidad. Nos cuenta la wikipedia que la canción entró en las listas de temas pop y también soul, y que alcanzó el número 5 en el UK Singles Chart. Incluso escaló puestos en las listas de música disco. También se nos dice que se incluyó en la película dramática de crímenes Sharky’s Machine de Burt Reynolds (1981) y que apareció con una versión más acelerada en el film Jackie Brown de Quentin Tarantino (1997).
Maravilloso el tema en todos sus elementos y su sonido: la instrumentación, muy cercana al jazz pero mezclada con funk y R&B, la melodía y cómo no la sensual voz de Randy Crawford, que todavía eleva más el listón a partes iguales en cuanto a belleza y calidad.
La versión de estudio incluida en el álbum, mucho más extensa…
El fragmento de la película de Tarantino en que aparece. Realmente es curioso…
Hester Chambers y Rhian Teasdale forman el dúo de indie rock Wet Leg
Hacia el mes de abril del 2022 —aunque la cosa venía cociéndose lentamente desde hacía un tiempo—, el dúo Wet Leg se había convertido en el grupo de moda en Reino Unido. Fue el día 8 de ese mes cuando se publicó su álbum de debut…
… que se encaramó al número uno de las listas tanto británicas como irlandesas. En la 65 edición de los premios Grammy celebrada en el 2023 cosechó dos distinciones —Best Alternative Music Album y Best Alternative Music Performance por el tema Chaise Longue— y también se llevó dos premios —Best New Artist y Best British Group— en la edición del 2023 de los Brit Awards. No está nada mal en conjunto tratándose de un debut.
Sin duda alguna, buena parte de la culpa de todo esto la tuvo el single de lanzamiento del disco: Chaise Longue salía al mercado en junio del 2021 y acumulaba en poquísimo tiempo millones de escuchas en streaming y de visionados de su vídeo. Incluso Iggy Pop hacía un comentario valorando positivamente la canción: «Podrías pedirle a 100 personas que la cantaran y no sonaría igual». Tengo la impresión personal —y veo que algunos medios opinan igual— de que la forma tan peculiar en que canta Rhian Teasdale es uno de los aciertos del tema; no lo hace de forma nada melódica, sino casi como un recitado, lo cual me ha recordado un adjetivo en inglés que se utiliza en casos como éste: deadpan, que significa «inexpresivo», pero también denota «humor socarrón»… y ambas cosas cuadran aquí perfectamente. Y el otro punto fuerte del tema es, qué duda cabe, ese riff de guitarra gamberro y pegadizo, que bebe a mi entender del mejor punk rock y sonido post punk.
En septiembre del 2021 salía el segundo single, Wet Dream, que también fue un éxito rotundo, y a partir de ahí se desató «la locura», como coloquialmente se dice. Aparecieron en octubre de ese mismo año en el programa de la BBC Later… with Jools Holland, empezaron a sonar a todas horas en las emisoras británicas de música alternativa, a ser entrevistadas por todos los medios —incluyendo los estadounidenses— y a recibir el elogio casi unánime de la crítica, especialmente una vez lanzado el álbum, llamado a estar entre lo mejor del 2022. A continuación gira por Reino Unido y después por Australia y Nueva Zelanda. Promoción por todo el continente europeo y participación en varios festivales importantes. Y así, como tantas otras veces, es como mi radar se ha fijado en ellas, ganándose un merecido aplauso.
Incluso los medios que no han escrito de forma tan entusiasta sobre ellas y su álbum de debut les han dedicado extensas reseñas para intentar «desinflar un poco el bluff», por decirlo así. Pero como bien dice una interesante reseña de su disco en el medio Jenesaispop, «¿será necesario escribir cientos, miles de palabras sobre un álbum de 36 minutos que ellas mismas consideran sin pretensiones? ¿No supone un enorme ‘ladran, luego cabalgamos’?».
