Hamilton Leithauser ft. Angel Olsen: Heartstruck (Wild Hunger)

Desde luego que el tiempo vuela. “Hace pocos días”…y en realidad ya ha pasado más de un mes, escribí sobre Hamilton Leithauser y repasábamos aquí tres de las mejores canciones de su último disco, I Had a Dream That You Were Mine: A 1000 Times, 1959 y The Morning Stars. Un trabajo que aparece por merecimientos propios en casi todas las recopilaciones de los mejores discos del año pasado.

Y sin duda hay otras cuantas buenas canciones en ese trabajo escrito e interpretado a medias con el que fuera multiinstrumentista y productor de Vampire Weekend, Rostam Batmanglij.angel2020hamiltonTambién aparecía en este blog, ahora hace justo un año, una cantautora con una voz y un talento muy especiales: Angel Olsen. Esta songwriter, criada en Missouri pero establecida en Carolina del Norte, facturaba también un LP mayúsculo el pasado año y se colaba en ese top ten en casi todos los repasos, por no decir en el primer o segundo puesto. Hablamos de su tercer disco, My Woman, que a su vez contiene una de las mejores canciones del 2016: Shut Up Kiss Me.

Pues ahora han juntado voces y talentos Hamilton LeithauserAngel Olsen. Han colaborado en una canción, tal como recogen diversos medios musicales este pasado día 12. El tema se titula Heartstruck (Wild Hunger) y desde luego conecta con ese trabajo colaborativo con Rostam. Leithauser nos introduce con su peculiar voz y estilo en una canción con evidentes aires vintage, pop con muchas reminiscencias de los 60, en esa peculiar revisitación que hace de sonidos y épocas que ya son clásicos…hamiltonangel-920x584En el tema se hace muy patente la orquestación, el carácter de pop barroco y la presencia del piano. Tanto es así que algo se ha activado en mi interior, y te invito a que pruebes si te sucede lo mismo. Voy a desvelarlo, aunque con ello estropearé esta pequeña incógnita: Esos aires retro, esa melodía, y sobre todo ese ritmo y ese golpear del piano…¿por qué será que me han evocado tanto el inmortal Only You de The Platters?

Leithauser explica, tal como recoge una crónica en El Quinto Beatle, que tiene bastante material para ir publicando progresivamente, y que necesitaba una voz feroz en este tema, para dar buena cuenta de la pasión que encierra: Por estas razones en la primera que pensó fue en Angel Olsen

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Porches: Country / Car / Be Apart / Underwater

Se sigue haciendo buen pop, muy buen pop, incluso en tiempos tan revueltos y tan actuales como el 2016 o el 2017. No hace falta retroceder hasta ninguna época dorada, como podrían ser los 80. Quizá sí tendríamos que cribar para descartar toneladas de música mediocre o mala, o quizá elementos o variantes muy respetables pero que pueden no ser del gusto de todo el mundo: Pop demasiado comercial, pop demasiado baladístico/azucarado/sentimentaloide, el uso y abuso de sintetizadores y tecnología, lo que se escora hacia o entra de lleno en la electrónica…¿Pop lo que se entiende…clásico? Aquí tenemos un buen ejemplo, aunque es cierto que con bastante componente electrónico.porchesvideo-leadSe trata del grupo Porches, y me han llamado poderosamente la atención con una notable y hermosa balada, titulada Country. Pero la cosa no se ha quedado ahí. Investigando y tirando del hilo, me engancha su sonido y las buenas canciones que facturan.

Porches es el nombre de una banda que en realidad es el proyecto musical del cantante Aaron Mine, con base en Nueva York. Nace el grupo en el 2010 en la localidad de Pleasantville, en el estado neoyorquino. Mine, después de varios proyectos con diferentes nombres, editó “el álbum Scrap and Love Songs Revisited, una obra cruda y de ambientación acústica que sólo se puede escuchar en Bandcamp y que ya anticipaba su interés por la creación de deprimentes atmósferas lo-fi”, nos cuenta la web indiespot.es.

En el 2013 debuta ya con el nombre de Porches y habiendo fichado por el sello Domino, con el disco Slow Dance in the Cosmos, donde se mezclan diversos géneros: el rock alternativo, el folk experimental, el synth-pop y la psicodelia.

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Aaron Mine

Pero podemos considerar fundamentalmente a Porches como un grupo de synth-pop, sobre todo a partir de su segundo álbum. Pool aparece en febrero del 2016, uno de los debuts destacados del año pasado. Así que aquí me encuentro escribiendo sobre un grupo al que no conocía y un disco notable del 2016 que se me escapó -maldita sea-. Y decimos synth-pop porque la banda se acerca definitiva y claramente a la electrónica y al sonido de sintetizadores. Eso sí, no se pierde la gran característica que es clave: Mine construye unas brillantes melodías de lo que podemos considerar un pop melancólico, pop deprimente, o usando la expresión inglesa -novedad también hoy- bummer pop, “pop de bajón”, o también sad rock he visto por ahí.porches-2Pese a ese giro orientado hacia los terrenos digitales, las canciones de Porches no pierden ese encanto melancólico, ese halo de tristeza, intimidad y cierta introspección. En Pool sigue habiendo instrumentaciones analógicas como el bajo o la batería, pero todo ello se envuelve en sintetizadores, efectos, ritmos y mucho de lo que se conoce como autotune (autoarmonías). Pool se grabó en el apartamento de Nueva York que Mine comparte con su novia, Greta Kline. Kline toca el bajo y hace coros en algunos de los temas, además de que capitanea un proyecto paralelo llamado Frankie Cosmos.porches8jHay otras dos características del álbum Pool: El disco tiene como hilo conductor el agua, por diversos motivos, hasta el punto que algunas críticas dicen que Pool sounds like it was recorded entirely underwater”, por la sensación de confinamiento, y la segunda de ellas es que la docena de canciones son muy cortas, apenas rondan los tres minutos.

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Aaron Mine y Greta Kline. Ella formó parte del grupo pero lo abandonó

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La actual formación: Kevin Farrant (guitarra), Cameron Wisch (batería), Aaron Mine (voz, guitarra), Seiya Jewell (teclados) y Maya Laner, la chica rubia, al bajo y los teclados

Y he aquí que Porches tienen novedad musical, que es la canción que me ha llamado la atención: El single Country, donde se describe una escena íntima de pareja. El tema se llama así porque es una escena “blanda y tonta como una canción de country”. Una hermosa balada que empieza con la voz y va creciendo. Autoarmonías, un órgano que al final toma el protagonismo y unos magníficos coros. Canción algo hipnótica que nos deja cierta inquietud flotante…

Por supuesto, la curiosidad hizo que me lanzara a por los temas de Pool. Y ésta es la canción que me atrapó totalmente. Podrá parecer una melodía de lo más simplona, incluso un poco tonta, pero a mi parecer en Car han logrado una sonoridad magnífica, suena a pop cristalino pero no renuncian al rasgueo furioso de guitarras. Bravo. En mis coordenadas musicales me suenan a medio camino, por ejemplo, de un grupo que me gusta bastante, Metronomy (si no los conoces deberías ya hacer los deberes con su inconmensurable The Look), y de otra formación muy interesante, los escoceses Chvrches (formados en el 2011 y con la cantante Lauren Mayberry al frente). También lejanas trazas de los China Crisis

