Christina Rosenvinge: Ana y los Pájaros

Subido estoy en una escalera: pintando, perfilando, retocando techos y otros detallitos. Después de una noche increíble y aborreciblemente lluviosa, ahora la luz solar lo inunda todo.

Sonando música en el ordenador. Las últimas adquisiciones que “han caído” en mi poder: Sonic Youth, The Jesus & Mary Chain (discografía completa), The Waterboys (discografía completa, qué rematadamente buenos que son), lo último de Manolo García, de Egon Soda, de Beth Hart And Joe Bonamassa (“Black Coffee”), y lo último de Christina Rosenvinge, como comenté hace unas semanas. La belleza y el lirismo de este tema -que vuelve a mí después de días y días- me golpea y tengo que bajar de la escalera -15, 20 minutos- y centrarme en el teclado…

Ayer una excelentísima noticia: al cambiarme de domicilio, seguí con Jazztel, pero por extrañas “incidencias”, problemas o quizá incluso estrategias comerciales -uno ya no se extraña de nada- no pudieron ofrecerme fibra óptica. El edificio tiene las conexiones, pero dejé aparcado el tema, porque hay cosas más prioritarias. Ayer, sin esperarlo, me llaman, me ofrecen fibra óptica y al cabo de pocas horas pasan y me la instalan: 300 megas simétricos, qué bien. Un asunto menos del que preocuparse.

Y ahora los excelentes The Jesus & Mary Chain golpean mis tímpanos, con sus guitarras aceradas y sus vivos ritmos algo poperos. Pero fue Christina la que me hizo soltar el pincel, y me alegro de ello. Bye bye.

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¿Dónde estas?

Que no te veo

Ana, me cuesta hablar de ti

Eres un pájaro en mi memoria

Oigo tu canto libre desde aquí

Entre la bruma ronca de mi atril

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Egon Soda: Glasnost / Manolo García: Océano Azul

Vamos con dos novedades de reciente aparición, dos muestras de pop rock español que nos conectan con la más rabiosa actualidad.

De un lado tenemos a los barceloneses Egon Soda, que ya han aparecido por este blog con canciones tan magníficas como Lorem Ipsum o Un Mundo de Zurdos. Esta formación, con su peculiar estilo y sonido, con ese rock vigoroso que huye de la melodía fácil y se refugia en unas letras sugerentes y trabajadas, publicaba este pasado 9 de marzo su cuarto álbum de estudio, titulado El Rojo y el Negro. La banda, sexteto ahora -Ricky Falkner, Ferran Pontón, Charlie Bautista, Xavi Molero, Pablo Garrido y Ricky Lavado- se encerraba en La Casamurada durante el mes de noviembre de 2017 para dar forma al nuevo trabajo.egon-soda-20-02-18

“En ‘El rojo y el negro’ se aúnan dos conceptos complejos: por un lado, el rojo político de la mirada crítica, presente en unas letras más explícitas y con cierta voluntad de crónica personal. En esta ocasión, la poética ha dejado paso a la política, siempre en eterna lucha. Y por otro lado, el negro. Un homenaje a la música de raíz afroamericana en sus distintas manifestaciones (el funk, el blues, el jazz, el latin) y, a la vez, una reivindicación de la noche, de lo rapaz y conspirativo”, reza la nota de prensa.

(Fuente: Efe Eme.com)

Glasnost se ha extraído como primer single de este disco. Son y suenan a Egon Soda, de ello no cabe duda…

Por otro lado tenemos a Manolo García. Hace bien pocos días hablábamos y comentábamos acerca de uno de sus temas más conocidos en solitario: Nunca el Tiempo Es Perdido. La novedad no puede ser más actual, pues el excomponente y cantante de El Último de la Fila ha sacado su nuevo disco en solitario -el séptimo- este 16 de marzo. Lleva por título Geometría del Rayo y llega unos meses después del lanzamiento del doble Todo Es Ahora. En Directo y cuatro años después del álbum de estudio Todo Es Ahora.manolo-garcia-13-02-18Al igual que el sexteto barcelonés, Manolo nos regala una vez más un muestrario de canciones donde el sonido y su sello personal son inconfundibles.

