Messer Chups: Magneto / Shandor Diabolikov / Chupacabra Twist

La propuesta que traigo hoy es bastante pintoresca, pero interesantísima y a la vez divertidísima. Ya la verdad es que la simple lectura o mención de su nombre me provoca una sonrisa de oreja a oreja: Messer Chups…Creo que ello es debido a que inconscientemente lo asocio a los célebres y universales Chupa Chups. Además el lector podrá aparte de escuchar ver sobradamente el enorme sentido del humor que destila esta formación…1375160808_messer-9_largemaxresdefault1

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Con el antiguo batería Denis “Kashey” Kuptzov -a la izquierda-, Zombie Girl y Gitarkin

Aunque quizá a más de uno se le quite la sonrisa de golpe: Son divertidos pero tremendamente siniestros, ya que “Messer” significa cuchillo en alemán. Y “Chups”…pues según algunas fuentes haría referencia al ruido que hace un cuchillo al penetrar la carne, mientras que según otras sí sería un guiño a los célebres caramelos con palito…Según una publicación mejicana, su nombre quiere significar “polo o helado de cuchillo” o “paleta de cuchillo” en Latinoamérica.

maxresdefault2Tenemos buenas pinceladas de su biografía -especialmente formación e inicios- por ejemplo en la Wikipediaen ALLMUSIC o en su propia página web. Pero repasemos sucintamente cómo surgió esta banda. Cómo y dónde, porque aquí llega la primera y agradable sorpresa: Messer Chups es una banda experimental de surf music, y tiene sus orígenes en la ciudad rusa de San Petersburgo. Porque los verdaderos inicios los tenemos en la banda germano-rusa Messer für Frau Müller. La integraban Oleg Gitarkin -el alma y creador de todo este proyecto y único miembro invariable hasta hoy- y Oleg Kostrow. Se deshace esta formación y Gitarkin crea posteriormente -en 1998- Messer Chups, que puede por tanto considerarse un “spin-off” del grupo germano-ruso. Esta originaria banda era difícil de mantener activa, pues Gitarkin vivía en Hamburgo y Kostrow en Moscú.1035_images_1459273962_messerGitarkin se mantiene firme al frente de Messer Chups, y la banda va cambiando de componentes, por momentos siendo un dúo y a veces un trío. Me voy a ahorrar la sucesión de nombres, porque hay unos cuantos. El proyecto poco a poco se va asentando y sacando trabajos, con Gitarkin ya de vuelta a San Petersburgo desde el 99. Hacia el 2005 es cuando empieza a tomar forma el actual lineup. Es en el 2004 cuando se incorpora al bajo la chica, con el alias de ZombieGirl. En el 2005 se quedan como dúo Gitarkin y ella, y aún pasarían dos baterías diferentes y hasta incluso un vocalista, siendo a partir del 2007 un trío. El último en incorporarse es el actual batería, el germano-chileno Boris Israel Fernandez (se uniría en el 2011, aunque no figura en los créditos de dos trabajos del 2015). De manera que la formación actual es (los alias en rojo):

  • Oleg Gitaracula (Oleg Fomchenkov, antes también Oleg Gitarkin) – A la guitarra.
  • Zombierella (Svetlana Nagaeva, antes también ZombieGirl o Zombie Girl) – Al bajo.
  • Dr Boris (Boris Israel Fernandez, también se hace llamar Bisfer y antes de eso Boris Twang) – A la batería.

Todavía -antes de proseguir- voy a hacer una puntualización acerca de sus componentes, a modo de aclaración. Creo que es necesaria, porque hay cierta confusión en este punto. La primera componente femenina de Messer Chups fue Annette Schneider. Forma dúo con Gitarkin al principio de la formación, y participa en los dos primeros discos: Chudovishe & Chudovishe (1999) y Miss Libido (2000). Pero el error o confusión viene de que algunas páginas web afirman que Annette Schneider “fue reconvertida” más tarde a Zombie Girl, con lo cual se la está confundiendo con Zombierella o asumiendo que son la misma persona. Y esto es incorrecto: Annette Schneider es una promotora y música alemana que tocó los sintetizadores en esos discos, mientras que Zombierella (Svetlana Nagaeva) es rusa, toca el bajo y se une a la formación en el 2004. La web del grupo es clara al respecto, y como prueba definitiva tenemos este vídeo en Facebook donde vemos a la alemana: Messer Chups starring Annette Schneider.

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La banda con un anterior batería, Rockin’ Eugene, en un concierto en San Petersburgo

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Actuación en Valladolid en el 2016: Gitarkin, Dr Boris y Zombierella

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Dr Boris en la sala El Sol de Madrid, mayo del 2017

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En la sala 16 Toneladas en Valencia, mayo del 2017. Participaron en el Festival Surforama en Valencia

Lo interesante de esta banda es el estilo que practican, y que recoge un enorme caleidoscopio de influencias diversas: Rock instrumental, surf rock, rockabilly, psychobilly, horror punk, sonido de big bands, lounge music…Pero hay mucho más: En los últimos tiempos se han orientado hacia propiamente la surf music, pero en sus inicios el grupo tenía un carácter mucho más experimental y vanguardista, de forma que Gitarkin incorporaba sintetizadores antiguos, instrumentos poco comunes y sobre todo samples, capas de sonido, bucles y otros efectos o voces con un corta-pega de viejas películas de serie B y de terror, tanto de la Europa del Este y Rusia como americanas. Y de ahí viene la otra gran fuente de inspiración, ya no solo a nivel sonoro, sino también estético y temático: Viejas películas de los 50 y los 60 -incluso horror/sci-fi b-movies de los años 30-, de las que sacaban y sacan sonidos, imágenes e ideas, dando así a los temas y al estilo del grupo un aire retro y vintage. A todas estas influencias y esa dosis de terror añádase mucho humor y…¡¡¡bienvenidos al reino del horror surf!!! 1499256918_19237813_10158869928975392_2379504775510980041_omchupsToda suerte de personajes y referencias célebres podemos encontrar en esa revisión del cine de terror, vintage o de serie B que hacen los Messer Chups a través de sus temas: Vincent Price, Betty Page, Bela Lugosi, films de Russ Meyer o Ed Wood, la Familia Addams, Drácula, vampiros, hombres-lobo, zombies, monstruos, extraterrestres, platillos volantes, momias, el antiguo Egipto, robots, la carrera espacial, antiguas caricaturas y cómics soviéticos, El Santo, James Bond, films de la Universal y la Hammer, el cine slasher (cortes y cuchillazos a cargo de un psicópata solitario, con pobres adolescentes indefensos…) o el subgénero “Giallo” italiano…Como puede verse, la lista no es corta…

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Cine slasher: Cuchillos, horror y sangre

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La gran SuperVIXENS de Russ Meyer. Veremos una escena en uno de los vídeos…

giphyPero volvamos por un momento a lo estrictamente musical. Porque dos parecen ser las referencias clarísimas en el estilo de Messer Chups: The Ventures y The Cramps. The Ventures parece el nombre por excelencia en esto del rock instrumental y el surf rock, aunque sin duda hay más formaciones (Dick Dale, The Trashmen o The Surfaris), pero el veteranísimo grupo de Tacoma, Washington -aún en activo- es ya un clásico en el amplio universo rock. De otro lado tenemos a The Cramps, irreverencia y frescura, practicaban garage punk y psychobilly, género que innovaron (tomar el rockabilly original y acelerarle el ritmo, mezclándolo con referencias a films de terror, ciencia ficción de serie B y elementos oscuros o góticos, temáticas a veces “tabú” como la violencia o el sexo escabroso).

Y aparte de esas dos claras referencias, otras influencias en el sonido de nuestro grupo son el sonido lounge (“easy listening” de los 50 y los 60) de algunas big bands (Henry Mancini, Les Baxter…) y el rock en general de los 60.

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Recuerdo perfectamente a The Cramps y su frenético estilo, entre otras cosas porque me compré algún vinilo suyo…

Otro aspecto a destacar del grupo es, cómo no, Zombierella. Y con lo que voy a decir no quiero parecer ni sonar sexista ni machista. Mi impresión personal es que la componente rusa aporta una mayúscula porción del gancho visual que tiene la banda. Nuestra ZombieGirl es atractiva y sexy -a mí me lo parece- y ha sabido explotar esa innegable carga erótica haciéndose multitud de fotos y poniendo su imagen como algo automáticamente reconocible (también) al servicio del grupo. Estos son los hechos y cúanto hay de sexista en quien lo lleva a cabo y quien lo disfruta ya sería otro debate. A mí me parece perfecto que cualquier persona -mujer u hombre, atractiva o no- se haga infinidad de fotografías para mostrar o aprovechar su imagen, y en este caso su atractivo. Pero ella no está en el grupo meramente como chica florero: Toca el bajo y también pone en algunos temas la voz. Y por supuesto por reparar en ella no quiero decir ni de lejos que el impacto o éxito del grupo -y menos su valía- se deban exclusivamente al físico de ella.

Repasemos algunas fotografías de la chica pin-up, que me parece a mí que no solo quiere dar imagen de femme fatale, sino de muy, muy, muy fatalemesser-chups-901x1030maxresdefault3z11620629ier831128948734930_4785715534718_1196446978_ncionxrn2ew8zombierella12107716923_a316d7237f_bmc-009-527x750042b0475fd77a09716151e3de92b35822gwgwnvy85w1487698387785-messer-chups-3tv20eye20labelfest20-2029-04-201620-20badehausd3281758741ed9355b857b7d482d48b3854b5710aa83d81c3e45561e6d1c1156d0cf1bde77207e8fcc2b3ee39ef0d19d43309be5f6baa8ee80c04b7ae33703016bb59fea389f13fe3b405efc916a234a7eaaa165224fe47f3eb1a35daf80677e59efc947cf2c75d0eaf8bef41b846f96-character-inspiration176fe9eec5ddfdda4208cc7e1254749bd-rockabilly-music-pin-up-rockabilly0fa41122dedb9816c9af2eac260268ecHay muchísimas más…Lo sé y asumo el mea culpa: Es totalmente sexista resaltar a Zombierella por su físico o su atractivo y no por su rol musical o profesional. Yo lo veo como facetas totalmente distintas de una misma persona, y una no tiene por qué desmerecer u ofuscar a la otra. En realidad me gusta mucho el rol de los tres integrantes frente a sus instrumentos: Lo hacen realmente muy bien. En ese sentido es evidente que el que mayores elogios puede llevarse y realmente corta el bacalao es Oleg Gitarkin -de quien no he encontrado decenas de fotos luciendo físico, no me voy a ahorrar el apunte-. Todos los asistentes a sus conciertos así como críticos coinciden en resaltar su profesionalidad y descomunal talento tocando la guitarra. Es todo un crack, y no sería ninguna estupidez considerarlo uno de los mejores guitarristas de surf rock a nivel mundial.

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Vaya, ahora Oleg quiere llevarme la contraria…

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¡¡Sangre!! Genial fotografía…

099gitarkin_i_vilka_3181469411704_56a3fd55aeVamos a terminar este amplio repaso fotográfico del grupo con unas imágenes de su paso por la Sala López de Zaragoza -octubre del 2014- y se las vamos a dedicar a Vidal, claro que sí…(porque me he acordado de él).messer-chups-sala-lopez-07messer-chups-sala-lopez-02messer-chups-sala-lopez-12messer-chups-sala-lopez-08messer-chups-sala-lopez-09Los Messer Chups han estado unas cuantas veces en España, y muy probablemente empezaran a actuar por estos pagos hacia el 2008. Así que no son unos perfectos desconocidos. De hecho, gozan de cierta fama a nivel mundial y a partir de cierto punto en su discografía hasta se los empezó a considerar grupo de culto. Han actuado en infinidad de países.

Podríamos explicar muchas más cosas, que quizá queden para otros días, pero concluiremos diciendo que Messer Chups, como explican en una interesante entrevista al portal mejicano NOISEY, funciona a la vez que otros proyectos paralelos a la banda o estrechamente relacionados: The Guitaraculas, Aloha Swamp, The Bonecollectors, The Incredible Pornobillys, Bang! Mustang u otros. Así…

“Creo que cada uno tiene ciertas diferencias con lo que hacemos en Messer Chups. En The Guitaraculas hay un vocalista y me gusta definir nuestro sonido como ghostbilly; en cambio, Aloha Swamp es un grupo que está más inclinado hacia la música hawaiana y ahí yo toco la steel guitar. (Oleg dixit)

“En The Bonecollectors utilizamos un contrabajo y combinamos el rockabilly con el horror, además de que yo canto en varias canciones.” (Zombierella dixit)

“Bang! Mustang tiene un sonido un poco más clásico y por eso lo bautizamos como kickass power surf.” (Boris dixit)

Y como muestra de ello y tal como nos explican en dirtyrock.info, la reciente gira por España de este 2017 era para presentar nuevo álbum, Preachers of the Night, pero que en realidad es un disco y proyecto paralelo de The Guitaraculas.messer-chups-anuncia-gira-espac3b1ola-para-presentar-su-nuevo-disco-the-guitaraculase2808b-e2808bpreachers-of-the-night

Os dejo ya con su música. Y esto empieza muy fuerte, con la sensacional Magneto

Cóctel perfecto: Terror y erotismo con Shandor Diabolik

Finalmente Chupacabra Twist. Mucho humor, terror y misterio con esa célebre criatura…

(Joder, como más les escucho más me gustan). Para otro día, algo muy interesante y curioso en relación a la historia de este grupo y su sonido…

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Publicado en CINE, FOTOGRAFÍAS, ROCK, SURF ROCK | 5 comentarios

Kate Tempest: Europe Is Lost (traducida)

best2016En este particular y superficial repaso a lo mejor que nos dejó el 2016 -muchísimos trabajos se van a quedar fuera, sin duda- me parecería casi imperdonable pasar por alto un nombre: Kate Tempest. Habrá muy buenos discos este pasado año, pero el que publicó la artista londinense me parece algo muy especial y totalmente diferente. Coincido en una expresión que leí al respecto: Es como haber encontrado oro, y esto no sucede todos los días. Algo en ella me llamó poderosamente la atención, me atrapó, y no fue ni una canción ni…”la música”. Seguramente es su fuerza arrebatadora y su gran talento. Pero es mucho más que “un disco”: Se trata de toda la propuesta artística y musical de esta chica.entrev_kate_tempest_rdl357_2Pero…¿quién demonios es Kate Tempest? Si ya la conocías, si habías oído hablar de ella o leído algunas reseñas, felicidades por lo que a mí respecta. Así me gusta, demuestra que estás razonablemente al día. Si por el contrario es la primera vez que te topas con su nombre, ésta es tu ocasión para subirte a este tren. Porque la realidad es que no hay excusa para seguir desinformado acerca de Kate Esther Calvert (1985, criada en Brockley, sudeste de Londres): Se pueden encontrar artículos y reseñas de su último trabajo por ejemplo en El PAÍSen ROCKDELUXen El Quinto Beatleen jenesaispopen mondosonoro (1)(2) o (3)en indiespot o en indienauta. Y por supuestísimo también en los medios anglosajones, donde es bastante fácil encontrar numerosos artículos.