Aquí podemos verles en directo, donde suenan igual de bien. En el Pitchfork Music Festival de Chicago…

Otra gran canción. Gran sonido y melodía con aires tristes que puede enganchar…

Para cerrar la entrada, otro tema que me ha llamado bastante la atención. Gran línea de teclados pero también interesante melodía vocal. Aquí queda muy patente lo de “pop melancólico”. Además se apoya en un gran vídeo, confeccionado a partir de la película The Swimmer (1968). El bello e inmortal Burt Lancaster, uno de mis actores preferidos de siempre. Ella es increíblemente guapa: Janet Landgard. ¿He dicho gran vídeo? No, maravilloso vídeo…

Underwater, en el mismo festival. Nunca dejarán de sorprenderme los descubrimientos. ¿Por qué? Porque Porches es un grupo excelente…

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The National: The System Only Dreams in Total Darkness / Day I Die (Live)

Hace bien poco que escribí sobre ellos, pero bien merece la pena repetir para poder ver y escuchar en directo al quinteto de Ohio. Matt Berninger y los suyos actúan en el programa de televisión Later… with Jools Holland de la BBC.

No es fácil trasladar al directo la impecable factura sonora del formidable The System Only Dreams in Total Darkness lograda en estudio, ese detalle con todos los instrumentos. Pero lo han logrado en un alto grado. Pese a que prefiero los coros de voces femeninas del estudio, aquí tenemos a The National demostrando por qué -en mi opinión- es una de las mejores bandas de todo el panorama rock. El fuste y la consistencia del tema quedan de manifiesto: En ese tejido a base de sintetizadores y ritmos, en ese nervio algo más acelerado que le imprimen, en ese riff de guitarra que se repite, en la ejecución vocal de Berninger más rabiosa, en ese solo de guitarra tan bueno -versión de estudio, para mí es un auténtico orgasmo-, incluso le añaden una pequeña sección de vientos. La canción resplandece y el grupo demuestra que ambos aguantan lo que les echen. Existen ya cortes de este tema en directo, de la gira que están dando en estos momentos. Sin embargo…

Day I Die es el segundo corte de su último trabajo. Otro temazo lleno de energía con unas guitarras impagables, riffs lacerantes, ritmo trepidante. Un grupazo como la copa de un pino, me cago en la leche…

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Beck: Up All Night / Dear Life

Novedades, novedades, novedades…y ésta es de las destacadas. Hoy 13 de octubre sale al mercado el nuevo álbum de Beck, titulado Colors. Un disco caracterizado por contener un pop muy asequible y disfrutable, perfectamente orientado a escalar puestos en los charts de forma notable. Buenas canciones en un trabajo cargado de energía, que algunas críticas comparan por diversos motivos a anteriores trabajos suyos, como Midnite Vultures (1999) o The Information (2006). Todos los álbumes de Beck ofrecen algo nuevo, particularidades y giros en su estilo, en un artista que no suele repetirse a sí mismo. Colors es una muestra más, después del introspectivo, pausado y grande, grandísimo Morning Phase (2014).beck20colors20artEn una entrevista a la revista Rolling Stone Beck explica que el disco podría haber salido hace un año o dos, pero que había algunas canciones complejas que requerían su tiempo. “It’s not retro and not modern”, así que conjuntar todas las piezas no era tarea fácil. “Upbeat pop”, “party mode” o “Beck’s most mainstream-palatable -apetitoso- record thus far -hasta ahora- son algunas de las consideraciones que pueden leerse. Un trabajo en el que el californiano vuelve “robusto y envalentonado”, con “temas cargados de energía y entusiasmo”. Beck se recuperó en este tiempo de una lesión de espalda y eso le produjo una enorme sensación de libertad. El disco está producido por el hitmaker Greg Kurstin, que ha trabajado por ejemplo con Sia o Adele.diajbqlxyaagc4cA falta de escuchar el álbum completo -los cortes ya están colgados en YouTube- podemos destacar algunas canciones. Por ejemplo la que sigue, con un entretenido vídeo. Increíbles esas fiestas universitarias con tanto desmadre, desfase, drogas, alcohol, gente muy ciega o totalmente K.O. Increíble esa heroína que llega al rescate…

Pero me quedo sin duda y de momento con esta grandísima canción, que gana con las escuchas. Pop con mayúsculas, con claras reminiscencias de los Beatles y con ese magnífico piano que insufla vida y optimismo al tema. Excelentes las partes de guitarra también. Beck ha vuelto, qué bien…

 

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Tove Lo: Disco Tits

Hace unos meses me llamó bastante la atención -a través de una crónica- un lanzamiento discográfico, un vídeo en especial…y una chica. Ella es la songwritwer y cantante sueca Tove Lo2016_tovelo_presstove-lotove-lo-true-disaster-vid-2016-billboard-1548Y las razones por las que me llamó la atención no fueron precisamente musicales…sino eróticas y vitales. Porque si algo hay que agradecerle a esta cantante sueca, aparte de su producción musical, es su forma desenfadada, abierta, transparente y natural de expresar, vivir y exteriorizar su feminidad, sus instintos y su sexualidad.

Tove Lo…curioso nombre, porque parece “love to” pero mal escrito (a propósito). Pero no, ése no es el origen de este nombre artístico. Ebba Tove Elsa Nilsson nació en 1987 en Estocolmo. Su madrina le puso el apodo de Tove Lo cuando la niña tenía 3 años, debido a la fascinación que la pequeña sentía por los linces (que en singular en sueco es lo).

En recientes entrevistas se ha referido a sí misma -por lo menos en teoría- como “openly bisexual”, declarando que “being open and owning my sexuality in both ways –with both men and women– I think that’s just never been a big deal -algo de excesiva importancia-.

Saltó a la fama con su primer disco, Queen of the Clouds, que entró directamente en el puesto 14 del Billboard 200 norteamericano, en el 2014. La crónica que leí y con la que la conocí se refería ya a su segundo álbum, Lady Wood, publicado el pasado año. En este título ya tenemos la primera pista de lo explícita que es en el terreno sexual. Según Lo, lady wood es una expresión que denota el equivalente femenino de una erección…

“It’s about reclaiming the female hard-on”

Lo explica en una entrevista al NY Magazine que algunos chicos, al oírla hablar de una forma franca y abierta de sexo, o al leer sus letras, pueden confundirse y dirigirse a ella de una forma irrespetuosa o tratándola como un objeto.tovelo-showerLa segunda pista sobre lo hot que puede resultar esta chica nos la da la portada del disco Lady Woodtove-lo-lady-wood-2Esos shorts, la posición de las manos y ese pulgar que nos indica que muy cerca se encuentra el epicentro del placer son todo ello elementos muy sugerentes. En realidad esta fotografía es todo un homenaje a la portada de otro disco… 91etw2b5xmsl-_sl1425_Pero lo que más me llamó la atención -y voy a ser tan claro y explícito como lo puede ser ella- no fue nada de lo hasta ahora comentado. Dicha crónica nos contaba que la cantante sueca había publicado un film, de poco más de 30 minutos, en el que se incluían varias de las canciones del disco. Y al final de dicho film, Tove Lo se masturba de forma visible y explícita. Viene a ser cuando ya aparecen los créditos…tove-lo-fairy-dust-750x350tove-lo-loving-herselfHay que decir, como bien se aprecia en las imágenes, que lo hace con las bragas puestas y que la cosa no pasa de un manoseo o tocamiento. Es erótico pero tampoco puede decirse que sea pura dinamita -o pornográfico, aunque esto puede variar según los criterios o sensibilidad de quien lo vea-.