«”Geometría del Rayo”, un disco que “tira la caña para pescar esa chispa de felicidad que a veces está ahí” y conjurar “la epidemia general de descontento que se ha extendido en este mundo trastocado”. El músico catalán habla de su talante: “Yo siempre estoy contento –ha dicho en esta entrevista-, tengo días malos, pero soy feliz porque me dedico a la música que me da alegrías, como este nuevo disco, que me encanta. Si no me gustara, no lo editaría.” (…)

Temas en los que se mantiene fiel a su personal estilo y que hablan de amor, desamor, pasión y surrealismo. (…)

Manolo García prefiere “recoger piedras por la playa, pasear por el barrio o jugar al dominó” que ver las noticias en la televisión o leer el periódico, pero lo que mejor cura sus heridas es la música.

“Soy un monje de la música, estoy consagrado a ella y las canciones son mis oraciones, mis letanías y los maitines con los que me levanto.”»

(Entrevista en cadena100.es)

Océano Azul es una hermosa balada a medio tiempo. Con una evocadora letra y con bonitos detalles que suenan como una armónica…

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Estas Tonne en Lleida y Madrid (2018)

La verdad es que tengo una entrada -otra, claro- a medio acabar, y pensaba terminarla y publicarla lo antes posible. Pero el señor Estas Tonne se ha adelantado, y puesto que este extraordinario intérprete no es cualquier músico, le doy paso. Tonne aceleró a toda mecha por el carril de la izquierda, me pidió paso con la señal preceptiva y yo le hice un gesto con la mano -“pasa, pasa”-, de forma que me adelantó limpia y fácilmente y ahora llegará antes a la meta. La meta eres tú.

Cómo no podía alucinar… volví a fijarme por el retrovisor, y también cuando me rebasó, y el impresionante caballo blanco en el que iba montado era hermosísimo. ¿Coche, moto, todoterreno, deportivo, camión, etc? ¿Quién ha dicho tal cosa? El guitarrista viaja a lomos de un corcel. Vuelvo a fijarme y me froto los ojos: ahora no sé si ese animal prodigioso es en realidad una guitarra, o si se trata de una carroza tirada por… guitarras españolas y acústicas. Qué cosas tienen el arte, el genio y la belleza.estas-tonneEra un día de agosto del 2016. Ese día aluciné y no se me olvidará fácilmente. Ese día Julia, en su blog “TARAREANDO” publicó una entrada dedicada a este guitarrista de origen ucraniano. Le di al play y me quedé literalmente embobado, hipnotizado viendo y escuchando a este prodigioso músico. Nacido en 1975 en la Ucrania aún soviética, Tonne -nombre verdadero, Stanislav- se considera un trovador moderno, un ciudadano del mundo…

“Seguramente existe una gran relevancia sobre en dónde cierto individuo ha nacido y qué cultura se convirtió en el ambiente de su ‘primera leche’. Y yo en verdad amo y aprecio el país llamado Ucrania por amamantar los primeros pasos de mi alma en este mundo. Pero ahora al mismo tiempo no le daré más importancia. Nosotros no somos nuestras nacionalidades, nuestra pertenencia a determinada cultura o tradición. Cada uno de nosotros es especial y único y todos nosotros estamos incluidos en el desarrollo de nuestras vidas en este planeta.”

(Fuente: Wikipedia)

“Pocos guitarristas del nivel de Estas Tonne podríamos encontrar. Nos encontraremos delante de un músico absolutamente excepcional, único. Su música es el reflejo de una gran variedad de enfoques artísticos. Una fusión de estructura clásica, técnica flamenca, raíces gitanas, características de paisajes sonoros latinos y electrónicos… toda esta variedad de estilos fluyen entre ellos de forma natural, apareciendo de manera sorprendente en armoniosas estructuras sonoras, manifestándose de manera diferente en cada interpretación. Llevando al límite las emociones que se pueden desprender de su preciado instrumento.”

(Fuente: conciertosenmadrid.com)

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Ya ese día le manifesté a Julia mi admiración, mi absoluto asombro y cómo me había quedado pegado a la pantalla del ordenador, maravillado. Investigué un poco y pude constatar que desde su página web –estastonne.com– se pueden descargar sus discos (se pide una donación voluntaria, pero no es obligatorio pagar nada, de hecho). Y también es fácilmente constatable que en YouTube se encuentran muchos de sus álbumes completos para disfrutarlos.

