Little Steven & The Disciples of Soul: Even the Losers (Tom Petty)

Little Steven, Steven -o SteveVan Zandt…el guitarrista del sempiterno pañuelo en la cabeza, el guitarrista durante tantísimos años de la E Street Band, miembro fundador de esta poderosísima y bien engrasada máquina de hacer rock and roll comandada por Bruce Springsteenlittle-steven-10-04-17Varias veces se ha mencionado aquí a este formidable músico. Cada vez que ha aparecido la banda del Boss, y hace bien poco cuando hablábamos de Nils Lofgren, el otro guitarrista que comparte rol en tan impresionante combo.

Steve Van Zandt, cantante, guitarrista, compositor, productor y también actor, tiene a su vez una larga trayectoria musical a sus espaldas, y algunos álbumes publicados. Por ejemplo su disco de debut Men Without Women -año 1982- con su banda de los 80 The Disciples of Soul. O Voice of America -año 1984- que como buen fan de Springsteen y toda su galaxia obra en mi poder. Miami Steve fue también cofundador de la banda Southside Johnny and the Asbury Jukes, y es uno de los máximos exponentes de lo que se conoce como la escena musical de Jersey Shore, o el sonido de la parte costera del estado de Nueva Jersey. La importancia de nuestro protagonista en toda esa escena, junto a la mencionada banda amiga o a los Miami Horns -sección de viento de reputada fama-, a su propia banda o a las formaciones que acabarían convirtiéndose en la E Street Band, es fundamental. Van Zandt y Bruce se conocieron muy jóvenes, allá por el 66 o el 67, en el principio de sus carreras y con sus respectivas bandas, y la conexión y la admiración fue mutua desde un primer momento. Lo cuenta por ejemplo el propio libro autobiográfico del Boss. Conexión, andadura musical conjunta de muchísimos años y…amistad de por vida.bruce-steve-studiors-227692-gettyimages-583898913

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¿Necesitan presentación estos “tipejos”? La E Street Band probablemente en sus años de máximo esplendor y potencia: The River, Born in the USA…

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Las fotos de estos dos “tipejos” juntos probablemente tienden al infinito, como en las matemáticas

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Steve y Bruce, en una foto que ya tiene sus añitos, junto a Ronnie Spector y Southside Johnny, el líder de los Asbury Jukes

Pero Steve es ahora noticia por otros motivos: Está de gira con la refundada banda de sus inicios, los Disciples of Soul, y además han sacado un LP después de 18 años de sequía creativa: Soulfire se llama el trabajo y lo están presentando en escenarios europeos y americanos. Hay otro hecho que libra a nuestro protagonista de sus obligaciones como streeeter: La maquinaria rockera springsteeniana está parada, ya que el Boss está ofreciendo recitales en formato intimista en un teatro de Broadway hasta junio del 2018.maxresdefault4Pero hay que hacer una importante precisión o matización al respecto del estilo y el sonido ejecutados por nuestro hombre y sus Disciples of Soul: Aunque hay puntos comunes -por supuesto el rock-, ambos difieren de la música producida por Springsteen y su banda. Little Steven y los suyos apuestan por una música que hunde sus raíces en el rhythm and blues y el soul, en los sonidos más negroides, incluso con gotas de funk, doo-wop, blues o góspel. Prueba de ello es que esta banda llega a estar compuesta por 16 personas, con sección de viento y coristas incluidas.little-steven-foto-acerboniHay otro motivo que les pone en el candelero: Steve y los suyos acaban de tocar en Barcelona, este pasado jueves día 7 en la sala Razzmatazz. En una entrevista hecha por Jordi Bianciotto para El Periódico, Steve hace importantes matizaciones en el tema de los estilos. Extraigo dos fragmentos de pregunta que lo ilustran perfectamente:

¿Diría que Bruce Springsteen ejerció una influencia en aquellos primeros discos en solitario, o quizá el efecto fue mutuo? Ambos crecimos en la misma zona en la misma época y teníamos las mismas influencias. Es difícil de explicar, porque Bruce y yo podemos tocar cada uno el estilo del otro, pero básicamente la E Street Band es un grupo de rock y lo mío es más bien soul.

¿Diría que este disco es el reflejo de una identidad sonora de New Jersey? Sí, de ese sonido que creamos con Southside Johnny and The Asbury Jukes, allí donde el rock se encuentra con el soul, con metales por un lado y también guitarras. Entonces era una combinación nueva y creo que sigue siendo bastante original.

maxresdefault5El disco Soulfire, que se grabó en pocas semanas, está compuesto básicamente por versiones, canciones suyas interpretadas tiempo atrás por otros artistas y también temas ajenos. El repertorio de nuestro protagonista ha sido objeto de versión por parte de Jackson Browne, Pearl Jam, Jimmy Cliff, Damian Marley, Gary U.S. Bonds, Darlene Love, Nancy Sinatra, Brian Setzer o Black Uhuru, entre otros.

En las últimas semanas Van Zandt ha incluido el tema Even the Losers, de Tom Petty, para abrir sus conciertos. Éste era un tema contenido en el álbum Damn the Torpedoes -año 1979- del rubio rockero desaparecido. Les unía una amistad y…

“He sentido muy de cerca su pérdida, éramos amigos, me pilló totalmente por sorpresa. Creo que fue un artista que no consiguió toda la atención que merecía. Esta canción es mi favorita.”

Pero vamos nada menos que con una triple propina, nuestro amigo lo merece. En primer lugar, el primer single extraído de este reciente trabajo, Saint Valentine’s Day. La matización hay que hacerla de nuevo: No es que éste sea un tema springsteeniano -adrede-, aunque lo es en buen grado. No es que lo sea en el sentido de que “todos copian el estilo” del Boss. Lo que ocurre en realidad es que estamos ante el sonido Jersey Shore, como se ha dicho, y eso quiere decir magnífico rock dotado de músculo, con lo cual las similitudes son inevitables. Éste es un magnífico tema que podría ir firmado por el mismísimo Springsteen, y tiene esas gotas de sonido “negro” que también estaba presente en los primeros trabajos del Boss. O esos teclados, tan propios por ejemplo de un Hungry Heart

Que pase el siguiente vídeo. Steve con un ilustre invitado. Es “a lifetime friend”, pero el protagonista de esta entrada sigue siendo el señor del pañuelo. Estamos en un concierto con los discípulos del soul, presentando el álbum Soulfire. 27 de mayo de este año, en el Count Basie Theatre de New Jersey. It’s Been a Long Time y Tenth Avenue Freeze Out. Que viva el rock, que viva el soul, que vivan estos dos monstruos y también la memoria de Clarence Clemons

Y por último, y ya que Little Steven con su propia formación también estuvieron este pasado 8 de julio en Barcelona, en el festival Cruïlla BCN, aquí les tenemos con el tema Bitter Fruit, uno de los más conocidos de su carrera y contenido en el álbum Freedom – No Compromise de 1987. Una perfecta muestra de cómo este señor siempre ha estado loco por los sonidos soul y rhythm and blues…

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Michael Kiwanuka: Black Man in a White World / Love & Hate

best2016Este 2017 se está terminando, pero aún repasaremos algún que otro disco notable del pasado 2016. Y qué duda cabe que Michael Kiwanuka ha sido uno de los grandes nombres de ese año, con un soberbio segundo álbum, de título Love & Hatemichael_kiwanukaKiwanuka ha aparecido ya antes en este blog, e incluso hemos hablado de él e intercambiado impresiones sobre este gran y prometedor songwriter y cantante. Apareció por ejemplo cuando hice una reseña sobre su paso por los escenarios barceloneses en diciembre del 2016, al igual que lo hiciera Benjamin Clementine -otro soberbio artista y grandísima voz- con pocos días de diferencia. Pero integrado dentro de esta sección no lo había hecho, y es de justicia que así sea.Michael Kiwanuka Performs At The O2 Shepherd's Bush EmpirePara no alargar en exceso la entrada, voy a tirar de algunas citas de la crítica. Diversos medios ensalzan muy bien las cualidades de este músico -británico de adopción, de padres ugandeses- y de su magnífico disco…

“Love & Hate es su segundo álbum tras el notable Home Again, que vio la luz hace cuatro años. Aquel trabajo, profundamente espiritual en su delicado soul, llamó la atención de muchos. El debutante tenía algo. Su aguda voz doliente encajaba a la perfección con ese bálsamo de cuerdas y vientos, como si desde el mismo corazón de la música negra se trazase un camino que se unía con la palpitante tradición folk británica representada en Pentangle o Fairport Convention. Algunos empezaron a llamarle el “Van Morrison negro.” (…) “Quizá la mayor influencia en mi modo de cantar es Marvin Gaye. Me gusta todo lo que hizo”, señala el cantante, que, a decir verdad, recuerda en su raíz folk negra a Bill Withers o Richie Havens.”

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“Un fabuloso catálogo de soul elegante, majestuoso en sus incursiones sentimentales que tratan la soledad, la duda, la culpabilidad y, especialmente, la necesidad de amar. Tal vez, Kiwanuka no se pare a pensarlo, o le dé igual, pero, desde el mismo arranque ensoñador de Cold Little Heart hasta el ardiente cierre de The Final Frame, solo se vislumbra una cosa: ha nacido una estrella. Su brillo está llamado a iluminar muchas noches de gloria.”

(De El País)

“Todo en “Love & Hate” encaja a la perfección, con mucha naturalidad y sin, aunque entiendo que hasta cierto punto sea debatible, el temible edulcorado de ciertos trabajos producidos en el pasado por Danger Mouse. Así, después de todo lo dicho, creo que nos encontramos con uno de los discos del año.”

“Justo escribo esto cuando se cumplen cinco años de la muerte de Amy Winehouse y puede que sea por eso que se me haga muy obvio el parecido entre su inmenso “Back to Black” y el “Love & Hate” de Kiwanuka. Sendos trabajos comparten cierta oscuridad que unida al diferente estilo de los dos cantantes hace que el resultado sea profundo y, en su justa medida, trascendente. Así, podría decirse que “Love & Hate”, como en su día lo fue “Back to Black”, supone un hito musical dentro del género del soul. Un punto de referencia que marca el camino a los que vienen detrás, que renueva al propio género y que crea fieles en un público que aprovecha la más mínima oportunidad que encuentra para sentirse diferente creando ídolos alejados del mainstream.”