Obviamente, ante ese panorama no pude resistirme a ver el vídeo. La curiosidad era enorme, y mi interés en todos los sentidos: Musical (¿?), artístico (¿?), cinematográfico, erótico y de mi parte hedonista y voyeur. ¿Y…? No, no me excité. ¿Pasó algo bajo mis pantalones? Mmmm…no, que yo recuerde (ja ja ja…).imageHay que decir, hablando totalmente en serio, que ese film, de título Fairy Dust, tiene su interés. Se nos cuenta la relación entre dos chicas, Tove y Lorna (encarnada por la actriz Lina Esco). Una tórrida y conflictiva relación, en la que se dan rienda suelta a placeres e instintos, pero también a impulsos autodestructivos y al lado oscuro. La historia nos muestra una aventura en la carretera, con moteles de desierto, garitos nocturnos, noches de fiesta, desenfreno y drogas, entre otras cosas. Así que da para bastante, aparte del episodio final con las bragas puestas. Fairy Dust llegó a ser retirada de YouTube durante unas horas, aunque después se repuso el vídeo.maxresdefaultscreen-shot-2016-10-17-at-5-15-56-pmtove-lo-fairy-dustAnte todos estos antecedentes, no debería extrañar que el nuevo lanzamiento de Tove Lo haya hecho que me lance de cabeza a ver de qué se trata. Y no me ha defraudado en absoluto. En su nuevo single, de título Disco Tits -nuevo álbum a la vista, BLUE LIPS-, o mejor dicho por supuesto en un nuevo vídeo, Lo mantiene una tórrida -de nuevo- relación con…un teleñeco…tl11110831293812En realidad todo empieza como una entrevista televisiva, en un espacio conducido por uno de estos célebres Muppets. Ella le dice algo muy insinuante y parece bastante claro que toda esa aventura solo discurre en la cabeza del muñeco. De nuevo una road movie, kilómetros de carretera, moteles, y los altibajos de toda relación, incluyendo momentos muy calentitos. De hecho en un momento dado el afortunado teleñeco se lo come a ella todo todito -aunque de nuevo, se muestra vestida-.

En fin, que el muñeco se lo pasa bomba. Y se supone que ella también, obviamente. Yo también me he divertido y me ha arrancado no pocas risas y sonrisas. Un vídeo muy simpático y gracioso, y una canción que realmente está muy bien, bastante pegadiza. Ay, el amor…no conoce de límites ni condiciones…

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Tom Petty and the Heartbreakers: Here Comes My Girl

Debo “confesar” que éste es el único disco que tengo de este señor…

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…físicamente hablando, porque lo tengo en vinilo. Hablamos de la / mi prehistoria, prácticamente, porque este excelente álbum se publicó en 1979. El típico síndrome del “quien mucho abarca poco aprieta”, del “moscardón que va de flor en flor” o del anárquico aficionado que surfea superficialmente sobre muchas discografías de artistas y grupos diversos. Damn the Torpedoes. Tercer disco de Tom Petty al frente de esa formación. Buen músico y gran rockero, un ilustre de la escena norteamericana de los que nunca ha asaltado el éxito de forma apabullante, pero sí provisto de una más que sólida reputación.

Bien, de ahí pego un salto hasta el formato digital y el álbum Mojo del 2010, que contiene otro puñado de buenas canciones.

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Y me quedo con una de esas canciones que se te adhieren al pabellón auditivo y a las neuronas, de las que te dejan huella. Siempre me acordaré de esta canción cuando me acuerde de él. Here Comes My Girl. Gran tema, sublime estribillo, con esos acordes de guitarra magníficos, luminosos. Una de esas noticias que uno nunca quisiera leer o escuchar. Una triste noticia…en estos días tristes.

 

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Natalie Hemby: Cairo, IL / Ferris Wheel / Return

El vocablo Puxico me sugirió al instante alguna extraña y curiosa mezcla de palabras, y me hizo pensar de inmediato en la banda estadounidense Calexico. La banda de Tucson, Arizona (Americana, Tex-Mex, indie rock y de hecho innumerables influencias estilísticas) porta un nombre que en realidad es la fusión de California y México. Lo que no sabía es que han tomado el nombre de una población fronteriza entre no hace falta decir qué países. La población de Calexico se encuentra en el californiano Imperial County, pero es que además hay otra población fronteriza cercana bautizada como Mexicali158px-imperial_county_california_incorporated_and_unincorporated_areas_calexico_highlighted_0609710-svgPero no. Puxico no es el extraño portmanteau entre por ejemplo “puma” y “México” o “Puerto Rico” y “México”. Pero sí que es el nombre de otra población, situada en Missouri y con 881 habitantes según el censo del 2010. Aunque denota otras cosas. Ronda de fotografías…libraryhyamerican-lotus-vergial-harp-usfwssign-700x467img_5219su281hchomecoming2013_wed_b_043nn519qcrfoqgl-_ss500

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Natalie Hemby

Puxico es el nombre del álbum de debut de Natalie Hemby. Aunque la cantante y songwriter Natalie Nicole Hemby Wrucke nació en 1977 en Nashville, parece que se crió en esta pequeña población de Missouri. Se trata de un disco lleno de nostalgia y de los buenos recuerdos que le dejó Puxico, población donde sí nació su abuelo George. Con él iba a pescar todos los veranos cuando acudía de nuevo a la población. La celebración anual del “Homecoming festival” era otro de los motivos.  maxresdefault2Curiosa la forma en que se gestaron estas canciones. Natalie Hemby es una artista que se ha tomado su carrera musical con mucha calma, paciencia, sapiencia y constancia, y enseguida se verá por qué. Baste apuntar esta frase sobre cómo ella se plantea la composición de canciones:

“It is like making bread, you have to let some of them [songs] sit and rise for a while.”

Natalie se puso a componer estos nueve temas del álbum para que sirvieran de acompañamiento a un documental que empezó a realizar sobre Puxico, hacia el 2010/11. Quería capturar y plasmar el ambiente y las raíces de esta pequeña comunidad. Estuvo acariciando esta idea durante mucho tiempo hasta que se decidió a hacerla realidad, cosa en la que empleó 5 años. Y cuando por fin salió el documental, muchas amistades le preguntaron cómo y dónde podían obtener las canciones que lo acompañaban. Así fue cómo acabó viendo la luz este álbum, el pasado 13 de enero. Es un documental que no solamente habla de esta población, sino de un hombre por el que siente un gran amor, su abuelo, y que ha jugado un papel crucial en su vida: Aquí podemos ver el emotivo tráiler.

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Pero ella ya empezó a escribir historias siendo una niña. Sus abuelos, del sur de Missouri, eran grandes contadores de historias, así como sus primos. Y a los 19 años firmó su primer contrato para poder publicar. Detalles como estos sobre su trayectoria o sus inclinaciones artísticas nos las cuenta en un par de interesantes entrevistas: En nashvillemusicbuzz.wordpress.com y en theboot.com (por supuestísimo, tiene que haber unas cuantas más).