“Una fusión entre la estructura clásica, técnica de flamenco con raíces gitanas, características de paisajismo latino y electrónico, una variedad de estilos que fluyen entre ellos casi sin notarse y mostrando tanto como sorprendiendo en una estructura armónica de sonido, que alcanza al público de forma distinta en cada presentación, en una única forma y melodía.”

(Fuente: Wikipedia)

El guitarrista ha viajado y actuado por todo el mundo: Rusia, países bálticos, México, Estados Unidos, Gran Bretaña, Alemania, Austria, Países Bajos, la India, Brasil, Israel y un largo etcétera. No solamente actúa en solitario, también acompañado de otros músicos y se ha involucrado en numerosas actividades: proyectos fílmicos, poesía, meditación, yoga, conferencias…

Tonne está ahora mismo en tierras españolas. Este pasado domingo 11 de marzo actuó, siendo cabeza de cartel, en el festival MUD de Lleida, también conocido como “Músiques Disperses”. Y esta misma noche actúa en el Teatro Lara de Madrid. Ya Julia en aquella entrada nos contaba que el ucraniano daba un concierto sorpresa esa noche, también en Madrid. Asimismo, el viernes 13 de septiembre del 2014, el músico tocó en la Torre Amat, una casa modernista del siglo XIX situada en pleno corazón del barrio de Sarrià, en Barcelona. Aquí le tenemos en aquella ocasión, tocando y dando explicaciones sobre su arte…

No quisiera extenderme muchísimo más. Un músico extraordinario, y a título personal debo decir que no descarto investigar a fondo y dedicarle una extensa entrada en español -me da la impresión de que tal cosa no se ha hecho-. Merecería la pena. Aquí le tenemos de nuevo…

Aquí podemos verle en un concierto dado en Alemania…

Ya que hemos mencionado sus trabajos colaborativos, vamos a fijarnos en este aspecto de su carrera muy brevemente. Pero ojo, porque lo que viene ahora es magnífico. Acompañan a Tonne a la guitarra Netanel Goldberg con su voz, Joseph Pepe Danza -percusiones, flauta y voces- y Dimitri Artemenko al violín. Naturalmente, el protagonismo del ucraniano queda aquí más diluido. Merece la pena resaltar a Netanel Goldberg, guitarrista y vocalista -es un contratenor, el registro vocal es más agudo-, músico aparentemente de origen israelí. Como mínimo el hebreo aparece en sus portadas de disco, páginas y perfiles, y es uno de los idiomas que utiliza, junto con el inglés, para cantar…

“Netanel Goldberg (VOCALS, GUITAR, PERCUSSION) is a countertenor vocal artist who leads sessions of prayer and healing circles in Israel, Europe, and the United States. In addition to Hebrew and English, Netanel performs in new languages that he makes up live, an improvisational reflection of life through music.”

(Fuente: netanelgoldberg.bandcamp.com)

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De izquierda a derecha: Estas Tonne, Dimitri Artemenko, Netanel Goldberg y Joseph Pepe Danza

Sonido con fuertes reminiscencias hebreas, a mi entender. Música profunda, mística, evocadora, hermosísima, quizá inmemorial y ancestral pero a la vez fusionando estilos. Tonne y sus amigos en un fragmento de un concierto de 3 horas dado en Moscú…

Aunque no aparezca en el anterior vídeo, hay otro músico que colabora en este grupo de amigos de Tonne: se trata de Mitsch Kohn, que también ha grabado junto a Goldberg algunos discos…

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Aquí les tenemos. Esta vez el que falta es Artemenko. Actuación englobada dentro del Sound & Silence Festival en la isla griega de Corfu…

Sí, aquel día en el blog de Julia -a quien, a pesar de haber pasado casi dos años quiero volver a dar las gracias por tan sensacional descubrimiento- me quedé embobado. Este es el plato fuerte, pese a que acabo de encadenar, como quien no quiere la cosa, una maravilla tras otra. Juzga por ti mismo/a…

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Alicia Keys: Superwoman

Un beso. Un abrazo. Un millón de besos, un millón de abrazos.