(J. M. Manjavacas escribe en elquintobeatle.com)

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“‘Love & Hate’ es un disco sobre alienación y conflictos de amor, sin apenas menciones religiosas pese a que Kiwanuka es católico reconocido, pero también un estudio sobre la historia de la música afroamericana a través de un enfoque retrospectivo y lo-fi que no olvida la modernidad. Ali Farka Touré decía que la música americana “no era sino africana” y canciones como ‘Black Man in a White World’ y ‘Place I Belong’ corroboran esta apreciación con sus arreglos puramente blues y la voz de Kiwanuka…”

“El primer sencillo del álbum, ‘Black Man in a White World’, es un eufórico blues minero con palmas, infecciosos ritmos funk que atrapan a la primera y un juego de melodías vocales espectacular que evoca emocionantes imágenes de unión y alegría frente a un mundo hostil. La irrupción de su primer estribillo, así como ese coro masculino que emerge efectivamente como de una mina a partir del minuto 3.06, valen su peso en oro. Es, probablemente, la canción del año.”

(En jenesaispop.com)

“”Black Man in a White World” tiene todo lo que Danger Mouse quiere y predica, tiene ritmo afroamericano, tiene soul, tiene gospel, tiene mensaje, tiene mucho feeling, tiene eso que debe tener todo buen single.” 

(Escribe Nikochan en exileshmagazine.com)

““Black Man in a White World”…el tema podría tener un tinte reivindicativo racial, el tono africano en la desnudez inicial de la voz de Kiwanuka es evidente, aunque yo interpreto, quizás al traerlo a mi terreno caucásico, una negrura más espiritual que física. Una sucesión de cosas buenas que no terminan de compensar las malas. Un canto a la destrucción que, de alguna forma, te hace ser indestructible: “And I’ve lost everything I had And I’m not angry and I’m not mad“. Pese a todo lo malo‘ predomina el tono positivo, ayudado por el gran ritmo funk que aportan guitarra, percusión, coros y las incesantes palmas.”

(J. M. Manjavacas escribe en elquintobeatle.com)

Pues ahí lo tenemos, Black Man in a White World, mi conformidad es absoluta en que fue uno de los grandes temas del 2016. La tormenta…

“Kiwanuka y compañía abren en ‘Love & Hate’ una exuberante panorámica de cuerdas, pianos, coros celestiales, guitarras líquidas y metales al servicio de las melodías de R&B y soul clásico de Bill Withers, Otis y compañía que es tan emotiva como intrincada.”

“Donde ‘Black Man in a White World’ emociona desde una alegría contradictoria, el resto de ‘Love & Hate’ lo hace desde el drama. Kiwanuka sabe cómo hacer una canción para llorar a moco tendido. El tema que titula el disco es un polvoriento baladón de soul-rock majestuoso con cuerdas, coros y un solo de guitarra eléctrica que toca su cumbre hacia la mitad de sus 7 minutos. “No más vergüenza, pena y miseria”, lamenta Kiwanuka.”

(En jenesaispop.com)

“Centrándonos en “Love & Hate” y dejándonos llevar por la elegancia y el savoir-faire que impregna el disco, es fácil deducir las influencias musicales de Kiwanuka. El primer corte, una épica composición de casi diez minutos que lleva por título “Cold Little Heart”, recuerda poderosamente a una especie de Pink Floyd fronterizos o también, por qué no, a un Marvin Gaye producido por Morricone, a juzgar por ese “soul progresivo” con aire western que domina la canción. Pero no acaba ahí la majestuosidad del disco, ya que el resto de temas que componen el disco configuran un verdadero tour para degustar diferentes géneros de la música negra aderezados con algún toque psicodélico…”

““Love & Hate” podría encajar perfectamente en esa categoría de “bandas sonoras para películas imaginarias” (…). Su autor, Michael Kiwanuka es por tanto, un músico a tener muy en cuenta por los seguidores de la música negra pero, sobre todo, por los seguidores de la buena música.”

(De diablorock.com)

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“Brian Barton (a.k.a. Danger Mouse), famoso productor de discos de The Black Keys, el más reciente de los Red Hot Chili Peppers o como parte del “25” de Adele, ha sido el encargado de situar al cantante británico en la delgada línea que separa el comercial R&B de sonidos más clásicos y próximos al soul de mitad del siglo pasado. (…) En todo momento Kiwanuka parece tener claro quién es y cuáles son sus orígenes. En ese sentido, cualquier riesgo parece asumible y se transforma en un reto.”

(J. M. Manjavacas escribe en elquintobeatle.com)

“(La canción) “Love & Hate” es fantástica, un regalo musical de siete minutos de duración, un temón, ¡qué cojones! Un despiporre de calidad, de voz angelical, arreglos celestiales y coros infecciosos de otro mundo. Una maravilla, para qué decir más.”

(Escribe Nikochan en exileshmagazine.com)

Pues aquí está el temazo que da título al disco. No es un tema para escuchar con prisas, todo lo contrario. En realidad esta canción es todo un masaje al alma y a los sentidos, nos acaricia sonora y melódicamente, y no queda otra que dejarse envolver. Antes, la tormenta. Y ahora, la calma…

 

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Carolina Chocolate Drops: Leaving Eden

La verdad es que “tropecé” con ella, me la encontré ahí, descalza, en mitad del camino…rhiannon-giddens…y no una vez, sino varias. Varias veces fueron las que di con esta imagen y con reseñas y menciones al segundo disco en solitario de Rhiannon Giddens. Rhiannon ha iniciado una carrera en solitario, con este trabajo del 2017 y anteriormente con el Tomorrow Is My Turn del 2015…rhiannon-giddens-tomorrow-is-my-turnY no hice caso. Muy mal hecho. Tuvo que ser el bloguero lrotula, en su impagable blog y con esta fantástica entrada el que me hiciera dar cuenta de mi descomunal error o despiste, y volver sobre mis pasos en el sendero de la música. Y nunca es tarde si la dicha es buena si lo que vas a encontrarte es maravilloso. Rhiannon Giddens me parece un prodigio de la naturaleza, una cantante -bellísima voz- cargada de talento y una música e instrumentista excepcional, aparte de poseer una belleza física que sinceramente me encandila…rhiannon-giddens1640x0p02hj7xcgiddensrs-rhiannon-giddens-fbf17365-acc2-42aa-be32-12966f02fdb4Ni que decir tiene que esos dos álbumes, de su recientemente iniciada carrera en solitario son muy buenos. Pero Rhiannon Giddens también es conocida por ser la líder y vocalista de la formación Carolina Chocolate Drops. Esta formación nació en noviembre del 2005, integrada por Dom Flemons, Justin Robinson y la propia Rhiannon Giddens, en la localidad de Durham, Carolina del Norte. Aunque hay que decir que nacieron a partir de otra formación llamada Sankofa Strings, que es un colectivo de músicos que se centra en tocar música tradicional norteamericana, atendiendo tanto a estilos y repertorio como a los instrumentos utilizados -muchos de ellos de cuerda, pero no solamente-. Sankofa Strings incluía a los tres músicos citados y además al multiinstrumentista Sule Greg Wilson. Para entender a qué estilos nos estamos refiriendo, es útil citar brevemente a la Wikipedia al respecto:

“The purpose of Sankofa Strings was to present a gamut -gama, escala- of African American musics: country and classic blues, early jazz and “hot music”, string band numbers, African and Caribbean songs, and spoken word pieces.”

Es decir, y esto es importante, ese colectivo o grupo apuntaba directamente a las tradiciones, a las raíces de la música creada en las pequeñas comunidades, y esto implica como se ha dicho un rango de estilos diversos -y dado el fuerte componente afroamericano, nos retrotrae inevitablemente a las músicas y ritmos traídos de África, tanto en blues como jazz o rhythm and blues-. Por eso no es de extrañar que se utilicen términos como “old-time music”, “century-old traditional string band music” o “black string bands”, a la vez que tampoco se puede olvidar que esa música tradicional con fuertes raíces conecta con el folk norteamericano, con el bluegrass y con los rudimentos de lo que después se conocería como country.kkkkkkkkkkEstamos por tanto hablando de música hecha en la América rural. Como bien argumenta un artículo en la web indiespiritmagazine.com, este tipo de música se daba antes de que el blues y el advenimiento de la electricidad pusieran patas arriba el panorama de la música popular a principios del siglo XX. Las pequeñas comunidades hacían y creaban su propia música, pensada para animar fiestas, comilonas, bailes, funerales, bodas o bautizos. El poder de crear música residía en las manos de la gente y ocupaba una parte muy importante de sus vidas a través de ese tipo de eventos. Los Sankofa Strings rescatarían ese legado medio olvidado de la música creada por bandas de cuerda donde los afroamericanos tenían un papel central, y después de ellos la banda que surgiría, nuestros Carolina Chocolate Drops. Creo que un artículo en la web popmatters.com lo explica a la perfección:

“Country music is the sound of the rural American South, first played by the same hands that built the region’s expansive mansions, the hands that picked and planted its cotton and tobacco, that raised its children, that taught its traditions to generation after generation. It’s the music danced to by the feet that walked and ran the short but vast distances that divided the black and white worlds of the south during slavery, segregation, and beyond. That the African American experience has been underrepresented in country music is no secret. The music written, interpreted and performed by Carolina Chocolate Drops seeks in part to correct this…”

La formación ha sufrido algunos cambios. Antiguos miembros del combo han sido Adam Matta (“a human beatboxer”, hace imitaciones con la voz de instrumentos de percusión y ritmos) o la violoncelista Leyla McCalla. Matta y el multiinstrumentista Hubby Jenkins entraron en el grupo en el 2011.