Ya que me gusta sacar mi parte cabrona de vez en cuando y fustigar con algún latigazo, ahí va éste: ¡¡Que estamos en el siglo XXI!! (despierta).

“La gran esperanza del micro y las letras británicas”. El terremoto, el torbellino. Tempest, La Tormenta Perfecta. Me da la sensación, y desde luego los medios lo aseguran, de que ha llegado para quedarse…p02vrd53Su trabajo del 2016, Let Them Eat Chaos, no aparece en todas esas recopilaciones del año, pero sí en unas cuantas. Y en éstas lo sitúan sin dudarlo un momento como el mejor disco del año, o algunas de ellas en su defecto en las primeras posiciones.

Creo que no es mala idea echar mano de algunos de los artículos y reseñas que he enlazado antes y citar cómo nos presentan a la artista. Esas introducciones sucintas y certeras de los medios especializados nos dibujan un retrato rápido y nos dan una visión de conjunto. Combinaremos esas citas con explicaciones sobre puntos más concretos de su obra. Así por ejemplo El PAÍS nos dice de Tempest:

“Kate Tempest es inclasificable, pero queda claro que lo que hace lo hace a conciencia (…) y con resultados excepcionales. En los últimos años ha sido nominada al prestigioso Mercury Prize por su primer disco, Everybody Down (Big Dada), ha ganado el reputado Ted Hughes por su innovación en poesía, y está considerada la nueva voz poética más relevante en inglés por la Poetry Society. (…) Quien la ha visto en directo ha podido comprobar que se trata de una intérprete electrizante que, además, usa exclusivamente la fuerza arrasadora de un hip-hop comprometido. Tempest es, en el escenario y fuera de él, una mezcla de trovadora, Janis Joplin y James Joyce.”

En un soberbio artículo/entrevista, como nos tiene acostumbrados Rockdelux, se dice esto de la londinense:

Compagina poesía, teatro, novela y música, diferentes formatos que le sirven para fijar la mirada en la realidad circundante, empatizar con los personajes y elevar sus conflictos a la categoría de universales. Kate Tempest cuenta historias ensamblando con naturalidad los modos del rap, el techno y la literatura. Entre sus influencias: Samuel Beckett, James Joyce, W. B. Yeats, William Blake, W. H. Auden y Wu-Tang Clan.”

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Repasemos de entrada algunas de esas referencias o influencias culturales en su obra, dejando aparte las meramente literarias como Joyce o Yeats. Porque hay una serie de nombres que se repiten en varias crónicas. Así mondosonoro.com también argumenta:

“En algún momento de su vida, Kate Tempest descubrió el poder de la palabra y desde entonces decidió que sería el cruce perfecto entre dos hombres, John Cooper Clarke y Mike Skinner, con las mismas pelotas que James Williamson*, la misma mala leche, pero un vocabulario mucho más amplio.” 

*Se refiere al guitarrista, songwriter y productor que fue miembro de la icónica banda de proto-punk rock The Stooges, y que tuvo un papel destacadísimo en el tercer disco de la banda, Raw Power, que ayudó a componer.

Wu-Tang Clan es un grupo de rap originario de Staten Island, Nueva York. Está formado por 9 raperos y todos sus miembros han lanzado álbumes solistas, habiendo producido además a diferentes grupos y artistas. Convertirse en un imperio y tomar la comunidad hip-hop con variedad de artistas era la idea de entrada. A grosso modo su estilo se ha caracterizado por la dureza, beats surrealistas y letras agresivas cargadas de metáforas, referencias a la vida en el Staten Island o a la lucha del vivir de la calle, con referencias al folklore chino y a películas de artes marciales. (Fuente: Wikipedia).

John Cooper Clarke (Lancashire, 1949) es un poeta que se dedica a hacer performances, es decir, a recitar poesía en público. Se hizo famoso con la explosión del punk a finales de los 70 y es conocido como “el poeta del punk”. Ha publicado diversos álbumes en los 70 y los 80. “Es uno de los artistas más procaces, mordaces y estimulantes de la poesía performance de todos los tiempos. La palabra es su estoque, su campo de batalla, su (a menudo única) herramienta.” Ha compartido escenario por ejemplo con Sex Pistols, Buzzcocks, Elvis Costello o The Fall. Alex Turner de los Arctic Monkeys reconoce su influencia en la obra de este grupo, especialmente en el primer disco. “Poeta, músico y artista de performance que logró elevar el punk a un nivel literario que expresa la furia del movimiento creando una libertad personal por medio de la expulsión de palabras.”

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John Cooper Clarke

Mike Skinner (Birmingham, 1978) es un rapero, músico y productor inglés, que comandó un proyecto llamado The Streets. Un proyecto de hip hop y UK music garage, que quedó disuelto tras publicar 5 discos (1994-2011), dar una voz propia al rap británico e influir en esta escena y en el pop inglés. Multiinstrumentista, se encargaba de las voces, arreglos, mezclas, sintetizadores, teclados…Algunos medios como NME le consideran uno de los grandes letristas de nuestros días, capaz de transformar su monólogo interior en poesía.

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Mike Skinner

En este repaso de artistas que han influenciado a Tempest o afines a ella, nos viene perfecto un gran artículo publicado hace unos meses en la sección de música de Red Bull. Titulado Los sonidos del Brexit, nos sirve de maravilla para hacer un retrato de la situación sociopolítica, cultural y musical de Gran Bretaña, situando a Tempest en el contexto:

“¿Qué tienen en común Kate Tempest, Skepta y Sleaford Mods?

Es idea bastante consensuada que, como reacción al rodillo del thatcherismo, el pop británico canalizó su invierno del descontento en los años 70 y 80 con una creatividad casi inigualable en toda su historia. ¿Es aquello comparable con los tiempos actuales? Probablemente no a niveles masivos, pero sí están aflorando algunos artistas que, pletóricos de inspiración, han captado el espíritu de un momento presidido por la crisis económica, las políticas de austeridad, el rebrote conservador y la incertidumbre provocada por la amenaza del Brexit.”

Se detiene en la figura y obra de Tempest, y se habla de otra formación destacada, donde encontramos a otro Williamson: Andrew Fearn y Jason Williamson tienen 46 y 47 años, proceden de Nottingham y forman el dúo Sleaford Mods:

“(…) Enlazando con Kate Tempest y Skepta, sus influencias fundamentales para cambiar de rumbo fueron The Wu-Tang Clan y The Streets. (…) Desde los medios se les ha pintado como héroes o portavoces de la clase obrera, algo con lo que ellos nunca han querido sentirse identificados. Las suyas, sostienen, son canciones que retratan el día a día, cuentan lo que hay, lo que viven, lo que ven, lo que sienten. Y eso, claro, no es de buen rollo: las palabras escupidas vitriólicamente por Williamson surgen de la tragedia y el fracaso. Su lugar generacional también es diferente, situándose en la crisis de la mitad de los cuarenta.” 

Y según este interesante artículo, los 3 nombres citados en esa interrogación han acertado a la hora de plasmar la poesía desesperada del momento”.

Sleaford Mods

Sleaford Mods

Las mencionadas fuentes y otras citan otras influencias que no vamos a detallar. Simplemente nombremos a Linton Kwesi JohnsonGil Scott Heron, Michael Franti o Zack de la Rocha (ex Rage Against the Machine). Además hay que decir que Tempest ha hecho de telonera de su admirado John Cooper Clarke y que también ha apoyado actuaciones de otro ilustre activista, Billy Bragg (que se ha declarado admirador de ella). En cuanto a ella misma, y yendo al auténtico meollo de la cuestión, la pregunta sería a qué género se dedica o a cúal podemos adscribirla. La respuesta ya nos la han apuntado las anteriores reseñas: A varios y a ninguno en concreto. Algunos medios la presentan como rapera o cantante de hip hop, pero eso es evidentemente insuficiente e inexacto. Ni siquiera podemos decir que sea (estrictamente) música o songwriter. Kate es ante todo una escritora, poeta y también una autora teatral (“playwright”). Kate es una artista de la palabra hablada (“spoken word”). También utilizan otra palabra para definirla: Una rapsoda (“persona que recita poemas”).sf16_1200x627_katetempest

Kate se licenció en literatura en la Universidad de Londres, después de ir formándose en diversos centros. Su crecimiento y adolescencia fueron de todo menos tranquilos: Vivió en asentamientos okupas, participó en piquetes y manifestaciones contra la policía. Vivió de los 14 a los 18 años en una tienda de discos. Formó parte de las manifestaciones en Londres contra la guerra en Irak, lo cual ha declarado que le abrió los ojos al constatar que la opinión de miles y miles de personas no iba a cambiar la intención de algunos gobiernos ni el curso de la guerra. Así que a nuestra Kate ya podemos añadirle otra etiqueta a su variado currículum, y ganada a pulso: Activista.

Nos ayuda a entender todo esto el lugar y el contexto donde creció, Brockley. Nos lo explica EL PAÍS:

“¿De dónde sale la gran esperanza del micro y las letras británicas? De ­Brockley, una zona empobrecida del sureste londinense, donde la población de origen africano, caribeño y asiático alcanza el 50% de los habitantes. Crecer en Brockley en la década de los noventa la instaló por defecto en la tradición de jazz, spoken word y hip-hop —antes de que las clases creativas arrasaran la zona se podían encontrar una docena de actuaciones gratuitas semanales con micro abierto—, y fue en esos locales donde Tempest empezó a recitar en la adolescencia.”

Y así es. La chica tormenta intentó empezar como rapera y artista de hip hop. A los 16 años se estrenó en una noche de micros abiertos, en una pequeña tienda de hip hop en Carnaby Street, Londres. Pero aquéllo no la llevaría al triunfo ni a la fama. Una amiga le aconsejó a los 20 años que cambiara el foco, y se presentó a un evento donde se recitaba poesía…

“Fue en la improvisación y las batallas rapsodas donde se hizo un nombre rápidamente. Tras convertirse en la poeta joven más fulgurante de Reino Unido, volvió a la música. Fue al rapear ante uno de sus ídolos —GZA, de los legendarios Wu-Tang Clan— cuando comprendió que podía ser todo a la vez.” 

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Kate comprende que esa combinación explosiva (letras/poesía + música/rap) es la idónea, y efectivamente ahí empieza a arrasar. Se publican diversas obras literarias y también sus discos. Se estrena en este terreno con su primer disco de spoken word, Broken Herd (2010), y en el 2011 aparece Balance, al frente de la banda Sound Of Rum. Después el mencionado primer disco en solitario, Everybody Down (2014), por el que es nominada ese mismo año al Mercury Price. Hasta llegar a su segundo disco, el que nos ocupa. Es aclamada por gran parte de la crítica mundial y su fama se expande por todo el globo. Claro que este éxito y este reconocimiento -pese a que escriben sobre ella prestigiosos medios- nada tiene que ver con radiofórmulas o televisiones mainstream, con arrasar comercialmente, MTV’s, los 40 Principales o cosas así. Pero además lo gordo es que esa aclamación de la crítica ya no solo le llegará a través de sus discos, sino de su obra literaria y de la fusión e innovación que hace de ambas cosas. Los medios anglosajones lo explican con mucho más detalle. La artista que podía haberse limitado o refugiado en la literatura, pero que prefirió micrófonos y escenarios porque “el rap le cambió la vida”. The Guardian, en un artículo del 2013 dice de ella (contundente y clarificador):

“Anyone who has seen her on stage knows she is one of the brightest British talents around. Her spoken-word performances have the metre and craft of traditional poetry, the kinetic agitation of hip-hop and the intimacy of a whispered heart-to-heart.”

(Y más adelante):

“Something about Tempest’s manner, even in conversation, gives you the sense of immediate intimacy. She says she puts everything into her poetry, but is she also the sort of person other people want to tell their secrets to? Yes. All the time. And total strangers.” (Contesta ella).

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Su segundo libro de poemas, Hold Your Own (2014) “ha sido traducido al castellano en “Mantente firme” (La Bella Varsovia) y la compañía catalana de teatro Íntims Produccions ha estrenado “Wasted”, llevando este animalario anglosajón a las calles de Lleida con éxito.” (mondosonoro.com). Wasted (2013) es la última de sus 3 obras de teatro. Brand New Ancients es la performance de spoken word que le valió ese premio Ted Hughes, mientras que The Bricks That Built The Houses es su estreno como novelista en el 2016.0b44c906459fe636135db19d8ee1fc6e-1000x1000x1Volvamos a echar mano de Rockdelux:

“Su último trabajo, “Let Them Eat Chaos” (…) es un retrato coral sobre siete personajes que comparten tiempo (las 4:18 de la madrugada de un día cualquiera) y espacio (un bloque de pisos en los suburbios de Londres). Siete personajes que sufren insomnio, siete razones para padecer insomnio en los tiempos que corren. Un disco que, de entrada (no es su único valor), sorprende por trazar un arco narrativo con principio y final, como una ópera rock, aunque en este caso la autora da voz a todos los personajes. Y no es la única diferencia con este género. Quizá algún día se lleve a los escenarios…”

Se ha editado, atención, en disco y en libro. Tempest entrelaza las historias de 7 personajes que no se conocen entre sí. “Siete vecinos de un barrio de Londres (…) elucubrando a las 4:18 sobre el naufragio de sus vidas.” Sus problemas les mantienen despiertos después de un día muy duro, pero también se cierne una tormenta afuera -metafórica y real- que les hará salir a la calle. La autora vierte de una forma brutal una serie de temáticas, que van desde lo íntimo y sempiternamente humano -la soledad, la incomprensión, los miedos, la angustia, el stress y sinsentido de la vida moderna, la alienación- hasta las cuestiones de máxima actualidad que podemos calificar de sociopolíticas: La precariedad laboral, la pobreza, la exclusión, el drama de los refugiados, la inmigración, la guerra, el consumismo, el acoso a los derechos humanos, la xenofobia y el rechazo, la derechización de gobiernos y políticas, la llegada de Donald Trump, el terrorismo, la crisis de valores, el cambio climático, el Brexit, las horas bajas por las que pasa el Viejo Continente, la radicalización de las juventudes de ambientes marginales…

And you know (perfectly): Podríamos seguir, porque seguro que me dejo unos cuantos asuntos en el tintero. El corte que probablemente combina muchas de estas temáticas de forma más clara y rotunda es Europe Is Lost, single del disco y título lo suficientemente contundente.