“I had always wanted to be an artist, but I was trying to be an artist in [the late ’90s and early 2000s], a time where so many music formats were changing,” Hemby explica sobre su vocación. Pero decidió posponer cualquier proyecto y esperar… “At first it was very disheartening, but after a while… it was sort of like, ‘You know what? It’s time to let this go.’”

Hasta que se cruzó esta señorita en su camino…

Miranda Lambert

Mike Wrucke es el marido de Hemby y también el productor de su álbum de debut. Wrucke estaba trabajando con Miranda Lambert y ésta le pidió a Hemby que la ayudara en su nuevo disco. En poco tiempo y con bastante fluidez y facilidad ambas co-escribieron las canciones White Liar y Only Prettier para el álbum de Lambert del 2009, Revolution. Y ahí todo empezó a cambiar.

Podría haber abordado todo esto de otra manera y empezar diciendo que Hemby es una veterana de la música country con casi diez años de experiencia a sus espaldas que la avalan. No hubiera estado nada mal soltar de entrada que Hemby ha escrito o co-escrito 5 números uno en las listas de Billboard: Las dos mencionadas para Lambert además de Pontoon y Tornado para Little Big Town y Drinks After Work para Toby Keith. También la premiada Automatic de Miranda Lambert. Es un caso bastante similar al de la cantante y songwriter Sia y muchos otros artistas, autores de éxitos que interpretan otros.a-1427421-1355686925-1786-jpegA partir de ahí las cosas se precipitaron en ese sentido. Hemby ha escrito canciones para Carrie Underwood, Lady Antebellum, Keith Urban, Eli Young Band, Kacey Musgraves, Blake Shelton o también un corte para el álbum Hero de Maren Morris. Impresionante, porque en realidad hay mucho más.

A la vista de todo esto, algunos amigos suyos, entre ellos la propia Maren Morris o Brandy Clark le animaron a editar su propio álbum con sus canciones.

Puxico, un disco nostálgico, introspectivo y con letras evocadoras, que desafía las clasificaciones y los clichés del country. Se perciben influencias del gospel pero también del rock.1488296550227-natalie-hemby-2Ahora tiene 40 años. Le costó dos décadas parir ese álbum propio de debut. Pero lo hizo.

Una muy hermosa y relajante voz, el acompañamiento de esa guitarra y unas melodías sencillas pero ciertamente bellas y que captan la atención e invitan a repetir. Sí señor, me ha convencido Natalie Hemby con su excelente álbum de debut. Un sonido muy limpio…

La canción que realmente más bella me parece es la que viene. Hace que el adjetivo “luminoso” me venga a la mente como el más adecuado para definir su música. Gran tema donde brillan con luz propia los arreglos a la pedal steel guitar de Greg Leisz. Ferris Wheel significa “noria” en inglés, y obviamente evoca los recuerdos y sensaciones de subirse a tal atracción (existente en el pueblo, protagonista de su portada)…

While you’re waiting at the bottom dreaming of the top
Sometimes you want on it, sometimes you want off
I could stand there watching but I never know it feels
Riding high on a Ferris wheel

Para despedirnos, aquí tenemos Return

 

 

 

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Morrissey: Spent the Day in Bed

La pura verdad es que no soy de esos aficionados a la música que siguen la más rabiosa actualidad, al tanto siempre de los nuevos lanzamientos discográficos, sean singles o LP’s. Pese a tener enlazados en la parte superior del blog una nada desdeñable cantidad de excelentes webs musicales -y blogs- me faltan el tiempo y la disciplina para visitarlos con más frecuencia. Así que hasta podría dar esa impresión -de estar muy al día- pero no es así. Hago siempre esos repasos del año recién concluido, busco y escucho esos discos…así que la extraña y graciosa situación es que sigo la actualidad musical…¡¡¡con un año de retraso!!!gettyimages-666734592En parte soy del parecer de que ya una larga serie de medios se encargan de traernos las novedades, así que…Pero venga, intentaré subsanar algo esta faceta. Y qué mejor protagonista que Morrissey con su single de regreso, sacado a mediados de septiembre a través de Spotify y otras plataformas digitales.

Spent the Day in Bed es el título de la canción. A mi parecer, una buena canción, pero está claro que no todo el mundo opinará lo mismo. Las valoraciones pueden ir y van desde “excelente”, “magnífica”, “buenísima” hasta “un truño” (jajaja…). ¿Que podría haber sacado una mejor canción, más inspirada, indiscutiblemente demoledora o más brillante? Sí, sin duda que sí. ¿Que podrá resultarles a algunos incluso decepcionante? También. Pero sigo pensando que es una razonablemente buena canción. Tiene su gancho y su gracia, y por supuesto su arte.

Raúl Guillén, de la web jenesaispop.com, opina que ese teclado u órgano tan juguetón y saltarín con que se abre el tema recuerda poderosamente el comienzo del ‘Golden Brown‘ de The Stranglers (pedazo de canción, sí señor): Y estoy totalmente de acuerdo en ese apunte.

Mireia Pería, del mismo medio, habla de “estado de gracia pop”, “gracia fina, sutil y burbujeante” y de “esa manera de entonar tan silábica “Spent-the-day-in-bed”, esa melodía…¡y esa letra!”. Coincido también con ella, especialmente en esa entonación marcando ciertamente las sílabas.morrissey-press-shot-photo-credit-sam-rayner-1000-920x584Tanto el propio hecho de reaparecer como esa melodía bastante pegadiza son muy de agradecer, porque la sensación que me producen es la de revivir tantos momentos y recuerdos asociados a grandes trabajos de este señor. Ya no solamente con su ex-grupo, sino muy especialmente con el gran Viva Hate, su debut en solitario.

La letra también es otro punto fuerte del tema. Habla de quedarse en la cama todo el día, de no dejarse involucrar por la actualidad y las noticias, asuntos bastante deprimentes, duros y alienantes las más de las veces. En parte una oda a la pereza y en parte un alegato reivindicativo en clave “al carajo con los trabajos esclavizantes y ya de paso con este mundo de locos”.

“Stop watching the news / Because the news contrives to frighten you -se las ingenian para asustarte-To make you feel small and alone.”

Claro que también suelta la frase “no soy mi tipo, pero me encanta mi cama”, que puede dar lugar a multitud de interpretaciones. En una cama se pueden hacer muchas cosas, aparte de dormir u holgazanear… Bien por Mozz. Ironía e ingenio, de eso nunca le ha faltado.

Este single es el adelanto del disco Low In High School, que se publica el próximo 17 de noviembre. La web ABC.es se hace eco de las declaraciones de la discográfica: los doce temas que compondrán el álbum siguen la misma línea del sencillo, «castigando a figuras políticas, cuestionando la autoridad y regalando viejas historias de amor».

Es su primer disco en estudio desde World Peace Is None of Your Business -que era el décimo, julio del 2014- el cual recibió muy poca promoción. A pesar de entrar directo al segundo puesto en el chart de álbumes británicos, el disco fue retirado del mercado a las tres semanas por disputas y desacuerdos entre el cantante y el sello Harvest.

Pues nada, a holgazanear con -o como- tan ilustre invitado…

“No bus, no boss, no rain, no train.”