Actualmente los Carolina Chocolate Drops están compuestos por Rhiannon GiddensHubby Jenkins, Rowan Corbett (multiinstrumentista) y Malcolm Parson (violoncelista). Estos dos últimos músicos se incorporaron en el 2014. Veamos diversas  fotografías que reflejan estos cambios…3493611-1191646425

(De izquierda a derecha: Dom Flemons, Hubby Jenkins, Rhiannon Giddens, Adam Matta)

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(Tres fotografías de la formación actual. En la central y de izquierda a derecha: Malcolm Parson, Rowan Corbett, Hubby Jenkins y Rhiannon Giddens)

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(Dom Flemons, Rhiannon y Hubby Jenkins)

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(En estas dos fotografías tenemos a la banda en el 2012, con el lineup formado por Leyla McCalla, FlemonsGiddens y Jenkins; ésta es la formación que sacaría ese año su segundo LP con el sello Nonesuch Records, precisamente tomando el título del tema de hoy, Leaving Eden)

Mucho más podría decirse de ellos, pero seguramente un vídeo vale más que mil palabras. Aquí podemos verles y constatar de qué son capaces, los estilos en los que vierten sus energías y la enorme destreza con los instrumentos. Antes de seguir leyendo, conócelos un poco más a fondo -en Don’t Get Trouble in Your Mind– y no te vas a arrepentir. Atención al detalle de Dom Flemons: imita con su voz diversos instrumentos, en la línea de lo que se ha explicado sobre Adam Matta

Por cierto que en el anterior vídeo, el que aparece con atuendo azul -y llevando el peso de la parte vocal- es Justin Robinson, uno de los miembros fundadores del trío originario y que no había aparecido en ninguna de las anteriores fotografías…507814795

justinrobinsonrhiannongiddens53rdannual-2m_a-lyfgdlEn ambas fotografías y de izquierda a derecha vemos a Dom FlemonsRhiannon Giddens y Justin Robinson, y en esta última les tenemos en febrero del 2011 en Los Angeles, recogiendo un premio: El Grammy al mejor álbum de folk tradicional que ganaron por su quinto disco de estudio (2010), titulado Genuine Negro Jig.  Éste es uno de los apuntes que quería hacer para ir terminando con el grupo. El otro es al respecto de sus inicios, realmente peculiares y a la vez encomiables, y que nos relata lrotula en su mencionada entrada:

“Se reunían todos los martes por la noche en casa del violinista negro, octogenario Joe Thompson para aprender canciones, escuchar historias y principalmente para tocar música. Joe conservaba el conocimiento de generaciones de músicos y pasó este legado a las nuevas generaciones. Cuando estos músicos decidieron formar un grupo, no tenían grandes planes, sólo homenajear a Joe Thompson y hacer salir la música que este les había enseñado fuera de su casa y llevarla a salas de baile y lugares públicos.” 

Thompson -que falleció en el 2012- era un veteranísimo intérprete del violín conocido como fiddle, por tanto un fiddler, y también creador de canciones, a la vez que uno de los últimos representantes de la tradición de las bandas de cuerda, una tradición de la que recogerían el testigo nuestros CCD, como notable exponente actual de estas African-American string bands.thompson1362504608-thompsonPhoto by Michael G. StewartCreo, al igual que hemos hecho con el grupo, que es momento de detenerse un momento en Rhiannon, para ver realmente quién es, porque hay cosas que van más allá de las explicaciones. Rhiannon no solamente canta, no solamente posee una enorme fuerza en su voz, contundencia interpretativa, poder para transmitir y garra, sino que además es un prodigio -y una fiera- tocando el banjo y el violín. Rhiannon Giddens con Waterboy

En lugar de entrar en más pormenores de las relativamente cortas carrera y discografía de nuestros CCD, vamos a hacer un rapidísimo repaso de los instrumentos musicales que utilizan este tipo de formaciones. Ello nos dará una idea más completa de las coordenadas musicales de estas gotas de chocolate

La guitarra -en sus diferentes modelos-, el violoncelo, la armónica y el banjo no necesitan presentación. Casi tampoco el violín conocido como fiddle56981orange-blossom-by-celebucrap-typepaddotcomfiddlersEl fiddle es el violín tradicional y ése es su nombre en el mundo anglosajón. También se usa este término para referirse coloquialmente al violín, y en especial a los primeros modelos fabricados. Tanto en su construcción como en la técnica para tocarlo difiere del violín clásico. Suele utilizarse en la música folklórica y tradicional y es usual aprender esos estilos y técnicas, así como las melodías, de oído en lugar de a través de música escrita. Se toca desde hace siglos en países y zonas especialmente del norte de Europa (Gran Bretaña, Escocia, Irlanda, Gales, Escandinavia), pero de hecho en casi todo el continente, habiendo pasado a Norteamérica y siendo incorporado a estilos como el country, el bluegrass, el folk, el cajun o ciertas modalidades del blues, pero también a algunas partes de Sudamérica. Por supuesto a Norteamérica llegó de la mano de los primeros inmigrantes europeos que se lanzaron a colonizar esas tierras, con especial influencia de melodías y músicos escoceses, irlandeses…

“John Utie, a 1620 immigrant, settled in the North is credited as being the first known fiddler on American soil.”

El dobro es conocido también como guitarra resofónica o guitarra resonadora y tiene un gran arraigo en el medio Oeste de los Estados Unidos.

“En esencia, el dobro es una guitarra acústica con la salvedad de que en la tapa anterior presenta un gran agujero circular, cubierto por un disco metálico (llamado resonador) de la misma forma y que queda flotante sobre el orificio gracias a que está sujeto únicamente por el puente. Esto hace que la vibración de las cuerdas haga oscilar el resonador…” (Fuente: Wikipedia)dobro

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Y añadiré de mi cosecha: Y qué bonito que es…

Los huesos (bones): Se utilizan también huesos como instrumento, especialmente en el folk y el bluegrass, pero también en otros estilos como el zydeco o la música franco-canadiense. Pueden ser dos largos huesos -fragmentos de costilla- que al tocarse recuerdan a nuestras castañuelas, y aparte de huesos de animal existen los hechos de madera u otros materiales como el marfil, por ejemplo. Se atribuye su entrada en los EE. UU. a inmigrantes irlandeses y de otros países europeos. Por supuesto, estamos hablando de uno de los instrumentos de percusión más antiguos usados por la especie humana…bones_mus

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Ahí le tenemos: No es otro que Dom Flemons, un notable intérprete de esos “rhythm bones”

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Otra modalidad bastante parecida es utilizar cucharas

5226834_origbonesfest-flyerEn algunas actuaciones en vivo se aprecia cómo hacen sonar auténticos manojos de huesos, como si fueran grandes sonajeros (a no ser que eso tenga un nombre específico y no haya dado con él).

El bodhran (o bodhran Irish drum o bodhrán) es un tambor de origen irlandés, de forma bastante plana y construido sobre un armazón de madera. Una parte va cerrada y cubierta con piel de cabra, cordero o carnero, que el músico toca con la mano o un bastón, mientras que la parte posterior está abierta para que pueda meter la otra mano, sujetarlo y controlar el tono y el timbre…maxresdefault2playing-the-bodhran-picture-11bodhransimage_wm2508

La jarra (jug): Se utilizan jarras vacías, hechas de vidrio o cerámica, las cuales el músico utiliza para soplar por su abertura o boca, produciendo un tono mucho más bajo y “ronco” que el resto de instrumentos. Su sonido es semejante al de un trombón. Se usan para marcar el ritmo, y en cierta manera viene a hacer funciones similares a las de un bajo. No es raro encontrar la expresión jug bands para referirse a formaciones que hacen este tipo de musica tradicional.4770359_gmemphisjugbandballard-chefs-jug-band-1030x488KONICA MINOLTA DIGITAL CAMERAEl kazoo: Se trata de un instrumento que se sopla y produce una vibración o zumbido. En realidad, y según nos explica la wikipedia, produce una modificación en la voz del músico que lo utiliza, mediante una membrana que vibra. El músico más que soplar tararea o canturrea a través de él, y esa oscilación del aire hace que la membrana vibre. Estos días atrás he visto un vídeo donde Rhiannon sopla de lo lindo a través de un kazoo, y es realmente curioso. Se conoce también como pito de chapa, mirlitón o turuta. Este instrumento ha sido utilizado por ejemplo por Queen, Pink Floyd, Eric Clapton o el grupo La Mandrágora.220px-kazoo-s47d63ab2-a457-4eb0-a1b4-7f3a049ce82b

 

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Pues ahí la tenemos. Los dioses -o Carolina Chocolate Drops- han acudido en mi ayuda: En este impagable vídeo Dom Flemons toca el dobro, Rhiannon Giddens el kazoo y Justin Robinson la jarra

maxresdefault3Podría seguir con algunos instrumentos más, ya que todo ello es realmente interesante. Tan sólo nombraremos de pasada otros que se utilizan, como el ukulele -o ukelele-, la mandolina, las tablas de lavar (washboard, también se le denomina con el vocablo francés frottoir), que se tocan frotando o golpeando la parte rugosa metálica, o las sierras metálicas de cortar árboles o madera: Se trata de la musical saw o singing saw, que produce un sonido ululante muy peculiar. Ya hablé de ello en una entrada sobre Kevin Morby, que la utiliza y nombra así uno de sus discos. Estos dos últimos instrumentos se usan en una serie de estilos en los USA. Por último, no podemos olvidar -como se mencionó- la propia voz humana, usada no para cantar sino para emitir sonidos, imitar instrumentos o simplemente marcar el ritmo mediante chasquidos o demás efectos semejantes a la percusión. Y por supuesto también los pies para golpear y marcar el ritmo, y en general cualquier objeto que pudiera ser golpeado (pensemos en el cajón…). Toda esta gama de instrumentos, en realidad la mayoría sacados del quehacer diario, han sido usados en este tipo de música centenaria y tradicional que los CCD han venido a rescatar…Carolina Chocolate Drops 2011Vamos con el tema de hoy en cuestión. Este vídeo en realidad está puesto en el lateral derecho de este blog desde hace ya bastante tiempo. Pero la belleza extraordinaria de esta canción -melodía y letra-, así como a su vez la belleza, el lirismo y todo lo que nos transmite y nos hace sentir -por lo menos a mí- esta magistral interpretación en directo en el Grand Ole Opry son tan grandes, que tenía muy claro que merecía una entrada para detenernos en ella. Incluso, y aunque hay varias versiones de la canción, prefiriendo en mi caso esta performance a la versión de estudio contenida en el álbum. Cuestión de gustos, desde luego: Encuentro a esta última grabada en otro registro y probablemente con otro ritmo- que no me acaba de convencer- y con tanto los instrumentos como la voz muy resaltados. En todo caso la versión en directo me transmite muchísimo más.