“Más que un disco, “Let Them Eat Chaos” es una visita guiada por los servicios sociales (británicos, eso sí, aunque no hace falta mucha imaginación para generalizar), entre sudores, cerveza y sangre; un reportaje sobre la vida real en la que Kate Tempest narra vidas de gentes corrientes…” (mondosonoro).

“Londres, gigantesca e inabarcable, se convierte en su nuevo álbum en un espacio en el que sus habitantes sobreviven buscando afecto y solidaridad. Tempest crea y recrea unos cuerpos que se mueven frente a la soledad, pero que forman parte de un todo.” (EL PAÍS).

Nada está hecho al azar, y por supuesto tampoco el escoger las 4:18 AM como momento para trazar ese retrato coral. Preguntada al respecto, Tempest nos ilumina con un ojo agudo que desarma:

“La razón por la que he elegido una hora concreta de la madrugada es porque deja libres un montón de posibilidades narrativas para construir cada uno de los personajes. Si te preguntas quién está despierto y por qué a las cuatro y dieciocho de la mañana, te vas a encontrar a personas en un momento y un lugar muy vulnerable de sus vidas. Es interesante para mí pensar en ese momento y en esa hora porque si me encuentro despierta antes del amanecer, es que algo no va demasiado bien, y puede que esté bloqueada en unos pensamientos que pueden ser, sin embargo, muy reveladores. Por eso quise estructurar el disco así, haciendo del tiempo un concepto.” (Entrevista a mondosonoro).

“At that time in the morning, people are open with their vulnerabilities because they are not in the previous day or the coming day. The day doesn’t belong to anyone yet.” (Entrevista a NPR.org).

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Los músicos que acompañan a Tempest. Porque la cosa no va solo de spoken word o hip hop: Tenemos teclados y sintetizadores, efectos electrónicos y los estilos musicales conocidos como “grime” y “dubstep”. Let Them Eat Chaos, álbum producido por el reputado Dan Carey

Europe is lost, America lost, London is lost,  Europa está perdida, América perdida, Londres está perdido,
Still we are clamouring victory.  Y aún así estamos clamando victoria.
All that is meaningless rules,  Todo eso son reglas sin sentido,
And we have learned nothing from history.  Y nada hemos aprendido de la historia.
People are dead in their lifetimes,  La gente son muertos en vida,
Dazed in the shine of the streets.  aturdidos por el brillo de las calles.
But look how the traffic keeps moving.  Pero miran cómo el tráfico sigue en movimiento.
The system’s too slick to stop working.  El sistema es demasiado escurridizo para dejar de funcionar.
Business is good. And there’s bands every night in the pubs,  El negocio es bueno. Y hay bandas cada noche en los pubs,
And there’s two for one drinks in the clubs.  Y hay ofertas dos por uno de bebidas en los antros.
We scrubbed up well  Nos hemos acicalado bien
We washed off the work and the stress  Nos hemos sacado de encima el trabajo y el estrés
Now all we want’s some excess  Ahora todo lo que queremos es un poco de exceso
Better yet; A night to remember that we’ll soon forget.  Mejor aún; Una noche para recordar que pronto olvidaremos.
All of the blood that was shed for these cities to grow, Toda la sangre que fue derramada para que estas ciudades crecieran,
All of the bodies that fell.  Todos los cuerpos que cayeron.
The roots that were dug from the ground  Las raíces que fueron arrancadas de la tierra
So these games could be played  Para que pudieran practicarse estos juegos 
I see it tonight in the stains on my hands.  Lo veo esta noche en las manchas de mis manos.
The buildings are screaming  Los edificios están gritando
I cant ask for help though, nobody knows me,  Sin embargo no puedo pedir ayuda, nadie me conoce,
Hostile and worried and lonely.  Hostiles, preocupados y solitarios. 
We move in our packs and these are the rites we were born to  Nos movemos en nuestras pandillas y estos son los ritos por los que nacimos
Working and working so we can be all that we want  Trabajar y trabajar para ser todo aquello que queremos.
Then dancing the drudgery off  Después bailamos para sacudirnos la monotonía del trabajo
But even the drugs have got boring.  Pero hasta las drogas se han vuelto aburridas.
Well, sex is still good when you get it.  Bueno, el sexo todavía está bien cuando lo consigues.
To sleep, to dream, to keep the dream in reach  Dormir, soñar, mantener los sueños a nuestro alcance
To each a dream,  Para cada cual un sueño,
Don’t weep, don’t scream,  No llores, no grites,
Just keep it in,  Tan sólo mantente ahí dentro,
Keep sleeping in  Sigue soñando ahí dentro
What am I gonna do to wake up?  ¿Qué voy a hacer para despertar?
I feel the cost of it pushing my body  Siento todo ese precio empujando mi cuerpo
Like I push my hands into pockets  Igual que empujo mis manos dentro de los bolsillos
And softly I walk and I see it, it’s all we deserve  Y sutilmente camino y lo veo, eso es todo lo que merecemos
The wrongs of our past have resurfaced  Los errores de nuestro pasado han resurgido
Despite all we did to vanquish the traces  A pesar de todo lo que hicimos para superar las huellas
My very language is tainted  Todo mi lenguaje está contaminado
With all that we stole to replace it with this,  Con todo lo que hurtamos con tal de sustituir esto por lo otro,
I am quiet,  Estoy tranquila,
Feeling the onset of riot.  Sintiendo el inicio de la revuelta.
But riots are tiny though,  Pero las revueltas sin embargo son diminutas,
Systems are huge,  Los sistemas son descomunales,
The traffic keeps moving, proving there’s nothing to do.  El tráfico sigue moviéndose, demostrando que no hay nada que hacer.
It’s big business baby and its smile is hideous.  Es el gran negocio, baby, y su sonrisa es espantosa.
Top down violence, structural viciousness.  Violencia de arriba abajo, maldad estructural.
Your kids are doped up on medical sedatives.  Tus niños están dopados con sedantes de los médicos.
But don’t worry bout that. Worry bout terrorists.  Pero no te preocupes por eso. Preocúpate por los terroristas.
The water levels rising! The water levels rising!  ¡El nivel de las aguas está subiendo! ¡El nivel de los mares está aumentando!
The animals, the polarbears, the elephants are dying!  ¡Los animales, los osos polares, los elefantes están muriendo!
Stop crying. Start buying.  Deja de llorar. Empieza a comprar.
But what about the oil spill?  Pero…¿qué pasa con el vertido de petróleo?
Shh. No one likes a party pooping spoil sport.  Shh.  A nadie le gustan los aguafiestas.
Massacres massacres massacres/new shoes  Masacres, masacres, masacres / zapatos nuevos
Ghettoised children murdered in broad daylight by those employed to protect them.  Los niños del ghetto asesinados a plena luz del día por aquellos encargados de protegerles.
Live porn streamed to your pre-teens bedrooms.  Porno en vivo retransmitido a preadolescentes en sus dormitorios.
Glass ceiling, no headroom. Half a generation live beneath the breadline.  Techo de cristal, sin más altura. La mitad de una generación vive por debajo del nivel de pobreza.
Oh but it’s happy hour on the high street,  Oh, pero es la hora feliz en la calle principal,
Friday night at last lads, my treat!  Noche de viernes por fin, chicos, ¡es mi regalo sorpresa!
All went fine till that kid got glassed in the last bar,  Todo fue bien hasta que ese chico se emborrachó en el último bar,
Place went nuts, you can ask our Lou,  Se volvió loco en ese sitio, podéis preguntarle a Lou.
It was madness, the road ran red, pure claret.  Fue una locura, la calle se volvió roja, color burdeos.
And about them immigrants? I cant stand them.  ¿Y qué pasa con los inmigrantes? No los aguanto.
Mostly, I mind my own business.  Normalmente, sólo me preocupan mis propios asuntos.
But they’re only coming over here to get rich.  Es que solo están llegando aquí para hacerse ricos.
It’s a sickness.  Es una enfermedad.
England! England! ¡Inglaterra! ¡Inglaterra!
Patriotism!  ¡Patriotismo!
And you wonder why kids want to die for religion?  ¿Y te preguntas por qué los esos chicos quieren morir por su religión?
Work all your life for a pittance,  Trabajas toda tu vida por una miseria,
Maybe you’ll make it to manager,  Quizá llegues a ser encargado,
Pray for a raise  Rogando por un aumento de sueldo
Cross the beige days off on your beach babe calendar.  Pasando sus mediocres días libres frente a un calendario con chicas de playa. 
Anarchists desperate for something to smash  Los anarquistas se desesperan por algo que destrozar
Scandalous pictures of glamorous rappers in fashionable magazines  Fotos escandalosas de raperos glamurosos en revistas de moda
Who’s dating who?  ¿Quién está liado con quién?
Politico cash in an envelope  Políticos corruptos se pasan dinero en un sobre
Caught sniffing lines off a prostitutes prosthetic tits, Sorprendidos esnifando rayas sobre las tetas postizas de una puta,
And it’s back to the house of lords with slapped wrists  Es hora de volver a casa (la Cámara de los Lores) con una amonestación menor
They abduct kids and fuck the heads of dead pigs  Secuestran niños y se follan cabezas de cerdos muertos
But him in a hoodie with a couple of spliffs  Pero al que va con una sudadera con capucha y lleva un par de porros
Jail him, he’s the criminal.  A la cárcel con él, es un criminal.
It’s the BoredOfItAll generation  Es la generación de los aburridos de todo
The product of product placement and manipulation,  El producto de la publicidad insertada y la manipulación,
Shoot em up, brutal, duty of care, Los que se pasan el día disparando (en videojuegos), los embrutecidos, los que precisan vigilancia o asistencia,
Come on, new shoes.  Vamos, zapatos nuevos.
Beautiful hair.  Un bonito peinado.
Bullshit saccharine ballads  Baladas endulzadas llenas de gilipolleces
And selfies  Y selfies
And selfies  Y selfies
And selfies  Y selfies
And here’s me outside the palace of ME!  ¡Y aquí estoy fuera de mi propio palacio!
Construct a self and psyhcosis  Construyendo un ego y psicosis
And meanwhile the people are dead in their droves  Y mientras tanto, la gente muere en masa
But nobody noticed,  Pero nadie se da cuenta,
Well actually, some of them noticed,  Bueno, sí, algunos se han dado cuenta,
You could tell by the emoji they posted.  Lo sabemos por los emoticonos que han posteado.
Sleep like a gloved hand covers our eyes  Dormimos como si una mano enguantada cubriera nuestros ojos
The lights are so nice and bright and lets dream  Las luces son tan hermosas y brillantes…así que soñemos
But some of us are stuck like stones in a slipstream   Pero algunos de nosotros estamos atrapados como piedras tras una estela
What am I gonna do to wake up?  ¿Qué voy a hacer para despertar?
We are lost  Estamos perdidos
We are lost  Estamos perdidos
We are lost  Estamos perdidos
And still nothing  Y aún así nada
Will stop  Se detendrá
Nothing pauses  Nada se para.
We have ambitions and friends and our courtships to think of  Tenemos ambiciones y amistades y noviazgos en los que pensar
Divorces to drink off the thought of  Y divorcios que superar a base de bebida
The money  El dinero
The money  El dinero
The oil  El petróleo
The planet is shaking and spoiled  El planeta está temblando y echado a perder
Life is a plaything  La vida es un juego
A garment to soil  Una prenda que embarrar (en la que cagarse)
The toil, the toil.  La explotación, la explotación.
I cant see an ending at all. No puedo ver un final en concreto.
Only the end.  Sólo que habrá un final.
How is this something to cherish?  ¿Cómo puede amarse algo así?
When the tribesmen are dead in their deserts  Cuando los miembros de las tribus son asesinados en sus desiertos
To make room for alien structures,  Para hacer sitio a construcciones ajenas al lugar,
Develop  Desarrollo
Develop  Desarrollo
Kill what you find if it threatens you.  Mata lo que encuentres si ello te amenaza.
No trace of love in the hunt for the bigger buck,  No hay rastro del amor en la persecución de la pasta gansa,
Here in the land where nobody gives a fuck.  Aquí, en la tierra donde a nadie le importa una mierda.

(La traducción de la letra ha sido realizada por el blog vocesdelextremopoesia.blogspot.com.es, a quienes hay que agradecérselo enormemente. Sin embargo he hecho unos cuantos retoques).

El vídeo que acompaña al tema es realmente impagable (realizado por un fan alemán llamado Manuel Braun). Refleja el mundo en el que vivimos, que podemos calificar como mínimo de caótico, incomprensible, doloroso y muy posiblemente en descomposición. Kate lo remacha en una entrevista:

“It’s just fucking hysteria. We are living in this absolute madness. Absolute fucking madness.”

Hay que decir, para ser fieles a los hechos, que esta canción viene acompañada de una introducción que no forma parte del tema en sí. En esa introducción se nos presenta a uno de los inquilinos de ese edificio de Londres: Esther, una cuidadora social que hace turnos de noche. Para los interesados (y Kate sí recita esa introducción a continuación) la tenemos en esta web.

Incluso para los que a título personal no nos atrae ni entusiasma el rap, creo que cae por su propio peso que quizá este género más que cualquier otro es perfecto para expresar toda esa rabia, las protestas, los problemas sociales. Pero le he cogido el gustillo, viendo y escuchando este tema y otros de la artista. Igualmente me parece que hay que estar ciego y sordo para no saber apreciar el descomunal talento de esta rapsoda poeta: Ya no solo por componer todas esas obras y esos versos -y escupirlos-: Es que viéndola se hace evidente que todo ese torrente de palabras esta ahí, en su cabeza.