Pero mucho más que “meramente” esto. Una mirada de comprensión. De complicidad. Un levantar el puño. Un parar los pies. Un alzar la voz. Un erguir la cabeza y levantar el mentón. Un esbozar una sonrisa. Un guiñar un ojo. Un arrimar el hombro. Un cogerse de las manos. Un tender una mano. Un levantarse cuando te has caído o te han tumbado. Un ayudar a levantarse. Solidaridad. Igualdad. Reivindicación. Lucha. Denuncia. Debate. Reflexión. Acción. Visualización. Cambio. Despertar. Política. Hechos son amores y no buenas razones. Leyes. Justicia. Rigor. Ecuanimidad. Reconocimiento. Admiración. Homenaje. Gratitud. Humanidad. Humanización. Trascender el género y la condición. Valentía. Apoyo. Trascendencia del feminismo y del machismo. De cualquier “ismo”. Del patriarcado. De la dominación masculina. Trascendencia de la lucha de sexos. Voluntad. Perseverancia. Resiliencia. Fuerza. Siempre habrá más fuerza si todos/as unimos fuerzas.

Lealtad. Amistad. Amor. Un beso. Un abrazo. Un millón de besos, un millón de abrazos.

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Entré en “el universo” musical de Alicia Keys al poco de que publicara su tercer álbum, el fantástico As I Am, que salió a la venta en el 2007 y donde está incluido este formidable Superwoman. Las apabullantes críticas que la dejaban por las nubes, que cantaban a su descomunal talento y que la calificaban de superestrella en ciernes y cada vez más claramente consolidada, hicieron que el que escribe pensara: “nene, mueve el culo y espabílate, ya estás poniéndote al día con Alicia”. Pues no conocía nada de su obra hasta el momento. No podía ser. Pasé por la tienda y el As I Am ingresó en mi discografía. Tras él también caerían algunos discos anteriores: el primer disco, el Songs in A Minor del 2001 y también el Unplugged del 2005.

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Desde entonces, si ella es una superwoman -que lo es, no me cabe ninguna duda- yo soy un superfan suyo. Rendido estoy ante su enorme talento, sus composiciones, su voz maravillosa. Una estrella mundial con todo el merecimiento.

I am a Superwoman
Yes I am
Yes she is

I stand up and I’m searching
For the better part of me

Gotta find the strength in me

For all the mothers fighting
For better days to come
And all my women, all my women sitting here trying
To come home before the sun

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The Beatles: Here Comes the Sun

Es un desconocido, pero toca muy bien la guitarra…

Estas semanas y días atrás me ha venido a la mente unas cuantas veces una canción.

La he tarareado e interpretado mentalmente, entre muchísimas otras razones porque es uno de mis -numerosísimos- temas favoritos y porque me parece una canción bellísima y definitiva: me refiero al Wish You Were Here de Pink Floyd. Por ejemplo ha salido hace bien poco -de nuevo- en el blog de Raúl. Así que sí, muchas veces la canto mentalmente o me doy el gustazo de darle al play en estos lares virtuales.

Y en estas coordenadas musicales andaba, en este estado flotante, inmerso en mi mundo y mis historias, mis prisas, mis idas y vueltas del trabajo y mi vida, cuando transité por un habitual pasillo de transbordo en el metro barcelonés. Había un músico ubicado en un punto autorizado y “oficial” para interpretar música en vivo -están regulados los emplazamientos-, y al irme acercando a él, constaté para mi enorme sorpresa y gozo que estaba interpretando justamente el Wish You Were Here de Pink Floyd. “¡Oh, qué gozada!”, pensé. “¡Qué casualidad, y sin duda qué canción tan redonda e impagable. Y qué bien canta y toca la guitarra este hombre!”, pensé mientras le sobrepasaba y seguía mi camino.

Hoy he vuelto a pasar por allí. Volvía a estar el mismo músico, un alma desconocida que sin embargo, conforme me he ido acercando a él, he tenido el “flash” innegable y cierto de que tenía una enorme sensibilidad y cultura musical, mucho background y toda una historia que contar, sin duda.