Como he señalado antes, aquí tenemos al lineup formado por la violoncelista Leyla McCallaFlemonsGiddens Jenkins, y no se puede decir otra cosa más que los cuatro están sencillamente soberbios. Y Rhiannon cantando con una sensibilidad deliciosa. Aquí se puede apreciar uno de los rasgos distintivos del estilo bluegrass: cada instrumento tiene su momento estelar de protagonismo. Sí, hay miles y miles de cosas hermosas en esta vida…pero la belleza misma, como si se tratara de un espíritu o un ente, tomó una de sus innumerables formas y se materializó en esta gran canción…

Hush now, don’t you wake up  No hables ahora, ¿no te levantas?
We’ll be leaving at first light  Saldremos con la primera luz
Mama’s buying you a mockingbird  Mamá te está comprando un sinsonte*
To lull you through the night  Para que te arrulle durante la noche
Across the Dan by morning  A través del Dan* por la mañana
Here’s a blanket for you to share  Aquí hay una manta para que la compartas
They’re building down in Georgia  Están construyendo en Georgia
Daddy hears he’ll find work there  Papá ha escuchado que allí encontrará trabajo
And the mockingbird can sing  Y el sinsonte puede cantar
Like the crying of the dove  Como el llanto de una paloma
And I can’t tell my daughters  Y no puedo contarles a mis niñas
All the things that I am scared of  Todas las cosas que me asustan
But I am not afraid of that bright glory up above  Pero no tengo miedo de esa brillante gloria allá arriba
Dying’s just another way to leave the ones you love  Morir es solo otra manera de dejar a los que amas
No work for the working man  No hay trabajo para el hombre que trabaja
Just one more empty mill  Solamente otro molino vacío más
Hard times in Rockingham  Tiempos difíciles en Rockingham
Hard times harder still  Tiempos duros más duros todavía
The crows are in the kitchen  Los cuervos están en la cocina
The wolves at the door  Los lobos en la puerta
Our father’s land of Eden is paradise no more  Eden, la tierra de nuestro padre, ya no es el paraíso
And the mockingbird can sing  Y el sinsonte puede cantar
Like the crying of the dove  Como el llanto de una paloma
And I can’t tell my daughters  Y no puedo contarles a mis niñas
All the things that I am scared of  Todas las cosas que me asustan
But I am not afraid of that bright glory up above  Pero no tengo miedo de esa brillante gloria allá arriba
Dying’s just another way to leave the ones you love  Morir es solo otra manera de dejar a los que amas
My sister stayed in Eden  Mi hermana se quedó en Eden
Her husband’s got some land  Su marido consiguió algo de tierra
An agent for the county thinks that they might make a stand  Un agente del condado cree que podrían tener una oportunidad
A hard life full of working  Una vida dura repleta de trabajo
With nothing much to show  Con no mucho que lucir
A long life of leaving with nowhere to go  Una larga vida de partidas con ningún lugar adonde ir
And the mockingbird can sing  Y el sinsonte puede cantar
Like the crying of the dove  Como el llanto de una paloma
And I can’t tell my daughters  Y no puedo contarles a mis niñas
All the things that I am scared of  Todas las cosas que me asustan
But I am not afraid of that bright glory up above  Pero no tengo miedo de esa brillante gloria allá arriba
Dying’s just another way to leave the ones you love  Morir es solo otra manera de dejar a los que amas

*Sinsonte: Ave muy extendida por el continente americano, desde el sur del Canadá hasta América Central o el Caribe. Se le conoce también con los nombres de calandria, cenzonte, cenzontle o tenca. Es célebre por su hermoso canto y por imitar el canto de otras aves. Los antiguos pobladores de Méjico lo llamaron cenztumtlatolle, que significa “pájaro de las cuatrocientas voces”. No deben confundirse con los ruiseñores.

*Dan: Me ha costado pero se refiere al Dan River, que corre entre los estados de Carolina del Norte y Virginia.

Laurelyn Dossett es una cantante y songwriter residente en Greensboro, Carolina del Norte. Escribió por ejemplo el tema Anna Lee, interpretado por Levon Helm en su disco ganador de un Grammy Dirt Farmer. Aparte de una serie de proyectos y obras, de haber escrito diversas canciones protesta y de estar muy involucrada en los acontecimientos de su comunidad, Dossett es la persona que escribió el tema Leaving Eden. Ha colaborado y realizado actuaciones en directo con Rhiannon Giddens y los Carolina Chocolate Drops… maxresdefaultdossettxxxxxxxxxxAdemás el área geográfica donde vive Dossett se conoce como región o “provincia” de Piedmont, una extensa planície en el este de los Estados Unidos y que va desde Richmond, Virginia, hasta Atlanta, Georgia. Pero lo significativo es que esta región es conocida por una peculiar técnica a la hora de tocar la guitarra, y un estilo, llamado de varias formas, entre ellas Piedmont blues. A nivel estilístico, este Piedmont blues abarca muchos más estados, incluyendo las dos Carolinas. Se originó a finales del siglo XIX, y durante la Gran Migración muchos afroamericanos se desplazaron a esta región. Es obvio que las conexiones musicales con todo lo que hemos explicado son evidentes.

Recabando información sobre Laurelyn Dossett, he encontrado este interesante dato sobre Leaving Eden, fundamental para entender la letra de la canción:

“Dossett’s song “Leaving Eden” was written after the textile giant Pillowtex closed up shop in 2003, laying off -dejando en la calle a- 4,800 largely rural workers throughout the state, almost a tenth -una décima parte- of them at a plant in tiny -el diminuto- Eden in Rockingham County. Pillowtex remains the largest single job loss in the state’s history.”

Pues sí, aunque esa hermosa letra muy bien podría retrotraernos centenares de años, a los momentos en que se forjó una nación, o a los años en que la esclavitud y la lucha por los derechos humanos llevaron a una guerra civil, o a tantos episodios de crisis que han golpeado a tantos ciudadanos con la miseria, el hambre, el paro o durísimas condiciones de vida. Tal es la grandeza de su atemporalidad. Sí, amigas y amigos: Amo esta canción. Absolutamente…

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Vetusta Morla: 23 de Junio

Vaya, qué hermosas e inesperadas son las ilustraciones que acompañan al último trabajo de los madrileños…dorfaifw0aaqfr5dnf5agdwsaggwqddkvejqkxoaa2uk_Estas ilustraciones del disco Mismo Sitio, Distinto Lugar, así como muchas animaciones, tienen un papel protagonista en muchos de los vídeos que van con los temas del trabajo. También se encuentran en un magnífico desplegable en el interior del vinilo. Puede verse brevemente en el siguiente vídeo…

Y la culpa de que me entere de todo este despliegue de pop art es que Raquel Sánchez Silva, la presentadora del programa Likes de la cadena de Movistar+, despliega el vinilo para mostrárselo a los espectadores en el transcurso de una interesantísima entrevista a Vetusta Morla. Un programa que en absoluto suelo mirar, pero sí puedo decir que habré visto 2 o 3 reportajes musicales (en YouTube), y que ahora descubro que se cancela antes de estas próximas navidades, por no haber despegado en audiencia.

Los madrileños explican en esta entrevista cómo este disco ha supuesto la búsqueda de un nuevo sonido, de nuevas fórmulas, y que es el resultado de hacerse muchas preguntas a sí mismos.vetu1En realidad, y a su vez, la culpa de que haya escuchado y visto dicha entrevista la tiene la canción 23 de Junio. No suele pasar que un “vals” me atrape, pero esta canción es realmente enigmática y magnética, con un estribillo inconmensurable y muy hermoso. “Un vals retrofuturista cargado a partes iguales de folclore y manipulación sonora, conviviendo en armonía”, nos dice la web de mondosonoro.com en un sensacional artículo donde donde se diseccionan los cortes del álbum uno por uno.

Un disco muy interesante para ir descubriendo poco a poco, abierto magistralmente con el Deséame Suerte, un tema absolutamente Beatle y empapado de psicodelia. Sin embargo están ejerciendo una atracción especial en mí los cortes más tranquilos y baladísticos, como Punto sin Retorno o la misma 23 de Junio.

Aquí está. Ojalá fuéramos capaces tantas veces de dejar el equipaje en la ribera, de despojarnos de tantos artificios, disfraces y complementos superfluos y prescindibles. De mostrarnos, abrirnos y amar de forma honesta, valiente, salvaje, lanzándose de cabeza. Hogueras de San Juan donde quemar tantas cosas, donde quemarse a uno mismo para que paradójicamente sea uno mismo -el auténtico- el que sobreviva. Una canción impresionante…

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Nils Lofgren: Wonderland

Hablé de Nils Lofgren hace ya unos meses, de este formidable songwriter y guitarrista, de este músico y profesional como la copa de un pino. Decía por aquel entonces y volveré a hacer la más que lógica mención ahora, que es muy posible que la gran mayoría del público aficionado al rock conozca a Nils -Chicago, 1951- por ser miembro de la E Street Band comandada por Bruce Springsteen. Entró a formar parte del combo liderado por el Boss en 1984, para sustituir al que era hasta entonces primer guitarrista del grupo, Steven Van Zandt, que decidió iniciar una carrera en solitario. Era ése un momento crucial en el devenir del propio Springsteen y su banda, pues Nils se incorporó justo a tiempo para empezar la exitosa y espectacular gira mundial del Born in the USA, que sin duda convirtió al Boss ya de forma irrefutable en una estrella conocida en todos los rincones. feature1_5Bruce decidió disolver la E Street Band en 1989, para volver a reunirla en 1999, momento en el cual tanto Lofgren como Van Zandt vuelven al combo, pero esta vez los dos y para quedarse definitivamente, de hecho -y los fans de la formación lo concebimos como una bendición- hasta nuestros Glory Days -perdón, gloriosos días-.