 

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The Long Ryders: Looking for Lewis & Clark / Mason-Dixon Line / Lights of Downtown

“An absolutely underrated band”…¿Nunca has leído o escuchado esta expresión? Yo sí, unas cuantas veces -y seguro que vosotros también-. Especialmente en comentarios vertidos por los usuarios en YouTube. Y es que los argumentos para aplicar este calificativo o esta consideración a determinados grupos musicales podrían ser casi infinitos. De hecho también los debates que podrían o de hecho ya se habrán generado, los ríos de tinta que podrían verterse o que ya habrán corrido, tanto en papel como en la red. La cuestión no solo puede limitarse a bandas absolutamente infravaloradas, sino que puede hacerse extensible a artistas en solitario, álbumes, canciones… 4414Y de hecho hasta existen artículos (aquí tenemos uno o aquí otro) o entradas de wordpress que tratan de este tema. Muchísimas bandas musicales pueden ser consideradas en un momento u otro, por algunos aspectos u otros -y por supuesto por ser opinable y subjetivo- bandas que no han recibido el suficiente reconocimiento o interés. Sirva como ilustración esta extensa -y en cierto modo sorprendente- lista de bandas que algunos consideran infravaloradas: Kiss, The Smashing Pumpkins, Porcupine Tree, Steely Dan, Duran Duran, Cinderella, Rainbow, Tears For Fears, Rage Against The Machine, Mötley Crüe, Def Leppard, Rush, Soundgarden…También he visto referirse en estos términos -y ahí puedo coincidir- a grupos como Mew, Cracker, The Steepwater Band, Cock Robin…Pero lo realmente sorprendente es que para algunas personas, nombres de absoluto prestigio y valía, formaciones que han llegado a vender millones de discos también pueden ser consideradas underrated bands -por no haber sido lo suficiente y merecidamente reconocidas, o por determinadas etapas o trabajos-. Ahí van: Pink Floyd, Supertramp, Queen, Abba, Bee Gees, Genesis…Casi nada.18258No, no es ninguna broma, todo esto está extraído de las valoraciones de algunos aficionados a la música. Seguro que la lista anteriormente dada podría ser ampliada con centenares y centenares de nombres de bandas que son efectiva y objetivamente poco conocidas. Y por supuesto y como ya habrás adivinado esta etiqueta que huele un poco a “maldito” -y de ahí la introducción- es aplicable a estos señores…the-long-ryders-editthe-long-ryders-discog-final-wild-songsTendería a pensar que es un grupo relativamente conocido, pero dada la enorme variedad de gustos y conocimientos de los aficionados, es algo que no puede afirmarse con certeza. Así que si se da el caso de que jamás has oído hablar de ellos o has escuchado sus temas, la primera consideración que hay que dejar caer es ésta: Todos los amantes de grupos y artistas -y sonido y estilo- como The Byrds, Gram ParsonsFlying Burrito Brothers, Buffalo Springfield…pueden frotarse las manos con estos cuatro señores, porque las reminiscencias y el legado de los mencionados es más que evidente.

The Long Ryders se forman -según su propia página web- el día de Thanksgiving (“Día de Acción de Gracias”) de 1981, en el oeste de Los Angeles. El nombre lo tomaron del film western The Long Riders dirigido por Walter Hill en 1980 (soundtrack by Ry Cooder, attention).long_riders_ver1

Sid Griffin -nacido en Kentucky- había formado en 1979 The Unclaimed, una banda de punk rock y garage rock con influencias de los 60, pero abandona dicha banda en noviembre del 81, llevándose con él al bajista Barry Shank. Griffin funda entonces The Long Ryders, donde Shank será el bajista original. Sin embargo éste dejaría la banda, siendo sustituido por Des Brewer y éste a su vez por Tom Stevens, que ya permanecerá al bajo hasta nuestros días. Los otros dos componentes, originales y también con absoluta continuidad son Greg Sowders a la batería y Stephen McCarthy -de Virginia, a la guitarra y voces- que entraría en el grupo tras un breve período de búsqueda. De hecho todos ellos son multiinstrumentistas…

  • Sid Griffin guitar, harmonica, autoharp, therapy & vocals.
  • Greg Sowders drums, percussion & song publishing.
  • Tom Stevens bass, acoustic bass, computer genius & vocals.
  • Stephen McCarthy main guitar, banjo, mandolin, lap steel & vocals.

Curioso reseñar que también estuvo en la banda por un brevísimo período de tiempo ni más ni menos que Steve Wynn, que acabaría formando al poco otra formidable banda, The Dream Syndicate.

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The Long Ryders…muy bien, pero…who is who? De izquierda a derecha: Greg Sowders, Tom Stevens, Sid Griffin y Stephen McCarthy

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Stephen McCarthy – Tom Stevens – Sid Griffin – Greg Sowders. Por cierto que algunas webs, a nivel fotográfico, confunden descaradamente a Griffin con McCarthy, y viceversa. No sé si llorar o reír al respecto

El grupo se estrenó con un EP (10-5-60) en 1983, y funcionó y publicó mayormente material entre ese año y 1987. Realmente sus mejores álbumes son los que salieron en aquellas fechas: Native Sons (1984), State of Our Union (1985) y Two Fisted Tales (1987).

La banda se disolvió en el 87, para volver a reunirse varias veces (especialmente en el 2004 en el Festival de Glastonbury, 2009 y 2016), a petición de los fans.long2bryders2bgira2bespac391a2b20142b2Y ésta es mi experiencia personal al respecto: En mis habituales lapsos de desinformación y desconexión -perfectamente lógica con formaciones que llevan tantísimos años- les daba por totalmente extintos. Y cúal no fue mi sorpresa cuando hace unos meses me encuentro una crónica en la web Espacio Woody/Jagger donde se relata su actuación en la sala valenciana Loco Club en abril del 2016. Absoluta y más que agradable sorpresa -lo que no sabía era lo de esas larguísimas interrupciones-. Aunque la cosa va más allá, porque los norteamericanos en realidad repetían en la misma sala y nos lo había contado la misma web: Su actuación en el Loco Club en diciembre del 2014.the-long-ryders-videoAparte de las mencionadas influencias –Gram Parsons y compañía- hubo otras que tuvieron su reflejo en sus canciones y sonido: El Dylan eléctrico, Neil Young, el country, el country rock, algo de los Flamin’ Groovies y de los Clash, el sonido de la era Rubber Soul de los Beatles o Hank Williams. Pero estos cuatro tipos a su vez impactaron al público y la crítica, sobre todo con sus dos primeros LP’s, y su huella ha sido perdurable pese al paso de tres décadas…

“Energía, inmediatez, descaro, rebeldía, pasión, sus grandes estribillos, sus riffs guitarreros, sus fantásticas melodías, el rock ‘n’ roll…”

(De woodyjagger.com)

“They unwittingly invented Americana, but seldom receive credit for it. This 4-CD box set puts the record straight.”

(De Mojo Magazine. Se refieren al cuádruple CD recopilatorio Final Wild Songs, sacado en el 2016 y que les ha llevado de nuevo a la carretera)

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Backstage en Madrid, abriendo su gira europea del 2016: McCarthy, Griffin, Sowders y Stevens

“If you drew a straight line from The Byrds through Wilco, you’d intersect the Long Ryders right in the middle. But that’s only part of what makes this band essential listening. The true test of music is time. And this music sounds as good and as relevant now as it did three decades ago.”