Esta vez estaba cantando e interpretando el Here Comes the Sun compuesto por George Harrison, y que apareció en 1969 en el álbum Abbey Road de los Beatles. Un tema escrito dicen las crónicas en la casa de campo de su amigo Eric Clapton -ojo con estos dos, que aquí hay mucha tela que cortar, basta con remitirse a la gestación del tema Layla-.

No se entenderían el rock y el pop rock modernos y contemporáneos sin la figura y el concurso de los Beatles, sin ese legado majestuoso que nos dejaron. Una discografía inconmensurable y genial, un sinfín de obras maestras en forma de canción. No se entendería la cultura moderna, como no se entendería sin Elvis Presley, Andy Warhol o los mismos Pink Floyd. Pero a la vez no deja de ser sorprendente y prodigioso que, frente a uno de los tándems más geniales y rotundos a nivel compositivo que se han visto bajo la luz del sol, que no es otro que por supuesto el de Lennon McCartney, tuviéramos la figura de otro songwriter de una talla notable, y que no es otro que George Harrison. El bueno de George quedó eclipsado ante tal par de monstruos, esto es así de palmario y a la vez crudo e injusto.

He vuelto a pasar por ese pasillo y ese músico desconocido interpretaba el Here Comes the Sun. “Qué bien que toca la guitarra”, he pensado, “y ciertamente qué magnífico gusto musical que tiene”.

Este es mi pequeño homenaje a esa persona, homenaje que nunca llegará a su conocimiento, a no ser que por una de esas increíbles casualidades de la vida sea internauta y llegue hasta aquí, o a no ser que la próxima vez me acerque a él, me pare y le cuente esta historia, le eche una moneda o algo cien mil veces mejor -no desde una óptica pecuniaria, sino anímica y humana-, me ponga a hablar con él. Aunque quizá lo estoy idealizando y pudiera sentir que le estoy interrumpiendo, pues él podría querer -como decimos los catalanes- anar a per feina.

Pero lo hermoso no es esta película en que he recreado estas vivencias personales. Lo hermoso era escucharle.

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The Police: Message in a Bottle

Una canción tan buena, tan arrolladora y rotunda se merece esta entrada y todos los artículos y homenajes -donde sea- que puedan dedicársele a un grupo tan inefable como The Police. Un tema que por derecho propio ya se ha convertido en un clásico del mejor rock de las últimas décadas -¿solamente?… de todos los tiempos-, en parte de la cultura moderna, en parte indisoluble… de nuestras vidas, latidos, experiencias, almas, identidad.

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Mensaje en una botella… o en una Blog-T-ella… Podría haber sido cualquier bloguero/a, sin duda, pero parece que era el titular de este blog el que tenía que vincular los viajes por los siete mares, por esas tierras y esos océanos virtuales, de la Blog-T-ella creada por la compañera Cristina con la famosísima canción de The Police. Estaba cantado, nunca mejor dicho, dadas mis inclinaciones. Un reto literario en el que una imagen, una ilustración o en este caso un garabato -una “garabata”, como a ella le gusta decir- viaja embotellada y recala de blog en blog. O mejor dicho, llega a las costas de la imaginación, remueve el oleaje de la inspiración de otros blogueros/as para que escriban una historia. La protagonista se encuentra dentro de esa botella. ¿Una musa, un hada, una genia, una esclava, una mujer cumpliendo castigo o prisión, una sirena, una aventurera ansiosa de conocer mundo?

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O podría ser miles de cosas más: una crisálida que se convertirá no en mariposa, sino en un hada amiga. O una niña que de mayor quisiera estudiar a los pulpos, que se sintiera diminuta dentro de la botella de sus sueños, enfrentada a la inmensidad del Gran Azul.

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Cristina es la autora de estas dos bonitas ilustraciones

O podría ser una acuarela metida en una botella. Una acuarela pintada por una princesa cautiva de un insensible pirata, y que tiene un trágico final. Quizá ese dibujo fuera una respuesta para un niño soñador y con vocación de pintor, que un lejano día le escribió un poema de amor y lo lanzó al mar en otra botella…

I’ll send an SOS to the world 
I hope that someone gets my 
Message in a bottle
(…)
Love can mend your life
But love can break your heart

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Reggatta De Blanc fue el segundo álbum publicado por la mítica banda, en 1979. Traducido al español el título vendría a significar “reggae de blancos”. Por tanto nada que ver con las regatas náuticas.