Bruce Springsteen, Steven Van Zandt, Nils Lofgren

Nils Lofgren, Bruce Springsteen y Steve Van Zandt, tres monstruos del rock

Pero ni la figura ni la carrera de Nils Lofgren se limitan “solamente” a esos 33 años de andadura al lado del Boss y sus streeters…Menuda injusticia, menudo recorte, menuda simplificación y menudo error estaríamos cometiendo de pensar de esa manera. Nils lleva a sus espaldas una larguísima y prolífica carrera, habiendo editado una burrada de discos en solitario, de directos y también habiendo participado en innumerables colaboraciones en trabajos de otros artistas. Aquí aparece listada su apabullante discografía o aquí en AllMusic tenemos su biografía bastante sintetizada.

Lofgren ya colaboró, siendo muy joven, en el álbum After the Gold Rush (1970) de Neil Young, así como en el disco Crazy Horse (1971) del mismo músico canadiense, formando parte temporalmente de la banda de homónimo nombre. Un impresionado Young conoce a un Nils que a los 15 años había aprendido a tocar el piano y la guitarra y le invita a tocar dichos instrumentos en el primero de esos discos. 141661642Ante un músico -multiinstrumentista- tan incipiente y brillante, es lógico por otro lado que él y Springsteen se conocieran ya de muy jóvenes, en el inicio de sus respectivas carreras. Por eso Bruce sabía que hacía una apuesta segura proponiéndole entrar a formar parte de su banda. Una prueba de que Nils jamás renunció a seguir su propia carrera en solitario es que solo un año después -en 1985- sacaría al mercado su álbum Flip, uno de los más exitosos en su haber.

Y es en aquellos años que llegué a conocer a este rockero, justo antes de ingresar en la E Street Band y gracias en buena medida a la difusión de este álbum en las radios españolas…xxx-343355Formidable disco publicado en 1981, contiene un puñado de excelentes canciones, como el trallazo que da título al trabajo y que fue el protagonista de la mencionada entrada. Una entrada en la que, aparte de hablar de estas cuestiones de forma más extensa, se hace mención de una cuestión probablemente jugosa…bluelightmini…de una “noticia” o información que circulaba aquellos años y de la que por ejemplo se hace eco el periodista Julián Ruiz en la web de Plásticos y Decibelios: Que Patti Scialfa y Nils Lofgren eran pareja en un principio, y que por tanto Springsteen le robaría la novia a nuestro protagonista de hoy. Como sabemos, la pelirroja se convirtió en la actual esposa del Boss y mantienen una unidad familiar muy estable. (Esto, obviamente, es el anzuelo extramusical para que piquéis y visitéis la mencionada entrada).

En 1983 Nils sacaba otro disco excelente, y este vinilo también ingresó en mi colección…mi0000687646col_00019_00566Se trata de un disco bastante aceptable en líneas generales, con unas cuantas canciones brillantes y con garra. Algunos de los cortes son bastante comerciales en cuanto a sonido, y por otro lado muy cercanos estilísticamente a los mencionados Springsteen y Neil Young. No en vano Lofgren ha sido adscrito al subgénero del heartland rock. Por otro lado aquí podemos consultar una breve crítica del disco firmada por Joe Viglione en AllMusic. Las guitarras y los solos son marca de la casa, obvia decir.

Destacable el corte que da nombre al álbum. Atención a ese comienzo impagable, y es que Lofgren se abre estilísticamente y nos regala aquí una canción impregnada de ritmos caribeños y tropicales, de calypso. Irresistible chutazo de pop rock, ritmo saltarín, los teclados y la dulce voz de Nils, en un tema atrayente y pegadizo…

De aquí saltaremos a una curiosa serie de conexiones: ¿Conocéis la historia que vincula a Bruce Springsteen con la Patum de Berga? ¿Del pastelero que confeccionó una mona coronada con la figura del guitarrista? Estamos hablando del pastelero -el pastisser- Albert Dorna, un fan irreductible de Springsteen. Expliqué toda esa historia en la mencionada entrada, relacionada con un tema musical del Boss. Bien, la cuestión es que Albert consiguió traer a Nils Lofgren hasta Berga, localidad barcelonesa y capital de la comarca del Berguedà, en el 2010…20-nils_lofgren_berga_resort_entrades-212x300El 31 de octubre de ese año, y tras pacientes y difíciles gestiones, Albert Dorna consiguió que Nils diera un único concierto en el estado español, cerrando una gira europea que le llevó únicamente a Inglaterra y Escocia. Con ese concierto se celebraba el 150 aniversario de la pastelería que regenta Albert. En esta crónica se nos explica cómo se vendieron todas las localidades y cómo se colgó el cartel de completo en todos los hoteles de Berga, pues acudieron fans de Nils desde toda Catalunya, diversos puntos de España e incluso de Francia, Inglaterra, Italia o Rusia. Incluso la cadena TV3 entrevistó radiofónicamente a Dorna para que explicara cómo la empresa llegó a buen puerto.

La afición de Albert Dorna por Springsteen y el resto de músicos de la E Street Band es lo que hace posible estas noticias tan curiosas e interesantes -y con un pelín de inverosimilitud y una gran dosis de generosidad de esas estrellas del rock-. Esas conexiones hacen posibles documentos como éste. La calidad del sonido, mejorable, pero el valor de este testimonio es innegable…

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Crystal Fighters: Follow

En este mundo todo está conectado, y esto va a ser una pequeña demostración…

Como culé que soy -desde pequeño- no puedo decir esto con mayor orgullo: Es curioso cómo el mejor jugador del mundo, probablemente el mejor futbolista de todos los tiempos –Leo Messi, quién iba a ser- me descubrió al grupo Crystal Fighters

Messi acababa de ganar su cuarto Balón de Oro consecutivo -2009, 2010, 2011 y 2012- y con motivo de tan espectacular gesta, Adidas sacó este vídeo como homenaje al jugador azulgrana. Escuchad (y ved esta pequeña maravilla de la animación)…

Claro, la pregunta obvia al escuchar esta música tan atrayente, vital, saltarina y enigmática asaltó mi cabeza y seguro que la de muchos otros: Pero…¿quién interpreta esta maravilla? Porque es una maravilla, con esa sonoridad tan peculiar. Y esto es debido a un instrumento también muy peculiar: El instrumento de percusión vasco conocido como txalaparta

Hice los deberes y averigué con celeridad el nombre del tema –Follow– y el del grupo: Crystal Fighters. Las dos preguntas básicas quedaban contestadas. Esta formación goza de un gran predicamento y bastante popularidad en España, habiendo actuado varias veces en infinidad de ciudades. Y tienen una nutrida y creciente legión de fans. Por todo ello no es extraño encontrar numerosa información en la red sobre el grupo, así como reportajes y entrevistas realizadas por medios españoles.

Los Crystal Fighters se crearon en el 2007 en Londres. La banda la formarían Sebastian Pringle (voz principal, guitarra), Gilbert Vierich (parte electrónica, guitarras, txalaparta y percusión) y Graham Dickson (guitarra y txalaparta), a los que se unirían Laure Stockley y Mimi Borelli a las voces. En el 2010 incorporaron al italiano Andrea Marongiu a la batería y percusiones.image_content_5758773_20161202015559

(De izquierda a derecha: Graham Dickson, Sebastian Pringle y Gilbert Vierich)

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(Sebastian Pringle, Laure Stockley -pero qué guapa-, Graham Dickson, Mimi Borelli y Gilbert Vierich)

Morelli y Stockley ya no pertenecen a la banda, de hecho ya no intervienen en el segundo trabajo del grupo, mientras que Andrea Marongiu desgraciadamente falleció en septiembre del 2014 al parecer por un fallo cardiaco, siendo sustituido por Daniel Bingham. Hay que señalar que posteriormente la vocalista Eleanor Fletcher se incorporó al grupo -y también Clarissa Land-, y acabó desplazando a Morelli y Stockley, aunque éstas siguen apareciendo en algunas presentaciones en vivo de la banda.

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Andrea Marongiu

La banda tiene hasta el momento tres álbumes publicados:

  • Star of Love (2010)
  • Cave Rave (2013)
  • Everything Is My Family (octubre del 2016)

Laure Stockley tiene ascendencia vasca, y aunque solo participó en el primer disco, esto es un hecho clave que ha marcado los derroteros del grupo y el empleo de ciertos instrumentos. En primer lugar sepamos de dónde ha sacado el nombre este grupo. El blog El rincón de la desconexión -por ejemplo- nos lo explica:

“El grupo tomó su nombre Crystal Fighters de una ópera inacabada compuesta por el abuelo de Laure (Stockley) durante sus últimos y dementes meses de vida. Laure encontró por casualidad el manuscrito mientras limpiaba la solitaria casa de campo del anciano en el País Vasco. Pronto se obsesionó con los intrigantes garabatos de su interior, y decidió compartirlo con el resto. Cautivada por los presumiblemente proféticos manifiestos, la banda tomó el nombre de la obra en un intento de mantener vivo el espíritu salvaje y trastornado del abuelo. “Empezamos a escribir música sobre el libro y aprender sobre la cultura vasca y cómo ha evolucionado la música e historia. A partir de allí, decidimos que queríamos terminar la ópera y hacer un show en vivo que girase a través de algunos de los increíbles y locos pasajes de este libro. Entonces elaboramos este show en vivo alrededor del libro y escribimos nueva música basada en esta dirección y mirando la música vasca en su conjunto”, explicaba Vierich.”