Y al parecer es tal como ambas han explicado repetidamente a los medios: Rhian Teasdale (voz principal y guitarra rítmica) y Hester Chambers (guitarra principal y voces de apoyo) no tenían intención alguna de lanzar ningún mensaje profundo al confeccionar su disco, ni de dotarlo de carga política o crítica social. Tan solo de divertirse. Pero la verdad es que, al hablar en sus letras de sus propias vidas y dinámicas, indirectamente sí que lanzan al menos una visión de la sociedad en la que viven, tal como señala acertadamente dicha reseña en Jenesaispop. Rescato de dicha crónica algunas de las observaciones más relevantes:
«Parece evidente que hay un mensaje contra la masculinidad y el amor tóxicos en estas composiciones»; «encontramos un claro descontento generacional en unas canciones que hablan de falta de apetito y de insomnio»; «el consumo de alcohol como forma de evasión es una constante en sus letras» (‘dame otra bebida, no quiero tener que pensar’); «me gusta pensar que están siendo irónicas y que es un disco feminista», dice quien firma la crónica. Al respecto, en una entrevista concedida al mismo medio, dice Rhian: «Claro que tenemos un ángulo feminista, somos mujeres y por supuesto somos feministas, por cómo nos hemos criado y las personas que nos han rodeado». Hablan de una forma divertida de los problemas del mundo. Dice Rhian sobre esto: «Creo que es muy fácil sentirse desencantado en estos momentos. Las redes, las aplicaciones de conocer gente dan muchísimo miedo. También estar en los veintitantos, casi en los 30, cuando tus amigos empiezan a casarse y tener hijos». Les preocupa rondar ya la treintena de edad. Hester: «Tener nuestra edad en la industria puede ser un problema, porque se idolatra la juventud, sobre todo para las mujeres, que tienen que parecer jóvenes para siempre».
Ambas se han criado en la Isla de Wight, aunque nacieron en localidades inglesas de la más grande de las islas, Gran Bretaña. Se conocieron a los 17 años cuando estudiaban en el Platform One College of Music de la Isla de Wight, y tras diez años de amistad decidieron crear la banda, en el 2019. Y lo hicieron de una forma bastante pintoresca: ambas habían asistido a un festival musical llamado End of the Road Festival y allí, ya tarde por la noche y subidas en una noria, forjaron el proyecto. Al principio no tenían demasiado tiempo para este propósito, ya que se mantenían ocupadas con sus respectivos trabajos: Teasdale trabajaba como asistente de vestuario en Londres y Chambers para el negocio familiar de joyería en la Isla de Wight. Se reunían cuando podían y compusieron Chaise Longue una Navidad. ‘Nos quedábamos despiertas hasta tarde viendo películas y yo dormía en casa de Hester en su chaise longue’. La banda grabó la canción, a la que llamaron Chaise Longue, y al día siguiente la volvieron a escuchar. ‘Simplemente nos reímos, casi nos reímos’, cuenta Rhian en una entrevista en The Standard. Después llegó la pandemia y Rhian regresó a la isla, donde ‘pudimos usar nuestra banda como una forma de distraernos de todo lo que estaba pasando’.
El nombre del grupo lo escogieron con un juego aleatorio usando un teclado de emojis. Aunque wet leg significa otra cosa en el argot de la Isla de Wight: se refiere a los no nativos, a los que viven al otro lado del agua y llegan cruzando el Estrecho de Solent.
Hablemos finalmente de la personalidad musical e imagen de la banda. Son indudablemente muy divertidas y en los vídeos queda plena constancia de ello. Transmiten buen rollo, sentido del humor y un aire desenfadado e irreverente. Sus letras también se contagian de este espíritu, mezclando el humor con alusiones e insinuaciones de marcado carácter sexual, las más de las veces para mofarse del macho de turno que se excede en sus pretensiones o en su prepotencia. Por ejemplo…
What makes you think you’re good enough
To think about me when you’re touching yourself?
Touching yourself
Touching your, touching yourself
Touching yourself
«¿Qué te hace pensar que eres lo suficientemente bueno como para tocarte pensando en mí? / Mientras te tocas / Mientras te tocas» (en Wet Dream).
Algunos versos son mucho más subidos de tono y agresivos y no voy a citarlos aquí. La propia letra de Chaise Longue está plagada de humor y también contiene una insinuación sexual:
Is your muffin buttered?
Would you like us to assign someone to butter your muffin?
(¿Tu bizcochito [o panecillo] tiene mantequilla? / ¿Te gustaría que asignemos a alguien que le ponga mantequilla a tu bizcochito?)
[…]
Hey you, over there
On the chaise longue in your underwear
What are you doing sitting down?
You should be horizontal now
Oye tú, por ahí
En la chaise longue en ropa interior
¿Qué haces ahí sentado?
Deberías estar [en] horizontal ahora
[…]
Hey you, in the front row
Are you coming backstage after the show?
Because I’ve got a chaise longue in my dressing room
And a pack of warm beer that we can consume
Oye tú, en primera fila
¿Vas a venir a los bastidores después del show?