La letra de este tema, las letras de Kate Tempest (también las de su obra literaria) permiten que me dé el lujazo de utilizar una expresión que aún no había empleado en este blog…

Verdades como puños

 

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KC & The Sunshine Band: Please Don’t Go

Hoy toca ponerse nostálgicos, nostálgicos de verdad, y también romanticotes. Esta canción fue un exitazo en 1979 y creo que todos la recordamos perfectamente. Tengo la percepción y el recuerdo de que aquí en España absolutamente arrasó y sonó mucho. En este momento no sé hasta qué punto -más tarde buscaré datos- pero consultando su impacto en los charts sí que podemos constatar: Número uno en Australia y Canadá, número 3 en Nueva Zelanda y Gran Bretaña, número 4 en Noruega, 5 en Irlanda o 7 en Holanda. Número 1 en el Billboard Hot 100 estadounidense, siendo además el primer número uno en ese chart en la década de los 80. Quinto número uno y último de la banda que entró en el Billboard Hot 100, y además fue la primera balada romántica del grupo.32b-2bk-c-and-the-sunshine-band-please-dont-go-t-k-recordsGrandísima balada, en verdad muy romántica, pero en contraste tenemos que reseñar dos curiosidades enormes e imposibles de pasar por alto: La primera, que KC & The Sunshine Band es -aún están en activo- una banda que facturó y factura música disco, funk, R&B, pop y dance. Y la segunda, que en sus años dorados fueron una auténtica fábrica de grandes éxitos, que vendrán después en cascada. Chapeau a estos señores.kc-the-sunshine-band-e1452033459896Sobre la llegada de esta canción a las listas de éxitos y la coyuntura de aquellos años, son muy interesantes las explicaciones y reflexiones que nos brinda un artículo en la web vinilonegro.com. Leamos:

“Un 5 de enero de 1980 llegaba al #1 de las listas americanas de singles Please Don’t Go de KC & The Sunshine Band. La canción solo estuvo una semana en lo más alto, sin embargo es una de las canciones favoritas no solo del grupo, sino de toda la década de los 80. (…) La canción se había lanzado curiosamente un 12 de julio de 1979, y esa fecha es el día del famoso Disco Demolition Night de Chicago. Ese día más de 50.000 fans se citaron en el Comiskey Park para destruir todo lo que tuviera que ver con la música disco.

Curioso, KC & The Sunshine Band, un grupo de música disco, lanza una balada, el día que se destruyen miles y miles de copias del sonido disco. Hubo un punto en 1979, que la música disco lo dominaba todo, cualquier artista que quisiera triunfar, tenía que hacer música disco o coquetear con la música disco. Artistas como Barbra Streisand, Barry Manilow, The Rolling Stones, etc, lo hicieron, para luchar contra los Bee Gees, Donna Summer, Gloria Gaynor o KC & The Sunshine Band.

La música disco se había posicionado desde principios de los 70 y le fue ganando terreno al rock de tal manera que cuando en febrero de 1979 la música disco arrasó en los Grammy, se creyó ver cómo la música disco se comía al rock y para algunos fue demasiado. Fiebre del Sábado Noche y John Travolta fueron odiados por mucha gente, ejemplarizaban el triunfo de lo blanco y de lo heterosexual, en una sociedad que cambiaba cada cinco minutos. Lo cierto fue que desde finales de 1979, la música disco comenzó a desaparecer del lenguaje musical, y las discográficas comenzaron a llamarlo dance, para evitar los odios.

Harry Wayne Casey, el líder precisamente de los KC & The Sunshine Band dijo que Disco Demolition Night, en sí mismo no era discriminatorio y creía simplemente que los que habían organizado esto eran idiotas y que la música disco no era ni homófoba, ni racista, pero sea como fuere, la música disco se disipó, ya fuera o no por el evento de Chicago. En sí mismo, y como dijo Casey, organizar un evento para meter a 50.000 personas en un estadio para que destruyan sus propios discos con una apisonadora, en sí es una idiotez.” 

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“La música disco apesta”: Diversas imágenes de la Disco Demolition Night en Chicago, aquella noche de 1979. Hay muchas más…

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Soy un rockero de corazón, pero ante todo un amante de la música. Que nunca muera la música disco, ni ningún otro género. Por favor, cómo se puede ser tan corto de miras, tan notas y tan intransigente. Ese evento, que fue una auténtica payasada, lo organizó un tal Steve Dahl. No deberías perderte este interesantísimo reportaje en la web Agente Provocador, con un montón de fotografias…

Pero hablemos de la KC and the Sunshine Band, de la formación y orígenes de la banda. Fue fundada en 1973 en Hialeah, Florida, por el que sería alma y vocalista del grupo: Harry Wayne Casey. El nombre viene de tomar el último apellido de éste –Casey– ya que se lee como KC (o K. C., aparecerá en ambas formas en las portadas de los discos) y por supuesto porque Florida es el Sunshine State. Casey trabajaba como empleado en una tienda de discos y también a tiempo parcial en la discográfica TK Records de dicha población. Primero se llamaban KC & The Sunshine Junkanoo Band, ya que usaba miembros de la TK y también de una banda local llamada Miami Junkanoo Band. Le presentaron a Richard Finch, asistente de sonido de la TK, y ahí empezó su fructífera colaboración. A ellos se unirían el guitarrista Jerome Smith y el batería Robert Johnson, ambos músicos de sesión de dicho sello. Pero la formación de hecho era bastante numerosa, y una perfecta muestra de la América interracial, pues la mayoría de miembros eran de raza negra. Tenían además dos vocalistas también negras, y otros miembros veteranos y destacados que se unirían tras un parón fueron Fermín Goytisolo y Beverly Champion.

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Hay numerosísimas fotos de la banda. Richard Finch con camisa blanca y Wayne Casey con camisa a cuadros, los dos fundadores y ambos de raza blanca

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De izquierda a derecha los cuatro miembros originarios: Jerome Smith, Wayne Casey, Robert Johnson y Richard Finch

4Al igual que existen innumerables fotografías de la formación en aquellos años…61qv5i39sal…y de los tiempos actuales, donde la banda sigue haciendo giras y repasando sus clásicos…kc_26_the_sunshine_band114123_show_landscape_large_017794142…también existen muchas páginas web donde se cuenta su historia y se repasa su biografía. En una de ellas se recoge una entrevista a Finch, donde explica cómo empezó a entenderse con KC y a usar los estudios TK…

“Él (Casey) se dio cuenta que yo tocaba el bajo y la batería, y yo me di cuenta de que él tocaba el teclado. Por eso cuando no había nadie en el estudio por las noches, subíamos a ver qué música sacábamos. Mucha gente tiraba cinta de grabación simplemente porque no sabía cómo borrarla correctamente. La cinta era cara, por eso yo la sacaba del basurero, la borraba y la usaba para grabar.”

Sus dos primeros singles, con éxito moderado en los charts USA de R&B, fueron Blow Your Whistle (septiembre de 1973) y Sound Your Funky Horn (febrero de 1974). Funk del bueno, señores. Poco después, trabajando en algunas maquetas, Casey y Finch escribieron y produjeron la canción Rock Your Baby, el single de debut de George McCrae: Número uno en el Billboard Hot 100 USA, número uno en los charts R&B USA, número 1 en los charts UK…¡¡y número 1 en 51 países a mediados de 1974!! Once millones de copias vendidas. Aquí tenemos al propio McCrae cantando el tema.

hqdefaultSigamos con sus grandes éxitos. Con la publicación de su segundo álbum homónimo -julio de 1975- llegarían otros dos números uno: Get Down TonightThat’s The Way (I Like It). Otros dos monumentos del funk. Vaya, la intención de este post inicialmente era resaltar la belleza de un gran hit romántico, y sin embargo nos hemos puesto el traje funky, hemos saltado a la pista de baile y nos hemos puesto a mil revoluciones. Pero es que esta banda bien lo merece.116255724r-415756-1200844068-jpegCon su álbum Part 3 (1976) llegarían otros dos número uno: I’m Your Boogie Man y otra que en absoluto necesita presentación: (Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty. Todavía cosecharían un número 2 con Keep It Comin’ Love, antes de que llegara justamente su último número uno y éxito sonado: Please Don’t Go. Después irrumpiría el movimiento new wave y la música disco empezaría a vivir un declive. La banda probó con otros estilos y también cambió de sello discográfico, fichando por Epic Records.

A principios de los 80 la relación entre Casey y Finch empezó a deteriorarse. Sus dos álbumes del 81 obtuvieron poco éxito, pero su disco del 82 volvió a colocarles en lo alto de las listas británicas y americanas, gracias a una canción también harto conocida: Give It Up. Sin embargo, por problemas burocráticos Epic se negó a sacar el tema como single. Casey fundó su propio sello y la editó. Estaba desencantado y todo ello acabó con su retiro en 1985.kc2014Un resurgimiento del interés por la música disco en 1991 hizo que KC resucitara al grupo, incorporando nuevos miembros. Algunos de los miembros originales habían muerto. Robert Johnson murió a los 30 años víctima de un cáncer -en los 80-, mientras que Jerome Smith moriría en el 2000 -con 47 años- en un accidente de trabajo, mientras operaba un bulldozer en la construcción.

Desde entonces y hasta nuestros días siguen actuando. Han editado unos cuantos álbumes recopilatorios y algún material nuevo. El disco I’ll Be There For You del 2001 obtuvo buenas críticas pero poca repercusión.

Como colofón, decir que sus temas han sido usados en muchísimos spots publicitarios, en diversos videojuegos y han sido incluidos en más de 75 películas…

“His music has also been featured in over 75 movies such as “Forrest Gump” (Get Down Tonight), “Boogie Nights” (Boogie Shoes), “Boys Don’t Cry” (Rock Your Baby), “Rush Hour” (Get Down Tonight), “Carlito’s Way” (Rock Your Baby, Shake Your Booty and That’s The Way I Like It), and “Austin Powers in Goldmember”.”

Una banda clasificada bajo la etiqueta de música disco, pero que facturó a la vez un funk a la altura de unos Earth, Wind & Fire, por ejemplo. Y sin embargo también será recordada por esta balada, en unos años en que la música disco hacía furor. Era el tema obligado para salir a la pista a bailar “lentos”, a bailar agarrados y estoy seguro que sirvió a muchísima gente para declararle sus sentimientos a otra persona. No es extraño, me parece un tema increíblemente tierno y bonito, y sin duda será recordado por derecho propio.

No quiero irme sin decir que, aparte de la melodía, me parece notable la consistencia instrumental que adquiere el tema según va ganando en intensidad. Tambien es uno de los motivos por los que recuerdo la canción: Los teclados, la percusión, la omnipresente pandereta, ese doble golpeo del bajo…En este segundo vídeo la calidad de la imagen es algo mejor…

Qué injustas son las cosas…Dije que investigaría qué había pasado en las listas españolas…Según esta web donde se recogen los números 1 en 1979/80, este tema no aparece en los charts españoles. Sin embargo, en 1992, el grupo italiano de eurodance Double You hizo una versión plenamente bailable que arrasó en toda Europa: Número uno en España y muchos otros países, además de recibir numerosas certificaciones…

“Double You fue un grupo Eurodance que empezó su andadura en 1985, cuando el cantante William Naraine (británico de madre italiana y padre indio), empezó a producir y escribir demos de canciones junto a sus amigos Franco Amato y Andrea de Antoni.

En 1992 saltaron a la fama en el ambiente dance con la canción “Please Don’t Go”, de la que se vendieron 3 millones de copias y fue la canción dance más bailada del año. 

Con “Please Don’t Go” ganaron varios discos de oro y platino en países como Italia, Alemania, Francia, Holanda, España, Bélgica, Suiza, Austria, Grecia, Turquía, toda Sudamérica, así como varios países de África y Asia. El disco fue un TOP 10 en la lista de maxis de Estados Unidos, y número 2 en la lista “Cool Cuts” británica.”double-you-please-dont-go-sencillo-cancion

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U2 & Bruce Springsteen: Where the Streets Have No Name / I Still Haven’t Found What I’m Looking for

Y seguimos plenamente en la década de los 80, y seguimos todavía con resaca U2

Cierto rockero y cantante de New Jersey, ahora de fama universal, hace mucho tiempo que debió darse cuenta de que el Where the Streets Have No Name es todo un himno y un monumento al rock, un trallazo sustentado en un furioso e impagable rasgueo de guitarra. La energía que desprende este tema es tal que no es de extrañar que case totalmente con el Boss, a quien vemos y escuchamos aquí junto con otro de los grandes himnos de los irlandeses.

Pero detrás de esta actuación y de este evento hay toda una historia, incluso una anécdota y un porqué. Cuando los tres instrumentistas irlandeses atacaron esa introducción tan épica no fue Bono el que apareció ante el respetable, para sorpresa de éste. En el interior de esa gran cabina acristalada y metalizada en rojo, apareció Bruce Springsteen para cantar estos dos temas. Tenemos que rebobinar…US-WORLD-AIDS-DAY-NYCEl show tuvo lugar el pasado 1 de diciembre del 2014, en pleno Times Square neoyorquino. Se trataba de un concierto benéfico para recoger fondos para luchar contra el SIDA, en el marco del World AIDS Day (también conocido como RED). El Bank of America presentaba el concierto y contribuyó a la causa donando 3 millones de dólares a dicha organización.

Me es inevitable una vez más acordarme de los detractores del grupo irlandés, de todos los que les critican por múltiples razones. Así que antes de continuar voy a añadir un apéndice a esa actuación en Times Square. Apéndice especialmente dedicado a todos aquellos que tachan a U2 de “falsos”, de “hipócritas”, de “mesiánicos”, de “hacer el papelón” o de “estar conchabados con el poder”: En noticia fechada poco después -febrero del 2014- se nos explica que U2 volvió a colaborar con dicha organización (RED) y con la Global Fund to Fight AIDS, Tuberculosis and Malaria, durante un período de 36 horas y empezando en la anterior celebración de la Super Bowl. Mediante la descarga directa de un nuevo tema –Invisible– lograron recaudar otros 3 millones de dólares para dichas causas. De nuevo el Bank of America volvía a donar un dólar a RED por cada descarga gratuita del tema…red3red_theedgeU2 estaba previsto que realizara una actuación “regular” en ese centro neurálgico neoyorquino, de forma totalmente sorpresiva. Todos los preparativos se llevaron con mucho secretismo, mientras los irlandeses atendían esos días diversos compromisos en Nueva York. Hasta unas 5 horas antes no lo anunciaron en su web. Así que los atónitos habitantes, transeúntes y turistas de la Gran Manzana, para nada podían esperarse presenciar una actuación de U2 en plena calle, aquella tarde-noche lluviosa de lunes. La gente, que no tuvo que pagar nada y que de hecho no empezó a enterarse hasta las 2:30 de esa tarde, no podía creérselo. Pero cuando empezó esa actuación, y para acrecentar todavía más esa sorpresa, a Bono no se le veía por ninguna parte, y no fue el vocalista del grupo el que salió para encararse al micrófono, sino otros dos señores…   kevinmazur_chris_edgered_springsteen2Y existía una razón bastante poderosa para esa ausencia de Bono: El vocalista había sufrido un accidente de bicicleta en Central Park, el pasado mes de noviembre -según las distintas informaciones, parece que fue el domingo día 16- al intentar evitar a otro ciclista. Y el accidente no fue ninguna broma, o mejor dicho sus consecuencias. Según uno de los doctores que le atendió, Dean Lorich, se vio involucrado en un “high energy bicycle accident”. Necesitó 5 horas de intervención quirúrgica, ya que sufrió múltiples fracturas: Una fractura facial que implicaba la cuenca del ojo izquierdo, tres fracturas separadas en el hombro izquierdo y una fractura del hueso húmero también en la parte izquierda, que le dejó el hueso aplastado en 6 puntos diferentes. Se le tuvieron que implantar diversas placas metálicas. Tremendo. Sin ser algo gravísimo, es una caída de consecuencias evidentemente aparatosas.Pero U2 no renunció a ese concierto en Nueva York el World AIDS Day. Ya vemos a Bono agarrando el teléfono y buscando sustitutos frente al micrófono. Es difícil decirle “no” a Bono, y más todavía decirle “no” a un Bono hecho papilla accidentado, como bien razona una de las crónicas. Y encontró a esos sustitutos. Uno fue Chris Martin, el cantante de Coldplay -otra formación bastante denostada-, y el otro fue por supuesto Bruce Springsteen.red_martin1Martin de hecho fue el que abrió el show, interpretando Beautiful DayWith or Without You, y lo hizo muy bien. Entonces los U2 sin Bono, que se habían rebautizado a sí mismos como “U2 Minus One” dejaron el escenario, porque había otros invitados al show. En realidad The Edge no lo abandonó y se calzó una nueva guitarra al hombro y fue el que presentó a la siguiente invitada como “the reigning queen of country”: Carrie Underwood salió al escenario con sus músicos para interpretar dos temas. Detrás de ella vino Kanye West -menudo cartel- interpretando un medley de diversos temas propios. rs-176159-world-aids-day-120114red_west2kevinmazur_groupFinalmente el Boss cerró la actuación, que en conjunto solo duró unos 48 minutos. Where the Streets Have No Name y I Still Haven’t Found What I’m Looking for fueron interpretadas con toda la furia y el sentimiento de Springsteen, respectivamente. Merece la pena ver y escuchar a Springsteen rugir los versos iniciales del tema…

I wanna run, I want to hide
I wanna tear down the walls
That hold me inside.
I wanna reach out
And touch the flame
Where the streets have no name.