Esa ascendencia vasca de Stockley así como el descubrimiento de ese manuscrito hizo que se interesaran en la cultura vasca y que empezaran a usar ciertos instrumentos vascos en sus discos y conciertos. Por ejemplo el danbolin y el txistu7171385634_a36ef678fd_m…en algunos medios también danbolina. En inglés aparece denominado como “pipe and tabor” (flauta y tabor, que es una especie de tambor de la época medieval; también aparece en otros medios “silbato y tambor”), y asimismo se le puede llamar tamboril o tamborín. Suele ir acompañado del txistu txirula -y la persona que la toca es un txistulari-, y la definición básica es “una flauta de tres agujeros perteneciente a toda una familia de flautas de pico tocadas con una sola mano.” Otra definición, encontrada en euskadi.eus nos dice que “el txistu se acompaña del danbolin. Se trata de una flauta de pico que tiene tres orificios y de un pequeño tambor cerrado con un solo bordón.” 

O en suma, como nos dice la Wikipedia sobre el txistu, “se usa para ayudar a silbar, marcando el ritmo. Mientras el txistulari toca el silbato en la mano izquierda, toca con la mano derecha un tambor para marcar el ritmo de la melodía.” basauri_danbolin_kalejira_201048928-lore-jokoak-07-txistu-y-danbolin227613740_1161345_223(Debo decir, por cierto, que esto es solo un mero apunte informativo, ya que veo que la complejidad y los detalles de toda esta temática son considerables. En diferentes puntos de la geografía española, como León, Cantabria o Aragón, recibe diferentes nombres, e incluso se adivinan conexiones con la gaita. Tan solo en el País Vasco podríamos encontrar toda esta serie de vocablos para el txistu, que como puede verse va fuertemente asociado al danbolin, al tocarse juntos: txilibitu, txurula, txirola, txürula, txulula, txilibitulari, txilibistari, danbolin, danbolinari…)

Pero volvamos al grupo británico, porque parece que “la estrella” de estos instrumentos autóctonos de Euskadi y que emplean con frecuencia es la txalaparta (especie de xilófono gigante de madera):

“La txalaparta es un instrumento de percusión vasco. Consiste en paneles de madera horizontales colocados en dos soportes. Las maderas más comunes eran castaño, aliso y fresno. La txalaparta se toca con cuatro palos, cada uno de los txalapartari tiene dos palos. Según la tradición, un intérprete se denomina “ttakuna” (“tukutuna” o “BIA”) y el segundo músico “cojo” (“pikatzailea” “urguna” o “uno”). El primero establece el equilibrio o el orden, mientras que el segundo crea un desequilibrio.”

Atención a esto, porque es una definición poética bellísima, me ha dejado impresionado:

“La txalaparta: se define como el sonido que se reproduce sobre este instrumento vasco, primitivo y moderno a la vez, formado por 4 tablones de madera, de distintas especies, y sobre los cuales dos músicos, frente a frente, golpean con sus palos (makilak).

“Txalaparta” es el eco de un silencio y de una quietud explicitados: la soledad del valle repentinamente calada por el galope del caballo (“zaldi”) golpeando el suelo con sus cuatro patas, como dos “Txalapartaris” tocando cada uno la madera con sus dos palos (“Makilas”). El instrumento es hembra, pero su canto es macho: La verticalidad golpeando la horizontalidad, el movimiento recorriendo la inmovilidad, el macho acoplando a la hembra, la lluvia aliviando la sequedad del suelo, el tiempo ganando espacio…”

(En ibasque.com )

Crystal Fighters con la txalaparta

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El grupo en el Wilderness Festival en Cornbury Park, Oxfordshire, en el 2016…

Pero hay mucho más en cuanto a instrumentos: Crystal Fighters también emplean en algunos de sus cortes el ukulele (o ukelele), el kalimba (instrumento idiófono, con caja de resonancia y unas laminillas, una especie de acordeón de mano, muy extendido por todo el continente africano)… 290843…o el charango, que es un instrumento de cuerda principalmente usado en la región de la cordillera de los Andes…1200px-bolivian_charango_001El grupo explica que se siente muy a gusto en tierras vascas, con sus gentes y con su público. Pringle cuenta en una entrevista que se pasó 6 meses allí, aprendiendo a tocar la txalaparta y también a hablar castellano -además ha pasado un tiempo en las Islas Canarias-. Y para acabar de rizar el rizo, presentaron oficialmente su segundo disco, Cave Rave (“fiesta en la cueva”) en las famosas cuevas de Zugarramurdi (Navarra). Esto sucedía el 29 de agosto del 2013, ante unos pocos seguidores y 300 periodistas…

“A 400 metros de Zugarramurdi, “el pueblo de las brujas“, se sitúa una cueva donde nació una escena de rituales paganos en el siglo XVII en la que hombres y mujeres escapaban de la rutina diaria y celebraban fiestas salvajes. Crystal Fighters han decidido acoger aquí su propia “rave en la cueva” (lo que vendría a ser la traducción literal del título de su disco) encabezando un cartel que también incluye artistas de la zona, como los vizcaínos Belako y el sexteto navarro Wilhelm & The Dancing Animals.”

“Unas cuevas donde las celebraciones paganas tenían lugar en la antigüedad y que en el proceso inquisitorial de 1609 a 1614 fueron presentadas como prueba evidente de que en Zugarramurdi se desarrollaban actos donde se ejercía la brujería.”

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Por si aún a estas alturas no ha quedado claro que nos hallamos ante un grupo interesantísimo y muy peculiar, decir que recogen influencias de grupos españoles como Golpes Bajos, Aviador Dro, Las Vulpes y Dulce Venganza, es decir, de ritmos ochenteros del punk y de música experimental electrónica . Los propios miembros del grupo se definen así, de nuevo citando el blog El rincón de la desconexión (sensacional artículo para empaparse de la historia del grupo): “Nos consideramos una mezcla de folk, electro, punk, techno, dubstep y pop español.”

El intentar encasillarlos es uno de los caballos de batalla en cuanto a su identidad musical: Son una mezcla, como se ha dicho, de folk y de música electrónica y de baile, de dubstep y alternative dance. Una etiqueta que se inventó al respecto, y usada también por ejemplo con el grupo Bon Iver, es la de folktrónica. ¿Indie rock, synthpop, indie pop? También.

Paul Lester para The Guardian subtitulaba un artículo suyo diciendo “The UK’s Crystal Fighters are reinventing Spanish folk. How?” y describiendo su música como “what would happen if you went back 100 years, dropped a load of recording equipment into a remote Basque village and left the villagers, steeped in folk music, to their own devices.”

La banda empezó a llamar la atención de los medios con sus temas, pese a tener solamente dos discos en el mercado, especialmente de la prensa británica, que les dedicó elogios y empezó a hablar de lo interesantes, rompedores e inclasificables que son. Su popularidad fue creciendo poco a poco y hoy en día pueden decir que muchos de sus temas han sido remezclados o versionados por otros artistas. Han actuado en infinidad de festivales, y de hecho la energía de sus directos es una de sus grandes bazas. Un reportaje en la web de rtve.es emplea las expresiones “chute de adrenalina” y “catarsis colectiva” para referirse a sus conciertos:

“Con solo dos discos en el mercado (Star of Love, 2010, y Cave Rave, 2013), Crystal Fighters se han convertido en imprescindibles en los carteles de los festivales de verano -estuvieron en todos los importantes de España-, pero, pese al éxito, mantienen su filosofía ‘hippie’ de vida, que trasladan a sus letras y adaptan a la música electrónica. Y así consiguen llegar a los jóvenes.”

Filosofía hippie, efectivamente, que se traduce por ejemplo en una estancia en Costa Rica para estar en contacto con la naturaleza, o en la práctica de yoga, meditación o deportes como el skateboard y el surf. Esto tiene su extensión también en la forma de vestir o en los directos, donde van ataviados con vistosos y coloridos atuendos o con penachos de plumas. p9a8269feature

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Con las dos vocalistas actuales: Eleanor Fletcher a la izquierda y Clarissa Land a la derecha

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Eleanor Fletcher, Sebastian Pringle y Clarissa Land en Coachella

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Clarissa Land

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Ellie Fletcher

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No vienen de otro mundo: Vienen de Londres y se llaman Crystal Fighters

En suma y para terminar, estamos ante una de las bandas más interesantes y peculiares de la escena musical, y sin duda no puede negárseles que tienen una acusada personalidad. En otro artículo, rtve.es sintetiza muy bien lo que representa esta formación:

“​Pocas bandas actuales representan tan bien como Crystal Fighters el espíritu hippie de finales de los años 60 e inicios de los 70, adaptándolo al tiempo presente. Como si se tratase de una versión actualizada de aquella época, esta formación londinense parte de ritmos y elementos folk-rock (con fuertes raíces en el folklore vasco) para experimentar con sonidos de la música electrónica contemporánea.”

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Car Seat Headrest: Drunk Drivers / Killer Whales

best2016

Atención, atención, atención, porque creo que hasta pueden oírse -y verse- sirenas aullando…

bluelightmini

Pero qué canción tan requetebuena, tan rejodidamente buena. Un tema que me atrapó ya hace unos meses, intenso y bello, y que podríamos refrendar por ejemplo con…

Publication
NME NME’s Albums of the Year 2016
American Songwriter Top 50 Albums of 2016
Pitchfork The 50 Best Albums of 2016
Mojo The 50 Best Albums of 2016
The A.V. Club The A.V. Club’s Top 50 Albums of 2016
Consequence of Sound Top 50 Albums of 2016
The Skinny Top 50 Albums of 2016
Stereogum The 50 Best Albums of 2016
Rough Trade Albums of the Year
Rolling Stone 50 Best Albums of 2016
Paste 50 Best Albums of 2016
Pitchfork The 20 Best Rock Albums of 2016

Todas esas excelentes valoraciones hacen referencia al álbum Teens of Denial, décimo trabajo de la banda norteamericana de indie rock Car Seat Headrest. Son originarios de Leesburg, Virginia, pero están establecidos en Seattle, Washington. Empezaron como un proyecto en solitario de Will Barnes, que ha adoptado el nombre artístico de Will Toledo. Car Seat Headrest han llegado a sacar hasta 12 álbumes en la plataforma musical Bandcamp.