“La importancia del álbum radica en que The Police demostró ser una banda integrada por tres músicos de diversas escuelas musicales fusionadas para un fin común. Incluye temas considerados como verdaderas “obras de arte” dentro de la carrera musical del grupo. Reggatta De Blanc es considerado uno de los primeros y mejores álbumes new wave de la historia.”

(Wikipedia dixit)

Por muchísimos seguidores del grupo está considerado como el mejor disco de su carrera. Incluso Stewart Copeland y Andy Summers reconocerían que es su álbum favorito. La revista Rolling Stone incluyó el disco en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Ya desde esa alusión en el título queda claro cúal es uno de los estilos que más les influirían, y que sabrían fusionar magistralmente con el rock: hablamos cómo no del reggae. Aun partiendo de los ritmos básicos y acelerados del punk, el estilo de The Police contenía elementos que los diferenciaban de otros grupos más radicales de ese incipiente punk rock, y tuvieron el enorme acierto de introducir otras influencias y matices, como el reggae, el dub, el jazz, ciertos aromas de ska e incluso de soul. Hablamos cómo no de un álbum magistral y magnífico, de lo mejor de todo el movimiento new wave y post-punk, y un trabajo que les encumbraría ya entre las bandas más importantes surgidas en los 70 y 80. No sabemos si tenían esa vocación, pero sin duda influenciaron enormemente a generaciones venideras.

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Arrojar una botella al mar es algo heroico, un acto valiente, un acto romántico y soñador, una imperiosa necesidad quizá, un gesto desesperado pero a la vez henchido de esperanza. Quizá es algo místico, quizá buscamos la conexión, la unidad, el sentido. Quizá la cordura. Quizá la buscamos a ella, o a él, o a esa humanidad con la que hemos perdido el contacto. Romper la soledad, porque somos náufragos perdidos en la inmensidad del océano. Nuestra alma es náufraga entre una corriente de millones y millones. Nuestro planeta es náufrago, una mota de polvo que gira dentro de un maelstrom, esa galaxia entre incontables millones. Quizá la soledad es nuestra verdadera condición, y no tiene por qué ser mala ni triste, si aprendemos a sobrellevarla o apreciarla. Pero es cierto que hay millones de seres que en millones de momentos tienen que arrojar la botella, porque nos sentimos muy solos…

Botella al mar

El mar es un azar
¡Qué tentación echar una botella al mar!

Poner en ella por ejemplo
un grillo, un barco sin velamen, y una espiga,
sobrantes de lujuria, algún milagro
Y un folio rebosante de noticias

(…)

Poner promesas como sobresaltos
Y el poquito de sol que da el invierno
y un olvido flamante y oneroso
y el rencor que nos sigue como un perro

El mar es un azar
¡Qué tentación echar una botella al mar!

Pero en esta botella navegante,
sólo pondré mis versos en desorden
en la espera confiada de que un día
llegue a una playa cándida y salobre

(…)

(Poema de Mario Benedetti enviado desde Asturias por Gulpiyuri)

Botella al mar

“Botella al mar, prisionero de este golpeado esquife (…) debía drenar la desesperación en algo, y por lo visto una carta y una botella al mar era lo correcto. Así que sentado yo en el asiento de remos de esta prisión de madera, flotando libre en el océano, me entregué a la faena de entreverar palabras que tradujeran mi incontrolable necesidad de ti (…) el mar me observaba fríamente esperando para engullir mi humanidad, por eso, esa última carta que escribiría con el alma sería a ti, serías tú.
Es así como al terminar, enrollar el arrugado y sucio papel y meterlo en la botella, te vi, te vi dentro, en ese papel, pero ya no era blanco, eras tú, y eras hermosamente azul, hermosamente alada, ¿cómo podía ser esto? La sed me hacía alucinar, ¿por qué ahora? Las lágrimas me asaltaron, corrían desatadas por mis mejillas, hacían mi vista borrosa, la botella temblaba, ¿o era yo quien temblaba? Ahora que me disponía a lanzar la botella con todas mis fuerzas, calculando las corrientes marinas, para lanzarla en la dirección correcta, pero no podía, ella estaba dentro de la botella, no podía cometer semejante locura…”

…escribe Miguel Ángel Carrera Farías desde Venezuela y desde su blog, y desde aquí quiero saludar a esta alma poeta.