(De NPR.org)

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En el Social Antzokia de Basauri en el 2016

“Pisarán suelo español diez años después de su anterior visita y con su formación original, aquella que hace treinta años editó el mítico disco ‘Native Sons’ que se colocó en lo más alto de las listas en toda Europa, únicamente superado por el trabajo de The Smiths, ‘Meat is Murder’.” 

(De lococlub.org)

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Stephen McCarthy y Sid Griffin en la madrileña sala El Sol, en su gira del 2014. Por supuesto, otras webs, como dirtyrock.info se han encargado también de reseñar su reciente paso por los escenarios españoles

“Junto con The Dream Syndicate, abanderaron aquella escena denominada Paisley Underground -Nuevo Rock Americano, en España-, preconizando una vuelta a las raíces de la música americana, aquella que definieron The Byrds, Gram Parsons, Buffalo Springfield y The Flying Burrito Brothers. Los responsables, los guitarristas Sid Griffin y Stephen McCarthy, no solo se desenvolvían con cualquier instrumento, además sabían estructurar las canciones con pinceladas de punk, cajun y psicodelia, adelantándose unos años a lo que luego la prensa calificó como alt-country. Sin ellos, bandas como Uncle Tupelo no hubiesen existido. Sinteticemos: The Long Ryders fueron el puente entre el country-rock y el Americana.”

(De Ruta 66)

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En esencia y como muy bien han señalado algunas de estas críticas, esta formación de alguna manera se anticipó e inventó lo que se conoce como country alternativo -o “alt-country”- de los 90 y también fueron unos precursores de lo que luego se conocería como Americana, un estilo muy genérico en el que se retoman y funden muchas de las principales corrientes de la música norteamericana. El primero trasciende al country clásico, mientras que el Americana es una verdadera amalgama de estilos, donde ni el folk, ni el country, ni el blues, ni el rhythm and blues ni el rock and roll pueden entenderse ya en el sentido más purista, pues se mezclan entre ellos y además se ven influenciados por movimientos como el rock alternativo, el pop o el punk.

Han salido además dos conceptos importantes a la hora de contextualizar a esta banda, así que repasémoslos. El primero de ellos es el Paisley Underground, considerado a su vez un subgénero del jangle pop. Surgió en California a mediados de los 80 y se hizo especialmente popular en la zona de Los Angeles. Incorpora psicodelia, las melodías vocales son una parte esencial, y su interaccion con las guitarras. Los grupos adscritos a este movimiento beben de formaciones de los 60 como Love o The Byrds.

El término lo acuñó un músico llamado Michael Quercio, perteneciente a un grupo llamado The Three O’Clock. Quercio estaba escuchando a una bajista llamada Lina Sedillo improvisar una parte hablada. Sedillo llevaba un vestido estampado (“paisley” en inglés) y Quercio soltó la frase “words from the paisley underground”. Después ambos discutieron sobre el darle un uso apropiado a la expresión, hasta que Quercio la empleó en una entrevista para referirse a la música que hacían bandas como The BanglesRain Parade, Green on Red o los propios The Three O’Clock. Otras bandas englobadas en ese estilo serían los ya mencionados Dream Syndicate o Game Theory. Algunos han definido el Paisley Underground como “a marriage of classic rock and punk”. Ha tenido influencia en bandas como The Teardrop Explodes o Echo & the Bunnymen, o artistas como Prince, que llegó a bautizar su sello discográfico como Paisley Park Records.

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Estampado “de Cachemira” o “de amebas”…eso es “paisley”…

El blog Revoluciones por Minuto nos explica que “no fue una moda que aglutinase a un público y a unas bandas alrededor de unas premisas ideológico-estéticas determinadas. (…) La Paisley Underground fue un amplio grupo de bandas y músicos unidos por lazos de amistad y camaradería. Así de simple. Así de anómalo.”

En cuanto al jangle pop, ya mencioné el término al hablar de R.E.M., banda que cae de lleno -en sus inicios- en esa “clasificación”, a propósito de su magnífica (Don’t Go Back To) Rockville. Me cito a mí mismo para ahorrar tiempo y dolores de cabeza:

“El jangle pop está considerado un subgénero del pop rock, y en él se enfatizan las guitarras -especialmente las eléctricas de 12 cuerdas- y las melodías pop con fuertes reminiscencias de los 60. Se considera a The Everly Brothers y The Searchers como los fundadores del estilo, y por ejemplo The Byrds y The Beatles como fuertes impulsores del jangly sound que fundamentaría este subgénero en la mencionada década. Pero a mediados de los 80, con el surgimiento de un movimiento post-punk norteamericano, viviría un resurgir, y el vocablo “jangle pop” se utilizaría para describir bandas como R.E.M., pero también otros ilustres de la escena norteamericana como Tom Petty & the Heartbreakers.”

La Wikipedia nos recalca la importancia en este sonido de la versión que hicieran The Byrds del Mr. Tambourine Man de Dylan, de la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Roger McGuinn, de las influencias de la psicodelia o de que constituyó un puente entre algunas bandas de power pop (Big Star) y algunas formaciones de folk rock (Simon and Garfunkel), desdibujando fronteras.fonda-theatre-poster-v2-web-729x1024En cuanto al Nuevo Rock Americano, desde luego hay información en la red. Se menciona mucho un libro escrito por Carlos Rego, “Nuevo Rock Americano, años 80. Luces y sombras de un espejismo”, donde se analizan las claves de ese fenómeno. Nos dice la web de rockdelux.com acerca del libro y su tema:

“Fue una escena antes que un movimiento (al revés de la new wave o la no wave), de ahí su falta de prejuicios y su variedad estilística, de The Gun Club a The Dream Syndicate pasando por Jason & The Scorchers, Green On Red, Violent Femmes, The Long Ryders y R.E.M. El NRA también sirvió para abrir inútiles fisuras entre críticos y melómanos: la autenticidad, las raíces y algunas pamplinas más.”rego-15-03-11También los blogs de cultura de El País se refieren al libro y sus reflexiones. Más que interesante:

“Rego, uno de los críticos con mejor criterio y mejor redacción de este país, analiza un periodo convulso en lo musical en Estados Unidos, con los ecos del punk rock todavía resonando en la trastienda underground norteamericana. 
Según sus protagonistas, el movimiento de Nuevo Rock Americano (NRA) nunca existió pero realmente algo se coció y se cocinó durante los ochenta en EE UU con bandas tan sobresalientes como Long Ryders, Green On Red, Dream Syndicate, R.E.M., The Del-Lords, The Del Fuegos, Violent Femmes, Los Lobos…. Un modo de vida, una actitud, una visión musical, unas raíces y una influencia latente en bandas posteriores como The Jayhawks, Uncle Tupelo, Wilco…” 

Lo curioso del caso es que ese Nuevo Rock Americano no es otra cosa que la definición dada en España al fenómeno del Paisley Underground. Un apunte: Otra de las etiquetas cercanas y empleadas para estos movimientos es la de cowpunk: Cuando el punk (rock) se mezcla con las vacas (quizá la América profunda, rural). Un excelente artículo escrito en la web gurbrevista.com nos dejará las cosas muy claras al respecto de todo esto. Leamos:

“Un grupo de jóvenes músicos americanos (…) se conjuraron para reivindicar las raíces del rock and roll de toda la vida, las guitarras eléctricas, los chalecos de cuero con flecos, las hebillas hiperbólicas, las botas camperas, el country y su poquito de Tex-Mex fronterizo para ponerle picante a la cosa. Acababa de nacer el Nuevo Rock Americano (NRA). The Long Ryders fueron pioneros en esta aventura musical pero ¿realmente inventaron la rueda? Según críticos musicales nada de eso. El NRA fue una puesta al día de sonidos, del rock sureño de los 70, Lynyrd Skynyrd, Allman Brothers, los 60 vía Byrds, Flying Burrito y Buffalo Springfield.”