No era la primera vez que el Boss y U2 se subían juntos a un escenario para interpretar dichos temas. Lo habían hecho por ejemplo en dos ceremonias en el Rock and Roll Hall of Fame (2005 y 2009). Y en julio del 2015 Springsteen clausuró uno de los conciertos de U2 en el Madison Square Garden cantando con ellos el I Still Haven’t Found What I’m Looking for. Bono tuvo palabras elogiosas para el norteamericano, señalando cúanta influencia había ejercido en ellos y agradeciéndole el haberle sustituido el año pasado cuando él estaba convaleciente.red_springsteen1red_springsteen_theedge¿Qué puedo decir? Una actuación de altos vuelos y además por causas muy dignas. Absolutos temazos de los irlandeses respaldados por dos cantantes excelentes. Quizá haya calles que no tengan nombre, pero aquéllas fueron las calles donde U2, Springsteen y compañía aparecieron para actuar y donde mucha gente se encontró algo hermoso sin haberlo estado buscando.

El vídeo con los dos temas a cargo de Martin y los dos a cargo del Boss, con el minutaje correspondiente…

Beautiful Day (ft. Chris Martin) 00:00

With or Without You (ft. Chris Martin) 4:41

Where the Streets Have No Name (ft. Bruce Springsteen) 10:01

I Still Haven’t Found What I’m Looking for (ft. Bruce Springsteen) 15:50

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Mew: 156

Casi seguro que éste va a ser el título más corto para una entrada que pueda surgir en este blog. Donde más economice en carácteres, tanto en el nombre del grupo como en el de la canción…

El blog que me permitió descargarme el Aerial de Kate Bush. El blog que me llevó a descubrir la magnificencia del Grace de Jeff Buckley. El blog que hablaba maravillas -que me convencieron- del primer álbum de Black Sabbath, los “padres” del heavy metal:

THETIMEISDEAD es ese blog, y ya por las anteriores razones merece más que un respeto. Una bitácora con reseñas de trabajos muchas veces alejados de lo más conocido y comercial, con especial incidencia en el indie rock y los sonidos contundentes cargados de guitarras. La bitácora que me llevó a descubrir también a este interesante grupo danés de indie rock: Mew.

Y atención: Aviso, porque a veces suelo hacerlo cuando una canción me atrapa totalmente, y ésta es una de esas veces. Una muy buena canción pop-rock, sobre todo con un estribillo que me parece irresistible, muy bien construido. ¿Una simple cancioncita pop, o tiene más gancho del que aparenta? La descubrí en este blog y el gusano ya se quedó dentro de mí, ahondando poco a poco.

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(De izquierda a derecha: El multiinstrumentista y cantante Jonas Bjerre, el batería Silas Utke Graae Jørgensen, el bajista Johan Wohlert y el guitarrista Bo Madsen)

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(Bo Madsen –  Johan Wohlert – Jonas Bjerre – Silas Graae)

La banda se forma en 1995 en Hellerup, un suburbio de clase alta de Copenhagen, teniendo un fuerte impacto en la escena indie danesa hacia el 2003, junto con otros grupos del país. Aunque el núcleo del grupo son los cuatro músicos nombrados, la formación ha sufrido altibajos y cambios: Por ejemplo el bajista Wohlert dejaría el grupo en el 2006 para formar una familia, para volver en el 2013 -lo cual coinciden en que dio nuevas energías a la trayectoria del grupo-, mientras que el guitarrista Bo Madsen abandonó definitivamente Mew en junio del 2015. Además a partir del tercer disco la nómina de músicos y colaboradores en sus discos y directos aumenta considerablemente, y ésta es una de las razones de que en fotografías se les vea como quinteto, teniendo especial peso el guitarrista Mads Wegner y el teclista/pianista Nick Watts…

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(De izquierda a derecha: Johan Wohlert, Nick Watts, Jonas Bjerre, Mads Wegner, Silas Utke Graae)

Es a partir de su tercer disco de estudio, Frengers, que su popularidad se dispara bastante. “Frengers” es un vocablo que ellos se inventan y que viene a significar “a person who is not quite a friend but not quite a stranger”.r-8920013-1471569882-1034-jpegTambién adquirieron bastante renombre fuera de Dinamarca al hacer de teloneros para una gira europea de R.E.M. -lo que son las cosas- y hacer lo propio en diversas actuaciones en Europa y los USA de Nine Inch Nails. Y a poco que uno investigue, puede constatarse que han cosechado un cierto prestigio internacional y que no han parado quietos en todos estos años: Conciertos en Indonesia y Australia, giras por Japón y México, shows en Dinamarca, Gran Bretaña, los USA o Europa.

En el disco Frengers hay 6 temas que ya habían aparecido en sus dos primeros discos, y 156 es uno de esos temas. El grupo ha editado hasta el momento 7 discos, y hay bastante cobertura en la red -reportajes, entrevistas- a raíz de la publicación en el 2015 del disco titulado simplemente + – (pronunciado Plus Minus), que suponía su regreso tras 6 años de silencio…220px-mew_2b_-_coverSin embargo creo que el punto más interesante es el tocante al estilo de la banda: Decir simplemente que es un grupo de indie rock simplifica en exceso las cosas. Lo suyo se ha ido convirtiendo con los años y los discos en un pop bastante complejo, ecléctico, que recoge muchísimas influencias. Así se les califica en muchas reseñas como grupo de dream pop, y se dice de ellos que coquetean con el shoegaze, con el noise rock, pero que hacen a la vez rock orquestal e incluso pop progresivo -recogiendo el testigo del rock progresivo-.mew-heads¿Mis impresiones personales? La primera, obvia, que son interesantes y bastante merecedores de atención. La segunda, que su pop es efectivamente complejo. Aunque muchas veces nos regalen melodías o pasajes luminosos, no son para nada facilones ni evidentes. Es un pop-rock envolvente. La tercera, que parte de esa complejidad se debe al entramado instrumental -sobre todo bajo/guitarra- que subyace ahí, con evidente “mala baba post-punk e indie”. Y la cuarta, que me recuerdan bastante a una mezcla de los finlandeses Rasmus y los norteamericanos 30 Seconds to Mars -una banda que me ha llegado a enganchar mucho- a falta de más nombres que me acudan ahora a la mente.mew_-_85_videos_video_news_under_the_radarY sirva como ejemplo de ese estilo que bebe de tantas fuentes, que un portal con tanto prestigio como NPR.org -que no son cuatro pardillos escribiendo sobre música- cita en sus reflexiones sobre los daneses a los Genesis de Peter Gabriel, a Kate Bush, a los Yes de Jon Anderson e incluso al Wish You Were Here de Pink Floyd, para darnos a entender que Mew reinterpreta todas estas influencias bajo su propio lenguaje pop.

“The progressive-pop band has morphed again…”
“Grandiosity is the name of Mew’s game…”
“Cascading anthems and cosmic pop that recalls vintage prog…”

¿Exagerado? ¿Un hype mediático? Bjerre explica en algunas entrevistas que empezó a trastear con mezcladores de pistas e instrumentos ya de niño. Que le impactaron el Magical Mystery Tour y el Pet Sounds. Que el núcleo de la banda son compañeros de colegio desde temprana edad. Que escuchaban toneladas de pop music, a Kate Bush o a Prince. Pero que después aparecieron Nirvana…Que se quedaron impactados, siendo adolescentes, al asistir a un concierto de los My Bloody Valentine

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Jonas Bjerre

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El parecido que tiene con el actor Reeve Carney es bastante notable. El Dorian Grey de Penny Dreadful…

original1Nuestro guapo -¿o guapísimo?- cantante y frontman, Jonas Bjerre, tiene una voz marcadamente -a veces insoportablemente- aniñada, un falsetto característico. Algunos dicen “una voz élfica”.

Pero hablemos del tema 156, porque tanto la canción como el vídeo se las traen, siendo este último parte de la gracia. La carga enigmática esta ahí. Un vídeo de animación naïf donde vemos a un elefante comandando un barco pirata, y mandando a algunos de sus secuaces ladrones -miembros de Mew– a robar en una mansión. Pero el elefante tiene su corazoncito y se queda prendado de la chica, de nombre Callie…En realidad no le desea ningún mal, e incluso tiene horribles pesadillas con su suerte…Para entenderlo son necesarios unos cuantos visionados, e incluso ayuda, siento decir. Por otro lado, el grupo se ha negado a desvelar qué significa ese número en el título. Aseguran que es su pequeño secreto y que los fans se decepcionarían un poco de saberlo. Puedo asegurar -porque lo he buscado- que 156 no corresponde a ningún número de emergencia en Dinamarca -bomberos, policía…-.21351345_prid_416x312_03mew_-_156_aviComo dije al principio, a mí el estribillo me atrapó enseguida. No solamente por su gancho, sino por cómo entra la banda con las guitarras, después de discurrir más o menos plácidamente…maxresdefaultYa son más que suficientes las explicaciones sobre esta banda danesa. Volverán a aparecer por este blog, pues son merecedores de atención y sus canciones ya están haciendo mella en mí. Aunque una última apreciación, que es importante: 156 no es la que mejor refleja, ni de lejos, ese carácter “progresivo” o complejo que le pueden imprimir a muchos de sus temas. Aquí está el vídeo oficial, que por supuesto se puede prestar a muchas interpretaciones. Menuda historia, me va a divertir si me cuentas tu versión…

Existen unas cuantas interpretaciones en directo por parte de Mew, pero nos vamos a quedar con ésta donde se nos traduce la letra. De todas maneras, si puede ayudar en algo, aquí está.

E incluso me he llevado una sorpresa con esta canción. Porque, como se ha comentado, ya aparecía en el primer disco del grupo, que hace una adaptación de ella en Frengers. La versión original es mucho más acústica, pero a la vez resalta la brillantez de la melodía.

 

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China Crisis: Wishful Thinking / Christian

La verdad es que la década de los 80 nos dio ingentes toneladas de música y de buenos discos, innumerables -centenares de- hermosas y grandes canciones. Siempre estoy volviendo a ella, supongo que porque a esa década pertenecen muchísimos de los temas musicales que más me han impactado en toda mi vida. También hay una explicación bastante lógica: Me pilló de lleno en la adolescencia, en mis twenties, y fue ése el período en que el descubrimiento -consciente- del universo musical a mi alrededor fue más notable.510cz2in9glchinacrisispngvY he aquí que hoy vuelvo con dos temas maravillosos, a los que quiero devolverles algo de lo mucho que me dieron, que nos dieron. Wishful Thinking y Christian son dos de las canciones más hermosas y delicadas que haya oído jamás, con inolvidables pasajes instrumentales. Especialmente el primero de ellos (“wishful thinking”: pensamiento lleno de deseos, anhelos, esperanza; ilusión, ilusiones vanas) sería el ejemplo de que cuando una canción transmite belleza a raudales no importa los años que pasen, porque la huella en nosotros se antoja imborrable.

China Crisis fue…¡¡¡No!!!…China Crisis todavía existe y permanecen activos, perdonad la pequeña broma. Nacieron en 1979 en Kirkby, cerca de Liverpool, al unirse el teclista y vocalista Gary Daly y el guitarrista y también vocalista Eddie Lundon. Ellos dos serán el núcleo invariable de la formación hasta nuestros días y también la cara más visible, al ejercer el rol de vocalistas. A ellos se les irían uniendo distintos músicos para sus discos, incluyendo de sesión, y normalmente usarían la fórmula del cuarteto/quinteto.

Editan el single de debut African and White en 1982, en el sello independiente Inevitable. En el 81 se les unió el batería y percusionista Dave Reilly tras habérselo pedido. A finales del 82, tras firmar para Virgin Records, sacan su primer larga duración, Difficult Shapes & Passive Rhythms, Some People Think It’s Fun to Entertain… china_crisis_-_difficult_shapes-cover…que alcanzó el número 21 en las listas británicas y permaneció 17 semanas en ellas. Se reeditó el mencionado single, pero también se publicaría Christian, que alcanzó el número 12 en los charts UK y les dio renombre en todo el país. La base del grupo es el mencionado trío y se les unen diversos músicos de sesión. Christian tiene una inusual línea de bajo, una suave cadencia llevada por teclados/percusión y sobre todo, como rasgo más distintivo, unas hermosas notas de oboe interpretadas en el disco por el músico de sesión Steve Levy.220px-china_crisis_-_working_with_fire_and_steel-lpcoverWorking with Fire and Steel – Possible Pop Songs Volume Two fue su segundo trabajo y apareció en 1983 (número 20 en las listas, 16 semanas en ellas). En este disco es donde se encuentra Wishful Thinking, que se convertiría en el mayor éxito del grupo y su único top ten (alcanzó el número 9 en las listas). Y sin embargo fue el tercer single del álbum, tras los también conocidos hits del grupo Tragedy and Mystery y Working with Fire and Steel. Dave Reilly ya había dejado el grupo y se habían incorporado Gary “Gazza” Johnson al bajo y Kevin Wilkinson a la batería y percusión.