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Un trío. Estos señores eran “solamente” un trío -y lo digo porque hay innumerables y formidables bandas que son mucho más numerosas, cuartetos, quintetos, y suma y sigue-, pero hay que ver cómo solamente tres músicos pudieron crear y desarrollar un sonido tan potente, cómo estos tres tíos la liaron tan gorda y se alzaron en una banda de tal envergadura. Las composiciones de Sting, que empuñaba a la vez el bajo, los afilados riffs de guitarra de Andy Summers, con ese personal estilo y esos dibujos que sin duda te enganchaban a la primera o segunda escucha, y un descomunal Stewart Copeland a la batería, una bestia. Tres. Y así nos dejaron una discografía impresionante, ya desde el rompedor álbum de debut. Pero es que es de justicia recordar que sus últimos discos, Ghost in the Machine y Synchronicity contenían gemas que están en la mente de todos y que mantuvieron el listón altísimo hasta el final. I salute you, The Police. Desde luego, que nadie lo dude, porque la duda ofendería: el que escribe se ha mamado y se mamó ya hace sus años todos los discos de estos señores, como tantos y tantos hijos/as de vecino. We salute you, The Police.

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Quizá. Quizá la inquilina femenina de esa botella se llama Stella y sueña, y cuando lo hace esos sueños son puntitos de luz que se escapan, y esos puntitos, las estrellas que vemos.

Pero hoy vamos a imaginar que la inquilina, la habitante de esa particular embarcación transparente se llama Esperanza, Esperanza Mensa -será por lo de “mensaje”, seguramente…-. Es un ser o avatar revestido de apariencia femenina, y el hálito de su respiración, su misma esencia que se escapa en forma de copos luminosos, es precisamente… esperanza. Cúantas veces innumerables interlocutores, seres con los que se ha cruzado le han preguntado: “Pero esperanza… ¿de qué?”. “Esperanza de todo y de nada, esperanza de mil millones de cosas”, ha contestado siempre ella. “Esperanza de encontrar una vida mejor o esperanza de que este mundo pueda ser mejor, o más justo. Esperanza de saber o de poder ser más fuerte, más sabio, más bondadoso, o quizá simplemente más suertudo. Esperanza de poder solucionar los problemas, superar obstáculos y atolladeros, o de saber salir de los laberintos. Esperanza de saber valorar y apreciar las cosas, la vida. Esperanza para aprender a amar, porque ello no viene siempre de serie, no os vayáis a pensar. Esperanza de… como he dicho, mil millones de cosas, para qué voy a seguir. Normalmente cosas hermosas, aunque también hay gente que tiene esperanza de que se cumplan deseos perversos o siniestros, de ver a tal o cual persona hundida en la desgracia. Soy tan generosa que también para esta clase de personas tengo alimento incorpóreo.”

—Y sin embargo —ahora es ella la que contraataca a tantas preguntas— cúanta gracia me hace esa expresión de “la esperanza es lo último que se pierde”, porque podría decirse que yo ando siempre “perdida”. Aunque en contrapartida siempre me acaban encontrando o soy yo la que “me aparezco” a los que me necesitan. Pese a andar errante, o vagando a la deriva, el que anda necesitado acaba encontrando esa botella y su precioso elixir ni más ni menos que en la vastedad del océano. ¿No os debería hacer esto reflexionar sobre el alcance de mis poderes?

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Pues vaya faena. Porque la misión, o el cometido que tiene encomendado Esperanza Mensa se asemeja al de una genia encerrada en una botella que tuviera que satisfacer el primer deseo de todos los afortunados que se topan con ambas.

Claro que a lo mejor Esperanza es una simple personificación de nosotros mismos, quizá nos hacemos pequeños, nos introducimos en esa botella y viajamos, con el único objetivo de llegar a una meta -un objetivo, una persona-, quizá nos metamorfoseamos a nosotros mismos y nos convertimos en nuestros propios sueños, como si fuéramos gotas y nuestro lógico hogar -o vehículo- fuera ese recipiente de vidrio.