Porque tengo una chaise longue en mi vestidor
Y un pack de cerveza caliente que podemos consumir
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Finalmente señalar que una chaise longue —también cheslón— es un tipo de sofá muy particular. Chaise longue evidentemente proviene del francés y significa literalmente «silla larga». Sin ser un entendido en el tema, me imagino que antiguamente existía un tipo de sofá más clásico, alargado y con forma de silla, con una prolongación lo bastante extensa como para poder estirar las piernas en posición reclinada. Los diseños que podemos encontrar son muy bonitos…
Y muchos otros similares. Son preciosos (entran ganas de comprarse uno 😀). Y este diseño ha derivado hacia un sofá más moderno y funcional, del que se nos dice: «en la actualidad llamamos Chaise Longue a un sofá de 2 o 3 plazas junto a un módulo de una plaza con un fondo extra donde podremos tumbar el cuerpo por completo».
Otro elemento a destacar, si uno presta atención, es la línea del bajo: muy robusta y desde el mismo inicio dando consistencia a todo el tema. Levantémonos de la chaise longue y a mover el esqueleto…
Aquí suenan tremendamente bien y queda claro que es un tema perfecto para el directo…
Aquí en el festival de Coachella. Se lo pasan en grande sobre el escenario y el cachondeo con el excuse me (what?) es máximo. Lógico, porque es un momento muy divertido del tema…
Wet Dream es un tema de corte mucho más pop que me recuerda muchísimo a una banda también muy divertida y festiva: The B-52’s. Mucho cuidado con las langostas y los pellizcos.
Finalmente un tercer tema donde se reafirma, por si quedaban dudas, lo divertidas que son en sus vídeos. Bonitos paisajes de lo que se supone que es la Isla de Wight…
Gnarls Barkley es un dúo estadounidense de soul, originario de la ciudad de Atlanta (Georgia), formado por CeeLo Green (cantante y compositor) y Danger Mouse (productor). Publicaron su álbum de debut en el 2006, titulado St. Elsewhere. Este disco contenía el single Crazy, que fue un gran éxito internacional. Alcanzó el número dos en las listas estadounidenses y el número uno en las británicas, canadienses, irlandesas y en algunos países más. Certificado platino por vender más de un millón de copias, nos dice también la wikipedia que…
«The song won a Grammy Award for Best Urban/Alternative Performance in 2007 and was also nominated for Record of the Year».
Un tema con mucha marcha y pletórico de energía. Muy bueno. Ha aparecido en distintas series televisivas, en algunas películas —incluso en un musical—, ha sido utilizado en anuncios publicitarios y ha sido objeto de varias versiones. Aquí lo tenemos…
A decir verdad hay una razón por la que esta canción ha empezado a revolotear difusamente en mi cabeza: porque Andrea Motis y Joan Chamorro, junto a su Cuarteto, hacen una más que interesante y peculiar versión. Y… ¿qué ha ocurrido? Que no conseguía ubicar mentalmente el tema original ni el nombre del intérprete. Tan solo «me sonaba», nunca mejor dicho. El único Crazy que me venía a la mente es el magnífico tema que el cantante Seal sacó en su día, en un formidable LP que venero absolutamente. Pero claro, los dos Crazy no tienen nada que ver en absoluto el uno con el otro. Aquí está esa versión…
"Sodade sodade
Sodade
Dess nha terra Sao Nicolau”.
En TARAREANDO…The Steepwater Band: Shake Your Faith
En La Guitarra de las Musas…The White Buffalo: The Whistler
"Si tú eres el que reparte las cartas, estoy fuera del juego.
Si tú eres el que sana, eso significa que estoy roto y cojo”.
En River of Country…The Highwaymen: Michael (Row the Boat Ashore)
“La txalaparta es el eco de un silencio y de una quietud: La soledad del valle repentinamente calada por el galope del caballo golpeando el suelo con sus cuatro patas, como dos txalapartaris tocando cada uno la madera con sus dos palos. La verticalidad golpeando la horizontalidad, el movimiento recorriendo la inmovilidad”.
Crystal Fighters
«Cantaba y tocaba bastante mal pero la cara que ponía, de mucha concentración y ojos entrecerrados, correspondía a la de un virtuoso entregado a su arte. Si le quitabas el sonido era muy buen músico”.
(Evavill)
Lluís Llach “revolucionaba al público con la mirada”.
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