“¿Pero qué fue todo aquello del NRA? Algunos expertos niegan la existencia de una corriente fugaz que pese a todo dejó profunda huella e influencias importantes en las generaciones posteriores. A primeros de los 80 los discos de importación americanos entraban en Europa procedentes de compañías independientes, pero no llegaban a las emisoras de radio, ni a la prensa escrita, ni mucho menos a la televisión. La ola vaquera, pese a su innegable calidad musical, fue engullida por otras corrientes mucho más aceptadas por el gran público como el punk y el tecno-pop, que recibieron todo el beneplácito de las grandes discográficas europeas.”

“Hoy a Long Ryders se les considera un eslabón, una conexión rotunda entre las bandas de country pop alternativo más recientes, como The Jayhawks o Wilco, y los clásicos del country rock, como The Byrds, Buffalo Springfield o los Flying Burrito Bros de Gram Parsons. Música de raíces, sincera, auténtica, lejos de los exitazos fugaces del momento. (…) En España el movimiento recibió el nombre de Nuevo Rock Americano, mientras que en Estados Unidos se le denominó Paisley Underground, corriente que incluía a bandas tan variadas y exquisitas como The Bangles, Green On Red, The Del Fuegos, R.E.M., BoDeans o The Dream Syndicate. Fue una exploración en las raíces mismas del rock americano, desde los clásicos del rock and roll a los orígenes del country y sus variantes, con pinceladas del jangle pop de Turtles o Byrds, del power pop con mayor carga melódica y del country pop.”jason_scorchersLas reflexiones y valoraciones de los críticos pueden extenderse mucho más, entrando de lleno en el debate de si existió o no tal movimiento. No en vano muchos de los grupos mencionados “caerían” bajo muchas otras etiquetas musicales: Roots rock, garage rock, alternative rock, punk rock, blues rock, hard rock, power pop, new wave, folk rock, country rock, jangle pop, cowpunk…Pero creo que los anteriores párrafos son ya más que suficiente. Como guinda del pastel, un regalo: El espacio 6×3 de Radio 3 dedicó en el 2013 un programa monográfico de una hora al tan cacareado NRA: Aquí tenemos el enlace al programa. Citan a varias de las bandas ya mencionadas diciendo que “fueron algunos de los humanos (armados con guitarras) que se enfrentaron a las máquinas.”

Volviendo de nuevo a mi experiencia personal…¿qué puedo decir? Que disfruté bastante de este movimiento, de grupos tan sensacionales y tremendos como los propios The Long Ryders, The Dream Syndicate, Violent Femmes o Los Lobos. De todos ellos tengo discos. Pero también de otros mucho menos conocidos como Guadalcanal Diary, The Del Fuegos, Lone Justice con la cantante Maria McKee al frente, o una banda magnífica que no ha mencionado ninguna de las citas: The Smithereens (aún activos, nacen en 1980).

Y escuché mucho, mucho, mucho en su tiempo el sensacional State of Our Union. A este disco pertenecen las tres canciones de esta entrada.

Lewis and Clark…La verdad es que hace casi un año ya me tropecé con estos dos señores en mis particulares exploraciones por tierras norteamericanas. Me explico: Cuando hablé de Maika Makovski y de su álbum Chinook Wind, expliqué que estos vientos toman su nombre de los indios Chinook Chinookan peoples:

“’Chinook’ significa, en la lengua local, “ice eater” o “snow eater”: El comedor, el devorador de hielo y nieve. Y esa lengua local proviene de los originarios pobladores de la zona, el pueblo indígena conocido justamente como Chinook (o también Chinookan) y que ha dado nombre a este fenómeno meteorológico y ese significado simbólico. A principios del siglo XIX estaban compuestos por diferentes pueblos, todos hablando la lengua Chinook, y habitaban en el noroeste norteamericano, en concreto en la zona media y baja del río Columbia -también en la desembocadura-, en lo que serían los actuales estados de Oregón y Washington. A principios del siglo XX se estimaba su población en unos 2.700 individuos.”tmp1047_thumb_thumbPues bien, la expedición de Lewis and Clark se encontró con los pueblos chinook en 1805 en la parte baja del río Columbia. La Lewis and Clark Expedition tuvo lugar entre mayo de 1804 y septiembre de 1806, y también se la conoció como la Corps of Discovery Expedition. Fue la primera expedición americana que cruzó toda la parte oeste de los Estados Unidos. Estaba compuesta por un selecto grupo de voluntarios del ejército y bajo el mando del capitán Meriwether Lewis y su amigo el lugarteniente segundo William Clark.375px-carte_lewis_and_clark_expeditionEl presidente Thomas Jefferson autorizó la expedición tras haber comprado el territorio de Louisiana en 1803. Se trataba de explorar las tierras, establecer rutas viables, trazar mapas y hacer acto de presencia en unos territorios vírgenes, antes de que los reclamaran potencias como Gran Bretaña. Todos podemos imaginarnos qué supuso eso: Enfrentarse a la vastedad de la naturaleza, flora y fauna salvajes y por supuesto el encuentro con los pueblos nativos. La historia, la literatura y el cine ya nos han dado buena cuenta de ello. The Long Ryders también. Es el inefable Griffin el que canta…

Aquí les tenemos en una sensacional actuación en el Old Grey Whistle Test en 1985. Merece la pena porque la actuación de estos chicos es de una fuerza desatada…

La Mason-Dixon Line…Ya Eduardo nos menciona esta línea imaginaria en su entrada sobre el gran tema Dixieland Delight (compuesta por Ronnie Rogers, grupo Alabama):

“El country nació al sur de la línea Mason-Dixon, una franja imaginaria que se esbozó cuando Estados Unidos era todavía una colonia británica, a mediados del siglo XVIII, y que sirvió como demarcación para separar las colonias abolicionistas (al norte) y las esclavistas (al sur).”

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Efectivamente. La línea Mason–Dixon se estableció para delimitar las fronteras entre cuatro estados de los EEUU: Pensilvania, Virginia Occidental, Delaware y Maryland. “Después de que Pensilvania empezara a abolir la esclavitud dentro de las colonias, en 1781, la parte oeste de esta línea y el río Ohio se convirtieron en frontera entre los estados esclavistas y los abolicionistas (Delaware, sin embargo, que se encuentra al este de esta línea, permaneció como estado esclavista). En lenguaje popular (…) se usa la línea Mason-Dixon simbólicamente como una frontera cultural que divide el norte de Estados Unidos y el sur.” (Wikipedia dixit)

Por supuesto hubo disputas, conflictos y una serie de cuestiones políticas, geográficas y topográficas con las que no voy a aburrir al personal: La línea Mason–Dixon fue trazada entre 1763 y 1767 para resolver un conflicto de fronteras en la Norteamérica colonial.​ Tanto Maryland como Pensilvania reclamaban unos territorios, pero el conflicto había empezado alrededor del año 1730.