Teens of Denial vendría a ser la continuación del disco Teens of Style, publicado en el 2015, según palabras del propio Toledo. Aunque el salto de calidad entre ambos trabajos ha sorprendido a más de un crítico. Teens of Style era en realidad la presentación formal de Toledo al mundo tras once álbumes autoproducidos, un trabajo en el que se recopilaban algunos de los mejores temas de los cientos que se pueden encontrar en su perfil de Bandcamp. Y el disco que nos ocupa ya contiene material nuevo.

“Teens of Denial es un disco lleno de locura, caos y enorme luminosidad. Cuando lo escuchas te das cuenta de que, tras los nada menos que 70 minutos que dura, eres mucho más joven que antes de empezar a catarlo. Will Toledo se descubre como un druida que nos regala un elixir de la eterna juventud. Abre una cápsula del tiempo, como un espacio aislado del mundo, en el que los relojes carecen de sentido y lo único que existe es una energía enfermizamente contagiosa.”

(hipersonica.com)

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Will Toledo, el primero por la izquierda, y los músicos de Car Seat Headrest

“De vez en cuando, del marasmo del pop contemporáneo emerge la cabeza de algún geniecillo con inquietudes y ambiciones por encima de la media. Es lo que sucede con Will Toledo… (…) Toledo concilia con sorprendente madurez las esencias crudas del rock clásico con el indie de los 80 y 90 (Pavement, Neutral Milk Hotel, Dinosaur Jr, incluso Nada Surf), destilando en sus letras humor descarnado y la desubicación juvenil de su adolescente álter ego. Pese a que las canciones se van muy frecuentemente por encima de los 6 minutos (…) la frescura no se resiente. Toledo absorbe como una esponja ávida de líquidos todo tipo de influencias, para llevárselas a su terreno. Un solo pero a este debut espléndido y torrencial: ¿Se habrá dejado alguna idea para el próximo disco?”

(mondosonoro.com)

“Doce canciones que nos muestran un sonido renovado, más enérgico y poderoso, más sólido y compacto. Toledo ha compuesto el nuevo repertorio para la ocasión. (…) Asimismo, la grabación del álbum en condiciones de directo ha dado lugar a una colección homogénea de canciones en la que se percibe a la banda más auténtica, despojada de efectos artificiosos y desvirtuadores.

En “Teens of Denial” percibimos un Car Seat Headrest más fiel al directo, en el que se ha prescindido de las atractivas armonías vocales con las que contaba el ejercicio anterior. (…) También se aprecia la voz de Toledo en todo su ‘esplendor’. Desprovisto de filtros, ahora el compositor exhibe un registro vocal limitado, así como una voz débil y quebradiza, de gallo fácil en los falsetes. No obstante, este es uno de los aspectos más característicos de su estilo, lo que le aporta definición y personalidad.

Will Toledo nos deleita nuevamente con estructuras complejas y letras inteligentes que, una vez más, vienen ornamentadas por esas pegadizas melodías a las que nos tiene acostumbrados. 

Grandes melodías, excepcionales desarrollos musicales y juegos de dinámicas que acompañan a unos textos inteligentes que son ya seña de identidad de este joven de apariencia intelectualoide…

El funesto falsete de Toledo tomará todo el protagonismo según se inicia “Drunk Drivers/Killer Whales”. Afortunadamente no tardará en retornar a su registro natural para regalarnos una de las mejores melodías del álbum. Íntima y emocional en su primera parte como pegadiza y sentida en la segunda, esta composición se erige, sin duda alguna, como uno de los mejores cortes de la colección.”

(elquintobeatle.com)

Car Seat Headrest - Los Angeles, California - April 4, 2016

Will Toledo

El vídeo es extremadamente sencillo pero muy atrayente e hipnótico: Un trayecto nocturno en coche, a través de un bosque y bajo la luz de los faros, para ir cambiando de escenario a la vez que crece el tema en intensidad…

 

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Pet Shop Boys: Se A Vida É / Single – Bilingual

Siempre les he respetado mucho, muchísimo…Me atrevería a asegurar que, por lo menos en nuestro contexto sociocultural, el occidental y avanzado, e incluso pensando más allá de Europa y Norteamérica -es decir, también Latinoamérica y algunos países asiáticos- o muy desconectado había que estar de la música o prácticamente ser un “marciano” para no conocer o haber escuchado jamás el West End Girls de los Pet Shop Boysr-99644-1284461613-jpeg…es decir, casi casi “no vivir en este mundo” cuando, allá por octubre de 1985, este single del dúo británico entraría en los charts de ese país para poco a poco ir escalando posiciones y acabar en el número uno. Y arrasar en medio mundo, porque acabó también siendo número uno en los USA, Canadá, Finlandia, Hong Kong, Noruega o Nueva Zelanda, y número dos en España, Suecia, Bélgica, Irlanda, Alemania…Es más, hasta me atrevería a decir que me cuesta pensar en gente que no le acabara enganchando o gustando la canción. Curiosa la historia de este tema, por cierto, porque cuando asaltó las listas de éxitos se trataba en realidad de la segunda versión que realizaban del mismo. Compuesta hacia 1981-82 junto con otros grandes hits del grupo, la primera versión, producida por Bobby Orlando, no pasó de ser un hit a nivel de clubs. Fue cuando la regrabaron ya bajo la batuta de Stephen Hague, una vez habían firmado por EMI y apareciendo incluida en su primer álbum, Please, cuando se convirtió en un éxito mundial en 1985-86.r-705667-1174871665-jpegLa fascinación que ejerció en mí este temazo fue inmediata. La irresistible entrada rítmica del bajo, el fraseado casi rapeado, la mezcla con el estribillo cantado -adelantándose en muchos años a algo después muy frecuente-, en fin, la suma de tantos elementos muy cuidados y bien ensamblados ya hablaban a las claras de que estábamos ante un dúo con talento.

Y de ahí y con el paso de los años y de los discos a saborear y disfrutar de muchos hits irresistibles de este grupo: It’s a Sin, Rent, SuburbiaWhat Have I Done to Deserve This?, su particular e imparable versión del Always on My Mind -que también popularizara Elvis Presley en 1972-, King’s Cross u otro tema que me parece sensacional, Domino Dancing…La lista sería prácticamente interminable, no en vano estamos hablando del dúo que más ha vendido en toda la historia de la música británica, de más de 50 millones de discos vendidos en todo el mundo, de numerosas distinciones y premios y de no pocos números 1 en su carrera o de singles en altas posiciones en las listas.pet-2-1Así que a lo largo del tiempo unos cuantos vinilos de estos dos señores acabaron en mi colección. Comprendo que la propuesta musical ofrecida por Neil Tennant -voz principal, teclados, guitarra- y Chris Lowe -teclados, voces- pueda no convencer, seducir o atraer a muchos aficionados, especialmente a los muy amantes del rock. Desde luego no sería mi caso, ya que pese a encantarme prioritariamente el rock también me atrae mucho el pop rock y el pop a secas cuando éste está bien hecho. Calificar a Pet Shop Boys de horteras, superficiales, comerciales u otros adjetivos parecidos me parece tremendamente injusto. Su propuesta podrá gustar más o menos, pero el pop facturado por estos dos señores destila inteligencia, calidad y talento, y una escucha atenta de muchos de sus temas desmonta cualquier prejuicio de considerar su obra carente de interés o valor. Esas dosis de synthpop, electrónica y pop muy estrechamente vinculado a la dance music o al sonido disco creo que son ideales cuando se escuchan con cuentagotas, intercaladas en un mar de estilos, ese mar que mece nuestros oídos cada día.

Y como muestra de las virtudes de este dúo que intento defender, el álbum que viene a continuación: En 1996 volvía a caer y a gastarme tontamente el dinero a comprarme el nuevo trabajo de la banda, titulado Bilingual… pet-shop-boys-bilingual-459946…un disco cuya portada e interior vienen totalmente en colores amarillo limón y pálido. Un excelente trabajo con unas cuantas grandes canciones. Lo que más me enganchó de este trabajo, y lo que considero más notable e interesante, es que reflejan las influencias de la música latina y en especial de la brasileña, fusionando estos estilos con su pop a base de sintetizadores y tantas veces plenamente bailable. Después de sacar su álbum Very, el grupo se embarcó por una gira por Sudamérica, y se vio influenciado por los sonidos y ritmos de esa parte del mundo. El propio título, Bilingual, ya refleja esa riqueza cultural: Tennant se atreve a cantar frases en español y portugués en tres de las canciones.

Concretamente cabe hablar de las influencias de lo que se conoce como música Axé. El Axé nació en los 80 en Salvador de Bahía, Brasil, y recoge una serie de géneros afrocaribeños como el reggae, la marcha o el calypso, así como variedades de la música brasileña como el forró, el frevo o la carixada. El término deriva del vocablo de la cultura Yoruba ase, àse o ashe, y significa espíritu, luz, buenas vibraciones, pero también el poder para hacer que las cosas sucedan o que se produzcan cambios. Vendría a significar energía positiva, y está presente también en la religión Candomblé y en manifestaciones como la capoeira. Esa energía estaría dentro de nosotros, según estas creencias, y manifestaría el poder de las deidades o el panteón de los Orishas, mediante bailes y rituales para combatir a los espíritus malignos. Por supuesto todo esto tiene mucha relación también con los carnavales de Bahía…

“Axé designa a la fuerza invisible, la fuerza mágica o sagrada de toda divinidad, de todo ser animado, de todas las cosas. Dicen que el Axé está dentro de nosotros, iluminado por los dioses Orishas, esperando a salir, por medio de bailes y rituales, en nombre de los Orishas, en contra de los Gums o espíritus malignos.” 

“A veces el termino Axé Music es utilizado erróneamente para designar todos los ritmos de raíces africanas o el estilo de música de cualquier banda o artista que proviene de Bahía. Hay que señalar que no toda la música baiana es Axé, pues también tenemos géneros como el Olodum, la Samba de Roda, el Pagode o el Calypso, proveniente del Caribe…”

axecarnaval-de-salvador-bahia-2016-musica-axe-reggea-foliaoTodas estas manifestaciones musicales y culturales tienen su origen, una vez más, en el tráfico de esclavos africanos que se produjo en siglos pasados hacia el Nuevo Mundo, llevando consigo sus creencias espirituales y sus rasgos de identidad, como en el caso de la tradición Yoruba.