A partir del tercer y cuarto trabajos toman la forma de quinteto, al unirse primero Walter Becker y después Brian McNeill al sintetizador. Siete álbumes de estudio, los dos últimos más espaciados en el tiempo, y sobre todo el último, Autumn in the Neighbourhood (2015). En 1999 el batería Kevin Wilkinson se suicidaría a la edad de 41 años. Desde 1992 han sacado 4 álbumes recopilatorios y 3 DVDs live, concentrándose en las actuaciones en vivo, especialmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Canadá. Existen cortes suyos de una actuación en el 2005 en la Paul McCartney Academy de Liverpool, pero también muy recientes -abril de este año- de una actuación en el Kia Theatre de Manila.china_crisis-diary_-_a_collection_a0019426c_mediump02clq44

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Varias fotos de Gary Daly -con su característico flequillo- a la izquierda y Eddie Lundon a la derecha, de hace unos cuantos años…

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…y de Daly y Lundon en tiempos mucho más recientes.

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La formación en una foto del 2012. La actual formación parecen ser 7 y de la chica ni rastro…

Adscritos al movimiento de la new wave y el synthpop, manifestaron desde buen comienzo su fascinación y la influencia ejercida por Stevie WonderSteely DanDavid Bowie o Brian Eno. Pop dominado predominantemente por los sintetizadores, y por tanto no tan alejado del technopop y en general del british pop que nos brindó decenas de bandas por aquellos años, muchas de ellas notables y con gran éxito. China Crisis no solamente se vio asociado a principios de los 80 a formaciones como los O.M.D.Echo and the BunnymenThe Teardrop Explodes o Frankie Goes to Hollywood, sino a un sinfín de grandes grupos como Spandau Ballet, Duran Duran, Simple Minds, Ultravox, The Human League, Pet Sop Boys, The Psychedelic Furs, The Buggles, Soft Cell, Tears for Fears, Depeche Mode o Eurythmics.

“Meterlos a todos en el mismo saco” sería muy simplista. Todos los grupos mencionados tienen su idiosincracia, particularidades y estilos, aparte de que no coincidieron exactamente en el tiempo. Pero sí que hablamos a grosso modo de toda una década. Por otro lado no solamente estaban las influencias citadas, como Bowie por ejemplo, sino muchas otras como art rock, glam rock (Roxy Music, Numan, Marc Bolan…), pub rock, los coletazos del punk y también los grupos verdaderamente pioneros en el sonido electrónico, con Kraftwerk a la cabeza. Sea como sea, la brillantez de los primeros trabajos de China Crisis y algunos de sus temas siempre es algo digno de ser recordado.

  Así que allá vamos con los temas…

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El vídeo oficial de Wishful Thinking

En un plató televisivo, en el Top of The Pops en 1984. Existen bastantes tomas en directo, incluyendo la mencionada actuación en el 2005 en Liverpool…Y por cierto que aquí también podemos encontrar partes de oboe, como en Christian. Solamente puedo decir qué maravilla tan evocadora, porque no tengo más palabras…

La hermosa y delicada Christian

 

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Supertramp: School (Live 1979)

He hablado, hemos hablado de y rememorado esta famosa y gran canción del grupo Supertramp estas pasadas semanas. Hemos asistido a los conciertos de Roger Hodgson, principal compositor del grupo y ex-vocalista, también estas semanas en Madrid y Barcelona. Hemos escrito crónicas, hemos intercambiado impresiones y por supuesto hemos hablado -era absolutamente inevitable- de las grandes joyas que jalonaron la carrera de la banda británica, muchas de ellas de puño y letra de Hodgson.

El tema School, para los que somos perros viejos en esto de la música, para los que hemos estado atentos al pop-rock sinfónico y progresivo, para los que tenemos ya más de medio siglo a cuestas y vivimos aquella época en nuestra adolescencia, probablemente no necesite presentación. Quizá para gente no atenta a estos estilos o desconocedora de la discografía del grupo, o para aficionados a la música mucho más jóvenes, sí que la necesite, así como el álbum en que estaba contenida, el gran Crime of the Century.

Se trata del tercer álbum de estudio de la banda, después de dos discos iniciales que pasaron con más pena que gloria. Era un momento clave para Supertramp, situados en una encrucijada y obligados a crear un disco que sacudiera los oídos del respetable, ya que el multimillonario que les hacía de mecenas les había retirado el apoyo económico. Pero al mismo tiempo supuso la cumbre creativa del grupo, reunidos y concentrados para dar forma a los temas. La formación se había refundado y se quedó ya en el quinteto estable que forjaría una serie de discos notables y que les convertirían en pop stars all around the world. De nuevo, los fans del grupo estoy seguro que nos sabemos sus nombres de memoria:

Los compositores y teclistas Rick Davies y Roger Hodgson, el batería Bob Siebenberg (al principio Bob C. Benberg), el saxofonista y multi-instrumentista John Helliwell y el bajista Dougie Thomson.

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  • Crime of the Century (1974)
  • Crisis? What Crisis? (1975)
  • Even in the Quietest Moments… (1977)
  • Breakfast in America (1979)
  • …Famous Last Words… (1982)

Ésa fue la tacada de álbumes que les colocó en el estrellato. Hodgson dejaría la banda en 1983, así que el siguiente trabajo ya significó que Davies llevaba las riendas del combo: Brother Where You Bound (1985).

Se considera que School es de las pocas colaboraciones componiendo entre Hodgson y Davies, que mantenían un particular pulso creativo, firmando cada uno sus propios temas. Hodgson considera suya la canción pero admite que Davies creó el majestuoso solo de piano y partes de la letra.

Así que voy a “aprovecharme” de que este vídeo ha aparecido en YouTube este pasado 18 de julio. La formación interpretando el tema en directo. Sublime, y hay que decir que Davies está soberbio tanto al piano como al teclado -¡¡y a la armónica!!…

El tema surge con todo su misterio como surgiría Vanessa Ives -o cualquier otro personaje- de entre la niebla londinense en la serie Penny Dreadful. Im-pa-ga-ble.

 

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U2: Sunday Bloody Sunday / New Year’s Day / One (Barcelona 18/07/17)

La “resaca” de U2 me va a durar unos cuantos días…o semanas. La resaca o el “enamoramiento” momentáneo. Y digo “momentáneo” porque me estoy refiriendo a este momento, julio del 2017 y tras su reciente paso por Barcelona. joshua-tree-estadi-olimpic-barcelona_1046005391_132496348_667x375No con ello quiero significar “repentino” ni “pasajero”, porque mi romance con el sonido y el repertorio de los irlandeses se sustenta en años de escucharles y disfrutarles. Disfrutar, ésa es la idea clave, la premisa, la necesidad y la sensación buscada al escribir, comunicar y contar aquí y ahora. Y ante esto tengo que pasar por alto todos los razonamientos que me puedan echar a la cara, empezando por el de que estas canciones las hemos oído millones de veces y que por tanto ya cansan (mucho) o no despiertan en nosotros las mismas emociones. u2-barcelona-estadiolimpic_10_670x355Está claro que ése no es mi caso, pues a pesar del paso de los años y de innumerables escuchas me siguen pareciendo algunos de sus temas más emblemáticos auténticos himnos demoledores, auténticos trallazos que son pura energía rockera. Me imagino que las 55.000 almas congregadas aquella noche en el Estadi Olímpic opinarán bastante parecido. Y las posibles críticas y valoraciones negativas sobre sus espectáculos, discos, obra, rol, imagen o actitudes, bienvenidas sean pero siempre que se sustenten mínimamente en argumentos contrastables u objetivos.

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U2 en su actuación en Vancouver

Sin embargo la intención de esta entrada no es ofrecer una/otra crónica del concierto barcelonés, ni mucho menos. Diversos medios en la red hacen crónicas del evento excelentes y pormenorizadas, repasando las fases del show y las canciones: El Periódico o rtve.es, por ejemplo. Vamos a centrarnos en el principio del concierto pero a la vez vamos a darle un enfoque ligeramente distinto al habitual: Vamos a hablar de tecnología.58Desde luego, hay que ser rematadamente tonto o ciego para no valorar, saber apreciar o agradecer las casi infinitas posibilidades que nos ofrece hoy en día la tecnología, y la suerte que tenemos en ese sentido de vivir estos tiempos. Están al alcance de nuestra mano cosas que hace 20, 10, 5 años eran totalmente impensables. Me estoy refiriendo por supuesto a todas las tecnologías de la información y la comunicación, a internet, al asombroso y creciente catálogo de dispositivos electrónicos que tenemos para conectarnos, para compartir o subir contenidos, para manejar ingentes cantidades de información y en especial material audiovisual, música, etc: Ordenadores, tablets, smartphones, smartTV’s…Ninguna de estas afirmaciones o reflexiones pilla ya a nadie por sorpresa. Un mundo entero de posibilidades muchas veces tan solo al alcance de un clic. Y el mismo portal de YouTube -ese tío tan listo que nos conoce- es un perfecto ejemplo de cómo fluye todo y a qué velocidad vertiginosa. De hecho es una absoluta maravilla y sirva como ejemplo totalmente directo que, a los pocos días y a veces horas de haber tenido lugar, ya tenemos colgados en dicho portal los conciertos íntegros de esta gira 2017 de U2: En Vancouver -donde todo empezó-, en Pasadena (Rose Bowl Stadium), en Chicago (Soldier Field Stadium), en Cleveland, en Londres, en Berlín, en Roma, en Dublín (Croke Park)…o en BarcelonaU2Photo by Julieu2_joshua_treeEs…prodigioso, y además vídeos con una calidad de imagen y sonido notables, debido una vez más a las prestaciones de nuestros dispositivos. Sin haber estado ahí físicamente, casi podemos “estar” y revivir las sensaciones. Nunca será lo mismo, pero sin moverte de tu casa el sucedáneo es magnífico y repito que impensable para las generaciones que nos precedieron.

Y hablando de vídeos y de calidad, vamos a entrar en materia. Los vídeos que aparecen en esta entrada han sido filmados y subidos a YouTube por un usuario llamado Roberto Longoni. Tenemos la gran suerte de que este espectador estaba muy cerca de los músicos, casi a pie de pista -y enseguida veremos cómo es esto posible-. Pero además la calidad de imagen y sonido de todos los vídeos aportados por esta persona es magnífica. Me maravilla, me admira -lo dije una vez hace tiempo- cómo tantos asistentes a conciertos suben infinidad de temas grabados por ellos, o fragmentos del concierto, con todo el trabajo que esto supone y toda la generosidad implícita. Pero es que ya no se trata solamente del concierto en Barcelona: Es que uno empieza a buscar sobre las actuaciones de U2 que acabo de mencionar en todo el mundo y la cantidad de vídeos es asombrosa. Creo, y esto podrá sonar grandilocuente o “fantasmada”, y a la vez creo que Bono & Cía. estarían de acuerdo, de hecho es algo en parte asociado a U2, que perfectamente podríamos hablar de conciencia global -desde luego más planetaria que la meramente individual- y de experiencia compartida.

Roberto Longoni ha grabado y subido los vídeos en una resolución llamada 4K o UHD. ¿De qué estamos hablando exactamente? Es un nuevo estándar definido por la industria del cine en la que se pueden obtener imágenes en una resolución de 4096 x 2160 píxeles, una velocidad de 24 fotogramas o frames por segundo (fps) y una profundidad de color de 8 bits. Éstas son las especificaciones originarias o reales, aunque la industria de la difusión y la televisión la adoptó haciendo algunas modificaciones: La resolución pasa a ser de 3860 px. x 2160 px. Así se guarda la relación de aspecto. Los fps pueden ser 50 o 60 y la profundidad de color sube hasta 12 bits. Con estas modificaciones tenemos el formato conocido como UHD (ultra high definition) o también UHDTV. Esto da como resultado una serie de ventajas y mejoras respecto a lo que conocemos como Full HD: Más resolución, mejores colores, imágenes de una mayor nitidez. Se mejora en el detalle y la profundidad, y también aumenta la densidad de píxeles en las pantallas: Una pantalla en UHD equivale a 4 pantallas de 1080p. El usuario puede visionarlo todo a una menor distancia también.resoluciones-comparaciocc81n-4k-2k-fhd-hdÉstas son las formidables ventajas de este formato, pero la industria se encuentra con una serie de problemas y limitaciones: El principal handicap es que se necesita un gran ancho de banda para su transmisión. Por un lado con las características de la TDT actual esto no es posible, y con internet necesitamos como mínimo una conexión de 30 megas VDSL. Las cadenas de distribución y televisión se encuentran con que no pueden difundir para el usuario general los contenidos que ya están creando en UHD. Esto en cuanto al streaming, porque los soportes físicos actuales tampoco son suficientes: Un actual disco Bluray no ofrece la capacidad de almacenamiento suficiente para albergar una película en 4K: La primera grabada en este formato ya ocupaba 160 gigas. Más resolución = más información = más peso.

Algunas cadenas y distribuidoras ya están produciendo contenidos en 4K (Netflix, Amazon, la BBC…) pero debido a estas limitaciones de ancho de banda o soportes físicos la oferta es bastante limitada. Existen varias posibles soluciones: Una es mejorar un soporte de compresión llamado H.264, H,265 o HEVC, que permitiría reducir peso sin perjudicar la resolución, y poder transmitirlo por internet. Otra solución es que determinados fabricantes lleguen a buen puerto con la invención de discos Bluray de mucha más capacidad. Se está trabajando en ello.resoluciones-pantallaUna ventaja de todo esto es que los fabricantes de televisores han apostado por este formato que ha de acabar implantándose, y los precios han bajado mucho -de hecho la diferencia no es tanta con las pantallas Full HD- pero a la vez entran una serie de consideraciones electrónicas y de hardware -por ejemplo, afectarían a los frames por segundo en según qué quisiéramos ver-. Por último hay que decir que pocos smartphones incorporan esta resolución, a grosso modo podríamos decir los de gama alta fabricados a partir del 2015. Los buques insignia de las grandes marcas suelen manejarse en el escalafón intermedio, conocido como 2K (o 1440p). Un modelo que sí lo ha incorporado es el Sony Xperia Z5 Premium, mientras que los fabricantes coreanos Samsung o LG ya fabrican pantallas AMOLED preparadas para el 2K (el Samsung Galaxy S5). Por supuesto que no busquéis aquí ningún ánimo publicitario, y debo decir que he omitido unas cuantas marcas más de smartphones preparados para grabar en 4K.