Ni que decir tiene: Las canciones de nuestro grupo rezuman historia de los Estados Unidos por los cuatro costados. Solo puedo decir que Mason-Dixon Line sencillamente me flipa, me parece absolutamente maravillosa, sublime. Qué sonoridad. Esos acordes o ese rasgueo de guitarra que sostiene todo el tema, los guitarrazos salvajes que se superponen… Espectacular.

¿Cómo podía limitar esta entrada a dos temas y dejarme fuera un tema tan descomunal como el que sigue? Ya conoces el dicho: “Donde caben dos maravillas, caben tres”. Sin duda es uno de los temas donde el espíritu de The Byrds revive de forma más clara. La legendaria formación norteamericana resucita aquí gracias a nuestros peculiares jinetes solitarios. De hecho nunca murieron, entre otras cosas porque The Long Ryders hicieron de nexo sonoro a través del tiempo.

 

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The National: The System Only Dreams in Total Darkness

Ellos desean que la bestia duerma bien, y tantísimos -también el que escribe- estábamos esperando con ansia y deseando ver publicado por fin el nuevo álbum de The National. Sleep Well Beast vio por fin la luz este pasado 8 de septiembre. Una de las mejores bandas de indie rock, una de las mejores bandas de rock a nivel mundial, sin tener que entrar en distinciones, han vuelto con nuevo trabajo bajo el brazo.

“El poder analgésico de las canciones de The National les ha aupado a una cómoda plaza en lo alto del podio de las bandas independientes del rock actual. (…) Disco a disco se han consolidado hasta tal punto que se hace prácticamente imposible esperar un álbum de The National no ya malo, sino mediocre.”

“En su séptimo disco siguen vistiendo la capa de derrotados, a sabiendas de que son una de las bandas más grandes de nuestros días. No es falsa modestia, sino el ADN de los tristes que, muy a menudo, son los mejores poetas.”

“The System Only Dreams in Total Darkness: El que fuera primer adelanto del presente disco es indudablemente el hit de esta colección de temas. Recordad el 1:42, cuando arranca ese riff entrecortado y se añade la segunda voz, porque sólo por ese momento exacto vale la pena conservar este álbum en formol y enseñárselo a los nietos.”

(De la crítica en El Quinto Beatle)

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“Ya en “Trouble Will Find Me” se intuía cierto estancamiento en su estilo: austeridad atemporal con el toque distintivo de los patrones recios y ensimismados de Bryan Devendorf, las guitarras imaginativas de los gemelos Dessner y la voz profunda de Matt Berninger, frontman desaliñado e introspectivo más próximo a un profesor de Literatura que a una estrella del rock. No es casual que cuatro años separen este trabajo de su predecesor. Y tampoco lo es que en su séptimo disco se atrevan con una paleta de sonidos más profunda -sintetizadores, cajas de ritmos y cuerdas que se superponen en ricas texturas, abundantes músicos de sesión-, probablemente espoleados por sus aventuras musicales paralelas, con la ambición clara de sacar lo mejor de sí. ¿Lo consiguen? Rotundamente, sí.”

“Berninger se ha convertido en letrista importante haciendo de la duda confesional su sello. Con total naturalidad, sin un gramo de pedantería. Parece fácil, no lo es.”

“La bestia, quien quiera que sea, dormirá tranquila esta noche con un discazo bajo el brazo.”

(De la crítica en MondoSonoro)

“Con mucha discreción, sobriedad y poco -a priori- nuevo que ofrecer, The National se han ido haciendo un hueco en la escena del rock alternativo de nuestro siglo. El quinteto de Ohio que lanzase hace ya 10 años (que se dice pronto) el sobresaliente “Boxer”, ha estado esta década puliendo su sonido hasta consumar su estilo y cohesionarlo en este “Sleep Well Beast”, su séptimo álbum de estudio. Porque la última referencia discográfica de Matt Berninger y compañía es precisamente en la que mejor se amalgama el trabajo de cada uno de los miembros, en el que todo suena más que nunca en su justo lugar.”

“Aunque “Sleep Well Beast” podía parecer primeramente un disco especialmente político de The National, acaba más resultando en uno que habla de los sentimientos surgidos de la situación en los Estados Unidos. No trabaja sobre el problema en sí, sino en sus consecuencias y el malestar que genera la circunstancia, siendo más honesto y menos pretencioso.”

“En un inesperado giro de los acontecimientos, sin perder identidad y sin cambiar ninguna base de su estilo, The National firman un séptimo disco sorprendente a la par que reconfortante.”

(De la crítica en Binaural)

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Hermosa portada: La casa o cabaña que en realidad es el estudio que construyó Aaron Dessner para que la banda grabara con mucha calma su nuevo disco

“Sleep Well Beast, el séptimo disco del grupo de Matt Berninger y la doble pareja de hermanos Devendorff y Dessner suponía uno de los mayores retos de su carrera. Y por eso, posiblemente buscando escapar de lo previsible, se han tomado más de 4 años para crearlo, el lapso más largo de su carrera. El resultado es, ya podemos decirlo, de nuevo notable y, si bien no vuela tan alto como en sus mejores momentos, contiene a la vez argumentos que satisfarán tanto a los que solo les piden un poco más de ese ya conocido rock épico emocional como a los que buscan algo más, un extra que refresque su propuesta y la siga haciendo excitante y sugerente.”

“Me atrevo a decir que ‘Sleep Well Beast’ no será, muy probablemente, el disco favorito de The National para nadie. Pero sigue siendo admirable su manera de afrontar la música, permaneciendo fieles a la idiosincrasia del grupo y, a la vez, abriendo vías de crecimiento para su propuesta. Eso es muy digno de admiración.”

(De la crítica en jenesaispop)

“The first single “The System Only Dreams in Total Darkness” was a bit of a shot across the bow. The song introduces itself with a series of stray-hair noises, a steely guitar line, a frosty choir of “oohing” voices, a boxy drum loop, and an imperious grand piano airlifted from U2’s “New Year’s Day.” It forms an intriguing mist, but as you squint into it, familiar shapes emerge: The major-key chorus arrives with the same effortlessness as all their best songs, with that glinting phalanx of horns pushing it quietly forward. These are National Songs…”

(“El primer single “The System Only Dreams in Total Darkness” fue un poco como un disparo a la proa. La canción se presenta con una serie de ruidos desaliñados, una línea de guitarra acerada, un coro escarchado de voces “oohing”, un bucle de percusión que semeja un cajón, y un imperioso piano de cola aerotransportado desde el “New Year’s Day” de U2. Forma una intrigante niebla, pero a medida que uno le echa un vistazo, formas familiares emergen: El estribillo principal llega con la misma facilidad de todas sus mejores canciones, con esa falange centelleante de cuernos empujando silenciosamente hacia adelante. Estas son canciones de The National…”)

(De la crítica en Pitchfork.com)

Ese riff de guitarra que se repite, mordiendo y perforándote. Ese estribillo tan hermoso, realmente inconmensurable. Y ese solo de guitarra, magnífico y salvaje. Temazo, temazo, temazo. Pondré la mano en el fuego y no me quemaré: Sin duda una de las mejores canciones de este 2017…

 

 

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