Formaciones como Ilê Aiyê, Olodum o Timbalada han popularizado este género, así como muy notablemente artistas como Ivete Sangalo, Carlinhos Brown o Daniela Mercury -de estos dos últimos tengo unos cuantos trabajos, por cierto, y me encantan-.334px-ilc3aa_aiyc3aa_28647251214129Sea como fuere está clarísimo que Pet Shop Boys incorporaron esas influencias de la música brasileña a Bilingual, solamente hay que escuchar con los oídos bien abiertos y sin prejuicios. Más concretamente podemos hablar de la célebre batucada “un subestilo de samba que hace referencia a un estilo de percusión brasileña de influencias africanas, generalmente interpretado por un conjunto, conocido como batería. Se caracteriza por su estilo repetitivo y su ritmo acelerado”– con la que se abre el tema Single – Bilingual, o que pronto es introducida en el tema Discoteca, que abre el disco. Los temas Discoteca y Single – Bilingual están empalmados en el álbum, produciendo un efecto magistral. Ahí les tenemos, atención a los timbales y el ritmo, pues la batucada abre fuego incluso a nivel visual…

Y he dejado para el final esta auténtica maravilla a todos los niveles. Si el anterior tema sencillamente me parece sensacional en su género y en esa fusión -batucada, líneas de sintetizador, pop, dance music-, éste no le va a la zaga en absoluto. El vídeo es maravilloso, filmado en blanco y negro en una estética y un espíritu que pueden recordar el melancólico Wonderful Life de Black. Se realizó en un parque acuático, concretamente en el Wet ‘n Wild de Orlando, Florida, y fue dirigido por Bruce Weber. Muestra a una serie de jóvenes y adolescentes divirtiéndose en las atracciones de agua, y en él aparece ni más ni menos que una irresistible y bellísima Eva Mendes4ae6b82024f3ecf43ffa761cb1788927weber_02Fue el segundo single extraído del álbum -y el anterior tema el tercero- y en ambas canciones las percusiones corren a cargo de un grupo de Glasgow llamado SheBoom. Se A Vida É es en realidad una adaptación o versión de un tema de la formación brasileña Olodum, titulado Estrada da Paixãoy aquí podemos certificarlo.hqdefaultmaxresdefault1

La traducción correcta de Se A Vida É es “Si la vida es…” y no “That’s the Way Life Is”, aunque la razón de subtitularla así es que esa frase en inglés se repite en la letra.

Un vídeo con innegable carga erótica, cosa lógica si pensamos en cuerpos ligeros de ropa en un parque acuático. Magníficos cuerpos, femeninos y masculinos -con más profusión-  que conectarían con esa imagen o aureola gay que siempre ha proyectado el dúo. En cualquier caso, este maravilloso vídeo es todo un canto a la vida, la libertad, la felicidad y la sensualidad, yendo mucho más allá de tontas etiquetas que tan solo encasillan a las personas. Atención una vez más a la percusión, los timbales, la sección de viento, los coros…todos los arreglos están muy bien cuidados.

“Come outside and see a brand new day
The troubles in your mind will blow away”

(…)

“Come outside and feel the morning sun
Se a vida é I love you
Live is much more simple when you’re young”

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Girls: My Ma

Le comentaba a Raúl este mismo viernes que en realidad durante meses y meses he estado acariciando la idea de dedicarle una entrada al impresionante Comfortably Numb de Pink Floyd. De alguna manera se me ha “adelantado”, pero sigo contemplando la posibilidad de hablar de este tema algún día: Raúl se centra básicamente en los motivos personales que inspiraron a Roger Waters a concebir el álbum The Wall, en la importancia capital de un disco conceptual tan señalado -y sus ideas centrales-, y también en la dinámica del grupo y sus tensiones internas.

Aprovecho de nuevo para insistir en que me parece un álbum soberbio y en que Comfortably Numb es uno de los temas que más me han impresionado e impactado ya no de esta banda británica, sino de todo el panorama rock. Y todo esto me ha llevado, por extraño y desconectado que parezca, al tema que hoy nos ocupa de la extinta banda californiana Girls. Existe una correlación, desde luego puramente subjetiva, y enseguida se verá…girls-bandHablaba en mayo del año pasado de esta banda procedente de San Francisco, formada en el 2007, que orbitaba en torno a dos componentes clave: El compositor y cantante Christopher Owens y el bajista y productor Chet “JR” White. La banda tuvo una cortísima carrera, ya que solamente sacaron dos álbumes y un EP: Album (2009), Broken Dreams Club (el EP, en el 2010) y Father, Son, Holy Ghost (2011). Tanto el corte que presenté el año pasado –Alex– como este My Ma están contenidos en ese “Padre, Hijo y Espíritu Santo”.girlsbandCorta carrera pero cómo sacudió a la crítica, que dedicó entusiastas elogios tanto al álbum de debut como al Father, Son, Holy Ghost, disco al que la web pitchfork.com le endosaba ni más ni menos que un 9’3 de puntuación.

En julio del 2012 Owens anunció la disolución de la banda y que se embarcaba en una carrera en solitario. Y así ha sido, ya que el rubio ex cantante y frontman de Girls ha sacado hasta la fecha tres discos: Lysandre (2011), A New Testament (2014) y Chrissybaby Forever (2015). Es más, una reseña de hace dos meses en sopitas.com nos anunciaba que Owens había formado una nueva banda -un trío- llamado Curls y que sacaban un EP con 4 temas, de título Vante, este 7 de noviembre.screen-shot-2011-10-06-at-1-14-10-pm

(Owens a la izquierda y Chet “JR” White a la derecha)

Girls era una formación de indie rock pero también de jangle pop, facturando música típicamente californiana pero salpicada de innumerables influencias: los años 50, 60 y 70, estilos como el surf rock, el rock and roll, el rock psicodélico, el pop rock, el country rock, el garage rock, el rock progresivo, el gospel, el folk acústico, el soul, el surf…y nombres tan ilustres como Fleetwood Mac, The Beatles, Deep Purple, Elvis Costello, Paul Simon, The Beach Boys, Spititualized, Queen, Guns N’ Roses, Jonathan Richman o los mismísimos Pink Floyd. Esos 3 trabajos editados reflejaban los enormes dotes compositivos de Owens, cómo podía reciclar tantas influencias y clichés para hacer canciones muy personales y a la vez hermosas o conmovedoras.

Siempre soy bastante subjetivo y esta vez no va a ser diferente: My Ma me parece un temazo, tremendamente bello, evocador, íntimo e intenso, y sin duda quedó en el tintero de las intenciones para una futura entrada. La correlación que establezco con el tema de Pink Floyd son los solos de guitarra. En ambos temas me encantan, y aunque se trata de formaciones y estilos muy diferentes -y aunque reconozco que los solos de Gilmour son absolutamente brutales y sientan cátedra- no puedo evitar situarlos en un particular e imaginado top -¿20, 25, 50…? no lo sé…-, pero sí sé que estos solos de My Ma, aunque breves, me comunican tanto como pueden hacerlo el de Sultans of Swing de los Dire Straits o el inconmensurable y extenso solo de Steve Miller en el tema Circle of Love.

Ahí les tenemos. Primeramente interpretando el tema en una iglesia abandonada de Brooklyn. Los coros femeninos, como puede apreciarse, tienen especial significación. El guitarrista efectúa el primer solo con la técnica del slide, deslizando un objeto contra las cuerdas y creando un “efecto glissando”. Y como suele pasar muchas veces, es un tema que de entrada puede no impactar, pero que va calando con las escuchas…

Otra toma, esta vez en el programa Late Night with Jimmy Fallon, en el año 2011. Debo decirlo -esto es gracioso pero a la vez sincero-: Al señor de la camisa negra con lunares blancos -es decir, el guitarrista de la banda, John Anderson– le saltaría encima y me lo comería a besos, y eso que los hombres -en teoría- no me gustan…

El vídeo oficial. Esa mujer de avanzada edad es la protagonista, en un hermoso homenaje a la madre que lo trajo a este mundo, ni más ni menos.

Aún voy a añadir un último vídeo. Una interpretación en un formato muy íntimo, con un público muy reducido y en el interior de una tienda de discos…

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Damien Rice: Famous Blue Raincoat (Tributo a Cohen)

Bueno, bueno, bueno, aquí le tenemos, hablando del rey de Roma. Habría que decir, hablando en propiedad, que se trata de dos reyes: El irlandés y el canadiense, el canadiense y el irlandés. Leonard Cohen nos dejó e hizo de este mundo un lugar algo más triste, más huérfano, más gris y desolado al partir. ¿O no? Porque nos dejó el inmenso y hermoso legado de su obra. Quizá fue justo todo lo contrario. Quizá no es ni “sí” ni “no”, ni “bueno” ni “malo”, ni “triste” ni “alegre”, quizá es todas esas cosas a la vez, trascendiendo el pensamiento dual.

Noche del lunes 6 de noviembre. En el Centre Bell de Montreal se celebró un concierto homenaje al canadiense, organizado por su hijo, Adam Cohen. Se denominó Tower of Song. Una serie de artistas de renombre mundial participaron. Incluso tomaron parte el primer ministro canadiense Justin Trudeau y su esposa.

Aquí tenemos una crónica en francés con 20 fotografías del evento.  Y aquí otra crónica con la relación de todos los temas interpretados y los artistas.

maxresdefault(Damien Rice y Leonard Cohen en el “23rd Annual Rock and Roll Hall of Fame Induction Ceremony”, en el Waldorf Astoria de Nueva York, 10 de marzo del 2008).

Rice interpretó el Famous Blue Raincoat, uno de los temas más emblemáticos del canadiense. Dedicado a Raúl, dedicado a Julia, dedicado a todas las almas sensibles, a todos los amantes de la música…

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