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Pantalla del Sony Xperia Z5 Premium, de 5’5 pulgadas

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Sin embargo fue la firma japonesa SHARP la primera en crear un teléfono preparado para el 4K

4K parece el estándar en resolución que nos depara el futuro, el sucesor de los televisores y pantallas en Full HD. La industria parece haber apostado por ello, y desde luego el debate que genera todo esto es suculento. Hay que valorar todos los pros y contras. Por ejemplo, que si se va imponiendo el 4K esto abaratará todas las pantallas gama HD. Otra ventaja es que mejoraría ostensiblemente el streaming (YouTube o Netflix ya emiten en 4K). En cuanto a los smartphones, hay que preguntarse si es necesaria tanta resolución. Cosas como la batería o el precio salen claramente perdiendo, y además no debemos olvidar la última reflexión, y gran verdad:

“Cogiendo la calculadora, el ojo humano deja de distinguir píxeles cuando llegamos a los 350 píxeles por pulgada. (…) Necesitaríamos un tamaño de 12.5 pulgadas para empezar a distinguir los píxeles en una pantalla que utilice resoluciones UHD. Técnicamente hablando, el ojo humano no necesita algo superior al Full HD hasta llegar a las 6 pulgadas para que empiece a distinguir los píxeles, por lo que la resolución Full HD debería ser ideal para los smartphones que utilizamos todos los días.” (El androide libre).

No soy un experto en estas materias, para nada, aunque considero que en los tiempos que vivimos hemos de tener un mínimo de nociones y buscarnos la vida para informarnos o aprender cosas nuevas. Mi percepción personal, dejando de lado que la tecnología es fascinante, es que ésta claramente nos devora. Por esta razón saqué toda la explicación inicial sobre el 4K del portal xataka.com, un portal que me parece imprescindible para informarse sobre cuestiones tecnológicas. Pero se pueden encontrar más artículos que explican el punto aquí tratado: computerhoy.com, Omicrono o la mencionada El androide libretransfer-videos-from-iphone-6-to-computer5Así que Roberto Longoni, a menos que sea fotógrafo profesional con un equipo ad hoc, muy probablemente grabó temas del concierto o una buena parte de él con uno de estos “bichos”, equipados de resolución 4K, y ahora ya sabemos con propiedad qué significa esto. No creo que sea fotógrafo, por cierto: Sus perfiles en las redes y en el canal de YouTube apuntan a un fan muy fan de U2, incluso un amante de tocar el bajo. Y Longoni estaba a tocar de uno de los escenarios de la noche…

Sonaba el magnífico The Whole of the Moon de The Waterboys a todo trapo por megafonía, como preludio al inicio del show. Todavía con las luces del día, faltaban unos minutos para las 10 de la noche. Salió Larry Mullen Jr. muy discretamente, para acabar sentándose frente a la batería. Empieza a aporrearla y entonces sí, aparece caminando al fondo, por una pasarela y muy chulo él, The Edge, perfilando las primeras notas del riff de Sunday Bloody Sunday. Delirio total. Tras él aparecen Bono, micrófono en mano, y el bajista Adam Clayton. Y así empezó la liturgia. Se situarían en un pequeño escenario adyacente o lateral -un B-Stage- algo habitual en el directo de muchos artistas. Y allí interpretarían las cuatro canciones iniciales del show: Sunday Bloody Sunday, New Year’s Day, Bad y Pride (In the Name of Love). La gente saltando, gritando y coreando como posesos, y aún más cuando empieza New Year’s Day. Comprensible, aunque nos puedan “molestar” un poquito son “las cosas del directo”.dcgqepmxyaemcssNo hice ninguna mención en la anterior entrada pero hay que decirlo esta vez: U2 sonaron impecables, nítidos, potentes, pese a las dimensiones del recinto y los miles de personas. Esto en líneas generales, porque parece que hubo ciertas deficiencias -subsanadas- de acoplamiento en los graves en ese principio aquí narrado. Hubo otro tipo de quejas en ese principio: Los irlandeses empiezan con esos 4 temas en ese b-stage, con relativa poca iluminación, y eso dificultó su visión por parte de muchos espectadores. Porque ésta es otra de las curiosidades del show: El gran escenario principal, con su pantalla gigante, no entró en juego, iluminándose con sus leds rojos, hasta que los irlandeses no se posicionaron allí para atacar el Where the Streets Have No Name, el tema que abría fuego respecto al repaso de The Joshua Tree.

Antes han desfilado por aquí 3 fotografías imponentes: Las de ese escenario y pantalla gigantes, bañados en luz roja, con esa majestuosa silueta del árbol de Joshua sobresaliendo. Justamente lo que sería la sombra de ese árbol es la pasarela que conduce a ese pequeño escenario donde empezaron -que es la copa-. Ingenioso y tremendamente bonito…joshuatreemaxresdefault1copyrigh-stufish_joshua-tree-setup-7-0002-105-copyright-stufish_joshua-tree-setup-7-0006-treeoutlineEstas dos últimas ilustraciones esquemáticas están sacadas del interesante blog U2 NEWS ARGENTINA, donde se dan una serie de interesantes especificaciones técnicas y se habla de las personas y empresas que diseñaron y crearon la pantalla con la silueta del árbol. Podemos leer por ejemplo:

“El The Joshua Tree Tour 2017 de U2 tiene un escenario diseñado por Stufish Entertainment Architects y construido por Tait Towers, todo bajo la dirección creativa de Willie Williams, que es también el diseñador de la iluminación de la gira. En la enorme pantalla, provista por PRG, se pueden ver contenidos especiales de Anton Corbijn y del artista JR, con contenido adicional de Empirical. 

Ric Lipson de Stufish Entertainment Architects señala que el diseño escénico estuvo inspirado en la gira original de 1987 de apoyo al lanzamiento del disco. “Quisimos crear un vasto fondo detrás de la banda que sería completamente claro y puro,” dice. “Al diseñar las torres en voladizo por StageCo, junto con el sonido principal siendo sostenido tan alto, una idea de Jake Berry y Joe O’Herlihy, pudimos levantar la iluminación y el sonido por encima de la pantalla.”

“La pantalla es como un pedazo de cartón dorado con un árbol plateado rociado para el ingreso y primera parte del show,” dice Lipson. “La pantalla solo se enciende para el inicio de la parte del setlist de The Joshua Tree. Se convierte en un fondo hipnotizante de imágenes de retratos y paisajes en alta resolución.”

El árbol en la pantalla se extiende por encima de ésta como un impacto escénico. “Construido por Tait Towers, el árbol se extiende hacia el cielo unos 9 metros por encima de la pantalla de 14 metros de altura,” dice Lipson.”

Con permiso del magnífico repertorio del grupo, con permiso de ese majestuoso álbum rememorado 30 años después y con permiso de este impresionante escenario principal y árbol de 23 metros de altura, está claro que la otra gran protagonista de estos conciertos es esa mastodóntica pantalla central. Y esto guarda mucha relación con una de las razones que me han empujado a escribir esta larga entrada. No solamente es una afirmación, sino un hecho contrastado. Ahí va:

U2 es la banda musical más innovadora a nivel mundial, tecnológicamente hablando. Esta afirmación no se refiere a su estilo musical, a las características de sus canciones -por ejemplo introduciendo electrónica o elementos de vanguardia- ni tampoco a sus técnicas de grabación en estudio, sino que se refiere a la puesta en escena de su repertorio, a la magnificencia y grandiosidad de los elementos empleados en sus tours mundiales. Pero no nos engañemos: No se limita el asunto a cuestión de tamaños o dimensiones, de más metros, más kilos o más watios, cualquier parámetro que pueda quedar pulverizado por los irlandeses. copyright20stufish201035-u220tjt_14may17-_90_1_0u2-joshua-tree-tour-4u2-joshua-tree-tour-1_2

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Me parece brutal, impresionante, hermoso…

Esta pantalla gigante es la pantalla más grande jamás empleada por cualquier grupo de rock en un concierto, y también la de mayor resolución. Sus medidas son 61 x 14 metros, superando el récord ostentado en este sentido por los Rolling Stones. Pero el tamaño en realidad no es lo más destacable, sino su enorme resolución…

¿Longoni grabó temas del concierto con un dispositivo provisto de 4K? Esta descomunal pantalla tiene una resolución de 7.6 K. La que se conoce como resolución 8K o 8K UHD ofrece imágenes de 7680 × 4320 píxeles, y es conocida también como 4320p. Tiene 2 veces la resolución en vertical y en horizontal que la ofrecida por la 4K UHD, conteniendo hasta 4 veces el número total de píxeles de esta última, o 16 veces la cantidad de píxeles que nos ofrece la Full HD.360px-resolution_of_sd2c_full_hd2c_4k_ultra_hd_26_8k_ultra_hd-svgEsta pantalla empleada por los U2 está compuesta por 1040 paneles individuales, y es en dimensiones parecida a la que empleó la banda en 1997/98 durante el PopMart Tour, pero tiene 400 veces la resolución que tenía ésta. La pantalla de este tour 2017 además tiene una ligera curvatura, para dar una sensación tridimensional y de profundidad. Las imágenes proyectadas en ella fueron filmadas por el fotógrafo Anton Corbijn, que fue el que diseñó la portada del álbum The Joshua Tree. Pueden verse imágenes del desierto norteamericano, pero muchas otras más comprometidas, como de mujeres notables a lo largo de la historia o primeros planos de campos de refugiados sirios, que dejaron a la gente de una pieza…Efectivamente, los irlandeses interpretaron su tema Miss Sarajevo acompañado por un largometraje del artista francés JR en un campo de refugiados sirios en Jordania. Bono también pidió que los gobiernos acojan a más refugiados. Estos son los hechos. ¿Mesianismo, humanitarismo barato? La tecnología más puntera, en este caso, puesta al servicio de las reivindicaciones sociales y políticas.

maxresdefault2maxresdefault3Yo voy a aplaudir. Sí, voy a aplaudir por esas ideas e iniciativas plasmadas delante de miles -millones- de espectadores de todo el mundo. En suma, estos son tan solo algunos de los aspectos de esta mastodóntica gira y del asombroso equipo que llevan consigo. La compañía PRG provee a U2 de toda la infraestructura de cámaras para poder filmar imágenes en 4K, y esto es la primera vez que ocurre en la historia de las giras de rock. Todo conectado por fibra óptica. Resolución de 3840 × 2160 píxeles. Las cifras en torno a U2 son mareantes, y es posible que sean absolutamente merecidas. Por ejemplo que en los 20 primeros shows ya han recaudado 123.7 millones de dólares.u2-los-angeles-2017dafdnv2u0aaptmvu2-joshua-tree-tour-screenEn un próximo(s) artículo(s) hablaré de más aspectos tecnológicos que le dejan a uno con la boca abierta, y por qué “es la banda más innovadora a nivel tecnológico” es mucho más que una simple frase promocional. Hablaremos del que es diseñador de sus escenarios desde hace mucho tiempo, ya nombrado antes: Willie Williams.

Por supuesto todo esto está sujeto al debate y es merecedor de todas las opiniones posibles. ¿Es necesaria toda esa tecnología apabullante en sus shows? ¿El carácter mastodóntico de sus conciertos no les quita atractivo, intimidad, interés incluso para muchos fans, que pueden no disfrutar de ese formato? ¿Es necesario gastar millones y millones de dólares en equipo mientras se pregonan causas humanitarias por otro lado? Éstas son muchas de las preguntas que podríamos hacernos al respecto.

One, una de las canciones más brillantes escritas por el cuarteto. Una joya de balada contenida en otro de sus mejores álbumes, Achtung Baby (1991).

 

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R.E.M.: (Don’t Go Back To) Rockville

Algunos/as de los que me leen ya saben que el grupo R.E.M. es una de mis bandas preferidas -de lejos- y así será forever and ever. Eso que me llevaré por delante (todo lo que he llegado a disfrutarles)…A principios del 2016 les dediqué un primer post (la hermosa Half a World Away), y en esta entrada expliqué que conocí a la banda prácticamente desde los inicios de su carrera y andadura discográfica. No es un farol, desde luego, y todo ello gracias a que era asiduo comprador de la revista musical Rockdelux, repleta de abundantes y excelentes artículos, entrevistas, crónicas y reseñas de discos. Así me mantenía bastante informado y hasta me sirvió a veces de base para lanzarme a comprar discos -de cualquier desconocido- fiándome de sus positivas críticas…35art-rem_90-portada34127421Me imagino que incontables aficionados a la música conocieron al cuarteto de Athens a raíz de su hit mundial Losing My Religion, incluido en el álbum Out of Time (1991), donde también estaban presentes otros sonados cortes y donde se aunaban calidad y comercialidad. R.E.M. arrasó, por fin y más que merecidamente, y a éste le seguiría otro disco descomunal con canciones increíbles (Automatic for the People, 1992). Pero de hecho ya venían avisando, copando cada vez más un pedazo mayor de pastel, captando la atención de las audiencias rockeras y también de las despistadas, las indefinidas o masivas. Discos como Document (1987) y Green (1988) eran totalmente responsables, y de hecho este último ya contenía varios hits con mucho gancho.

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Bill Berry, Michael Stipe, Peter Buck y Mike Mills

Pero a aquellos aficionados que puedan leer esto y que se encuentren en ese caso, el haber conocido a los R.E.M. since/because of/post Losing my Religion, les diría que probablemente tengan una visión y un conocimiento del grupo y de su obra parcial, limitada y sin duda tardía, y les animaría a descubrirles a través de algunos de esos grandes álbumes o de recopilatorios.

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Chronic Town

El single Radio Free Europe (1981), el EP Chronic Town y sobre todo el álbum de debut Murmur (1983) ya despertaron encendidos elogios de la crítica estadounidense, internacional y también española -entre ella Rockdelux y demás medios especializados-. Y fui uno de los que puse los radares y las parabólicas a funcionar -y muy pronto a pasar por caja, es aquí donde debes imaginarte el ¡clinc! del Money de Pink Floyd-. La misma excelencia y entusiasmo despertó su segundo trabajo, Reckoning (1984), otro excelente trabajo donde está incluido el tema protagonista de hoy.

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Murmur

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Reckoning

Reckoning es un exponente perfecto del estilo R.E.M., sobre todo en los inicios de su carrera: Alternative rock con fortísima impronta folk, impronta que permanecería con ellos para siempre pero que tendría que compartir protagonismo con el paso de los álbumes con las guitarras eléctricas puras, duras y hasta sucias -influencias del grunge y el post-punk-, con sonoridades tales como sintetizadores y pianos, con el universo pop y hasta coqueteos con el rap.

Y este (Don’t Go Back To) Rockville todavía refleja más y de mejor forma, si cabe, esa encrucijada estilística en la que el cuarteto se encontraba y de la que se servía para brindar al mundo grandes canciones. Efectivamente, (Don’t Go Back To) Rockville suena, huele a y rezuma por los cuatro costados lo que muchos de sus compatriotas definirían simplemente como “America”, pero que el que escribe, que intenta ser cuidadoso -y seguramente Stipe y sus concienciados compañeros- definiría como música e influencias norteamericanas: Aparte de los mencionados rock y folk rock, esta canción tiene fuertes aromas de country rock, Americana y también jangle pop.rem-wolves-irsEl jangle pop está considerado un subgénero del pop rock, y en él se enfatizan las guitarras -especialmente las eléctricas de 12 cuerdas- y las melodías pop con fuertes reminiscencias de los 60. Se considera a The Everly Brothers y The Searchers como los fundadores del estilo, y por ejemplo The Byrds y The Beatles como fuertes impulsores del jangly sound que fundamentaría este subgénero en la mencionada década. Pero a mediados de los 80, con el surgimiento de un movimiento post-punk norteamericano, viviría un resurgir, y el vocablo “jangle pop” se utilizaría para describir bandas como R.E.M., pero también otros ilustres de la escena norteamericana como Tom Petty & the Heartbreakers. b0d5c3eb4bb7572106a767d1a41de1b7-500x489x1Nuestro álbum se grabó en Charlotte, Carolina del Norte, en un período de unos 16 días, y fue producido por Mitch Easter y Don Dixon, quienes usaron la técnica “binaural recording” en algunos temas: Se utilizan 2 micrófonos, en un intento de crear una sensación “3-D stereo”, como si el oyente se encontrara en la misma habitación con los músicos e instrumentos. La principal razón era que Easter y Dixon intentaban captar al máximo el sonido en vivo de la banda.

(Don’t Go Back To) Rockville fue editada como segundo single del disco, aunque no llegó a entrar en los charts USA ni UK, a diferencia del primero, So. Central Rain (I’m Sorry), de hecho uno de los mejores temas de toda la carrera del grupo. El tema de hoy fue en realidad escrito por Mike Mills, y aunque cantado en un principio por Stipe, con el paso del tiempo fue Mills el que asumió ese rol, como veremos en los vídeos que vienen después. En los créditos oficiales el tema viene firmado por los 4 componentes.

La canción digamos que está dedicada a la por entonces novia de Mills, Ingrid Schorr, y se trataba de un ruego para que ésta no volviera a la población de Rockville, en Maryland, donde vivían sus padres. Schorr, convertida más tarde en periodista, expresó en diversos medios su sorpresa y su “preocupación” por la difusión de estos hechos y las inexactitudes vertidas sobre su relación con Mills así como otros aspectos. Y es que incluso se mencionaba este detalle sobre la letra de la canción en diversos libros sobre la obra de R.E.M. Se pueden leer las reflexiones de Schorr -en inglés- por ejemplo en la web hilobrow.com:

“In the spring of 1980 I was at college in Athens, Georgia. My once-good grades had given way to behavior that my parents were starting to get wind of -a escuchar por ahí-, and they instructed me to come back home to Maryland for the summer. I didn’t want to go. Everything in Athens was so… fresh and exciting. I had just started taking part in the innocent decadence that would sustain the scene for the next several years. And I was just beginning a romance with Mike Mills, the bass player in the weeks-old R.E.M. A few weeks before the end of spring quarter he said to me — we were at Tyrone’s, the local rock club, standing between the Rolling Stones pinball machine and the Space Invaders game, playing neither — “I finally meet a girl I like and she’s got to go back to Rockville.”

That’s the genesis of “(Don’t Go Back) to Rockville,” one of R.E.M.’s most-beloved songs. The lyrics, like their author, are endearingly straightforward -encantadoramente directo-. The song isn’t so much about me as about my taking off -mi partida súbita- for some other place, leaving him behind: “I know it might sound strange but I believe you’ll be coming back before too long.”

I’d always thought that my connection to the canon was a private affair. But in 1990 I got a note from Mike saying that there was a book coming out about the band — it was Remarks: The Story of R.E.M., by Tony Fletcher (Bantam, 1990)— and I was in it. After that, I made it a habit to flip through each new R.E.M. book, looking for my name, trying not to lose myself (or “myself”) in the monotonous vortex of band history.”

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Ingrid Schorr

Éste es el vídeo original. La calidad de la imagen no es muy buena, pero sí el sonido de estudio, donde a diferencia de los directos, pueden apreciarse esos sonidos tan cercanos al country. Juraría que se oye un banjo o algo muy similar, aunque no está acreditado en ningún lugar. Aquí podemos verles muy jóvenes, y a un Stipe con abundantes melenas. En definitiva, me parece una canción muy bonita con un estribillo aún más bonito si cabe, totalmente pegadizo…

Hay bastantes vídeos de la banda interpretando el tema en directo, y en casi todos ellos con ya Mike Mills cantando. Me quedo con éste por la tremenda fuerza que tiene. En la localidad italiana de Perugia en el 2008…

Éste también está a un gran nivel. Grandes en directo, recordemos que años después la formación quedaría reducida a trío…

Por su valor histórico, aquí tenemos a la banda en un show en 1985, tan solo un año después de ver el disco la luz…

Y para finalizar con la letra en inglés y español. Imprescindible saber qué le decía Mills a su chica. Hay cierto retrato “negro” de la localidad, puesto que sus habitantes no quedan demasiado bien parados en la letra…

 

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U2: Where the Streets Have No Name (Barcelona 18/07/17)

El trasatlántico, el cuarteto dinosáurico de U2 ha pasado por Barcelona. Y esta pasada noche del 18 -cómo me hubiera gustado estar ahí- sonó en el Estadi Olímpic -en mi opinión, siempre en mi opinión- uno de los monumentos al rock de las últimas décadas: El tema Where the Streets Have No Name -me imagino que no necesita ni presentación- el corte que abre de forma apabullante su disco The Joshua Tree. En realidad, más de un monumento al rock, si tenemos en cuenta los otros superhits del álbum en cuestión, y en realidad hasta podemos extrapolar y considerar la totalidad de este disco como un monumento al rock. Es mi valoración, claro, pero también la de miles de fans y la de muchos críticos. Un clásico del rock, no entendido como un trabajo nacido en los 60 o los 70, sino como algo “más moderno”: Gestaron este monumental disco en 1987 y ahora, para conmemorar esos 30 años, han dado forma a este tour, como mucha gente sabrá. Una actuación en la que se interpretan sus 11 temas y por orden, pero también otras grandes canciones compuestas por la banda y presentes en distintos discos. Canciones que de hecho son, de nuevo, ya clásicos y hasta monumentos del rock contemporáneo -si ignoramos ese salto de 30 años-. Sí, el tiempo vuela, y lo de hace 3 décadas en realidad ya es viejo, aunque puede sonar vigente o fresco, como tengo la impresión que ocurre con este trabajo de los irlandeses.

Quiero dedicar esta entrada a los detractores de U2, que me consta que los hay, y no muchos, sino muchísimos. A todos los que muchas o repetidas veces, hablando en pasado o incluso en presente, se han mofado o se mofan de Bono y compañía. A todos los que les han criticado/critican, a los que se ríen, a los que les sacan pegas, a los que solo saben ver el lado negativo o criticable. A todos los que de alguna manera ponen en entredicho la importancia, aportación, valor o calidad de su música, sus temas y discos. Los que les cuestionan, los que les ningunean, los que hablan de ellos con la boca pequeña. A todos los que declaran que no les tragan, no los soportan, les caen gordos, no les pueden ni ver, se sienten hartos y hastiados de sus figuras y lo que es peor de oír sus temas. Cúan distinto es todo esto de decir simplemente “no me gustan” o “no me gusta su música”. Dedicarla a todos los que se inventan alguna expresión que sirva de marchamo para liquidar algo o etiquetarlo ya para siempre. Yo creo que más o menos me he explicado claro.

Tengo todo el derecho del mundo de hacer una entrada más o menos belicosa y, como me gustan, a defenderlos, a ellos, sus discos y sus canciones. Es más, yo creo que la cosa debería ir más allá -quizá tener dos dedos de frente- y aunque no te guste un grupo o su música ser honesto o más o menos objetivo y reconocer el valor de su propuesta, y esto puede aplicarse a gente a quien no les gusten o emocionen Radiohead, Prince, Frank Zappa, Björk, Kanye West o sea quien sea, da lo mismo.

Sí, soy fan de U2. Me gustan sus canciones, algunos de sus discos -los más conocidos, de hecho- y el sonido que han logrado tantas veces y que ya es un sello característico y les catapultó a la fama. No soy fan en el sentido de haber asistido a todos sus conciertos, ni siquiera en el de tener todos sus álbumes. Incluso confesaré que tengo como asignatura pendiente conocer a fondo esa trilogía discográfica de la que todo el mundo parece hablar bien: Boy, October y War, con la que irrumpirían en el panorama musical.

Voy a dedicar esta entrada también a los que, como el que escribe, les gustan sus canciones y se declaran fans. A todos los que se han emocionado en alguno de sus conciertos, a los que sencillamente sintieron -como me pasó a mí, la única vez que les vi en directo- que sus temas forman parte de nuestras vidas.

Que se haya machacado con sus discos -a cargo de los medios de comunicación y difusión, especialmente televisiones y radios- y muy particularmente con The Joshua Tree, que sonó hasta la extenuación o el aburrimiento, no es una cuestión estrictamente musical. O no es una cuestión que debiera llevarnos a torcer nuestra valoración de entrada objetiva de su obra.

Que puedan ser o hacerse pesaditos, ubicuos, y muy especialmente el señor Bono, con sus causas humanitarias, su activismo, sus declaraciones y actos, su presencia hasta en cumbres de líderes mundiales, su mesianismo, su imagen o que se tomen a sí mismos demasiado en serio -quizá especialmente Bono– no es una cuestión estrictamente musical. O no es una cuestión que debiera llevarnos a torcer nuestra valoración de entrada objetiva de su obra.

Que haya gente que se haya cansado de escuchar sus canciones, especialmente y de nuevo las de este disco, es algo que puedo entender. Hasta yo me canso de todo -de todo y de todos- y siempre estoy en pos de sonidos nuevos, propuestas nuevas, nombres nuevos, caras nuevas, sangre fresca. Pero mi cansancio nunca va a ser radical o definitivo, como para enterrar a muchos metros bajo tierra Where the Streets Have No Name o cualquiera de sus primas hermanas. Y si esto les llega a suceder a algunos aficionados a la música, no es una cuestión estrictamente musical. O no es una cuestión que debiera llevarnos a torcer nuestra valoración de entrada objetiva de su obra.

Y cualquier aspecto cuestionable que podamos argüir en torno a U2 y su propuesta, o a la imagen que dan o la impresión que nos causan no es una cuestión estrictamente musical. O no es una cuestión que debiera llevarnos a torcer nuestra valoración de entrada objetiva de su obra. O que se hayan convertido desde hace ya muchos años en un grupo llena-estadios o de consumo masivo y masificado. Los mismos razonamientos aplican exactamente igual. Sólo si pudiéramos considerarlos caducos, o repetitivos, o dinosaurios, que ya no aportan nada nuevo ni significativo -y como si esto no fuera aplicable también a cientos y cientos de viejas glorias- podríamos entonces valorar el conjunto de sus discos, especialmente los llegados tras alcanzar la cima y lógicamente iniciar el inexorable descenso. En ningún momento he argumentado aquí o voy a defender que sus discos son la quintaesencia de la genialidad creativa, porque está claro que no lo son. Incluso los más mediáticos, si apuramos. Pero aportaron algo y tuvieron y tienen un valor, en base a muchos otros parámetros que se tienen en cuenta en la música. De ahí mi dedicación con retranca e ironía, y vuelvo otra vez a dedicar la entrada a los detractores.

Sobre el significado de este tour conmemorativo y sobre lo que supuso la publicación de The Joshua Tree en su momento, suscribo totalmente las reflexiones de Jordi Bianciotto escritas en El Periódico:

“Una expedición a mayor gloria de un álbum que movió la foto del rock ‘mainstream’ de los 80 colocando el acento en las guitarras, apelando a la épica y ofreciendo unas texturas muy elaboradas que el paso del tiempo no se ha llevado por delante. (…) Sus productores, Daniel Lanois y Brian Eno, encontraron el modo de vampirizar tradiciones como el folk, el blues y el góspel en artefactos rockeros invasivos y con pinceladas de vanguardia. La sola introducción de ‘Where the Streets Have No Name’, un minuto y 46 segundos de ‘crescendo’ instrumental, expectante y anticomercial, explica por qué la construcción de esa pieza comportó la mitad del total del tiempo invertido en la grabación de ‘The Joshua Tree’.”

Y también suscribo y aplaudo las palabras escritas por Juancho Dumall en el mismo medio, a propósito de hacer “una defensa” de dicho álbum -todo es criticable y mejorable, pero me pregunto por qué los U2 y sus discos necesitan tantas “defensas” en comparación a otros. ¿Tienen la virtud de caer gordos, de cansar hasta a los más pacientes o tolerantes? Algo que tampoco es estrictamente musical…-. Argumenta Dumall con buen criterio:

“Que ‘The Joshua Tree’ sea uno de los más importantes álbumes en la historia de la música se debe, entre otros muchos factores, a su apabullante inicio. Tres grandes composiciones, como tres declaraciones de principios, como tres directos a la mandíbula: ‘Where the Streets Have No Name’, ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking for’ y ‘With or Without You’.

El disco, aparecido en 1987, todavía bajo el imperio del vinilo, se oía en orden. No era una obra concebida para el picoteo de Spotify. Por eso el arranque era tan importante, como sin duda sabían los cuatro músicos de U2 y los dos productores estrella del trabajo, Brian Eno y Daniel Lanois. Y, como se ha dicho en muchas ocasiones, ese principio, dominado por la guitarra de The Edge, es hipnótico, inquietante. (…) La banda se salía del minimalismo nuevaolero y entraba en un sonido nuevo. Grandilocuente, como han señalado sus críticos, pero de un gancho incontestable.”

Sí, sonó todo un monumento, un homenaje al rock, un himno, un grandísimo tema. El rasgueo de guitarra de The Edge es absolutamente impagable, esa intro, el ritmo imprimido, la instrumentación. Una absoluta gozada. Eso pensarán los convertidos a esta particular religión. Y me gustaría pensar que también los que no puedan/quieran incluirse en esa categoría. Me gustaría pensar que más allá de “absurdas” polémicas y debates. No. Antes que eso. Antes del pensar y el juzgar viene el escuchar.

Perdonad, perdona la retranca. Sí, dedicado a ti, seas quien seas, que amas este pedazo de canción tanto como yo. La pantalla gigante, por cierto, un pasote absoluto. El siguiente vídeo es una toma más lateral, pero interesante por dos cosas: Se enfoca a los músicos mucho más de cerca, y en un momento dado se ve a todo el gentío allí congregado. Impresionante…

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