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Una vez más un pequeño homenaje a Forges. Me he permitido editar una viñeta suya, inventándome un surrealista diálogo…

Sin duda alguna la canción Message in a Bottle es una composición que trata el tema de la soledad, como ya hiciera el tema So Lonely de su sorprendente y también exitoso primer álbum. Es más, podemos tomarla como una metáfora sobre esa condición humana, y la parte final una reflexión sobre que ese “mal” lo padecen infinidad de personas (el náufrago encontrándose incontables botellas ancladas en una playa).

El propio Sting manifestó ese carácter simbólico de la letra en una entrevista:

“I think the lyrics are subtle and well crafted enough to hit people on a different level from something you just sing along to. It’s quite a cleverly put together metaphor.”

Dos curiosidades acerca de esta canción: la primera, que el primero en escuchar ese infeccioso riff de guitarra del tema fue… ¡¡el perro de Sting!!:

“I used to play it over and over again to my dog in our basement flat in Bayswater, and he would stare at me with that look of hopeless resignation dogs can have when they’re waiting for their walk in the park. Was it that hopeless look that provoked the idea of the island castaway and his bottle? I don’t know, but the song sounded like a hit the first time we played it. The dog finally got his walk, and this song was our first number-one in the UK.” 

Y la segunda, que el propio Sting manifestó en otra entrevista que, por increíble que parezca, la música religiosa que de niño interpretaba en una iglesia -canto gregoriano- influyó en esta canción, en el sentido de que ambas músicas reflejan desnudez y simplicidad en las melodías y la narrativa.

Volviendo a la magnificencia y robustez instrumental y estilística del trío policiaco, me permito citar las reflexiones de dos personas:

“En apariencia era un disco más de new wave, con algunos elementos post-punk y otros decididamente poperos. Sin embargo, se trataba de un trabajo (el primer disco, “Outlandos d’Amour”) más complejo, con una gran influencia de estilos como el jazz y el reggae, y un desarrollo instrumental que, en cierto modo, atentaba contra su teórica adscripción estilística. La guitarra de Andy Summers situaba a The Police en la órbita del rock, pero lo que más me llamó la atención fue la poderosa base rítmica que, a menudo, se apoderaba de la canción hasta el punto de preguntarte cómo narices hacía Stewart Copeland para tocar de aquella manera. Otra de las cosas que caracterizaban a los discos de Police eran sus excelentes temas, cantados por Sting con personalidad y con esa voz tan característica.”

(Raúl en la entrada que he enlazado anteriormente)

“Resulta difícil etiquetar el sonido Police -esa manía de poner nombre a todo-, porque sus discos eran únicos y diferentes unos de otros. Sobre Copeland creo que nadie duda de que es uno de los mejores baterías del panorama y que en mis inicios como drummer no llegaba a captar demasiado bien su estilo. Ritmos sincopados como dice Alex, contratiempos, un manejo del charles* y los platos increíble. Pero Andy Summers no se queda atrás. Creo que se juntaron tres monstruos que tenían mucho que mostrar y que nos mostraron demasiado poco. ¡Pero pocas veces tan poco fue tan bueno!”

*Charles: una de las piezas base de la batería, consistente en dos platillos del mismo tamaño que se pueden hacer sonar con un pedal. (También “hi hat”). El hi-hat consiste en dos platillos, montados sobre un trípode.

(Salva comentando en dicha entrada)

Desde 1984 a 1986 The Police hace un parón creativo, y ante la imposibilidad de grabar un nuevo disco, acaba desintegrándose en el 86. A este respecto Summers manifestó a los medios:

“The attempt to record a new album was doomed from the outset. The night before we went into the studio Stewart broke his collarbone falling off a horse and that meant we lost our last chance of recovering some rapport just by jamming together. Anyway, it was clear Sting had no real intention of writing any new songs for The Police. It was an empty exercise.”

(“El intento de grabar un nuevo álbum estaba condenado desde el principio. La noche antes de que entráramos en el estudio, Stewart se rompió la clavícula al caerse de un caballo y eso significaba que perdimos nuestra última oportunidad de recuperar algo de compenetración simplemente improvisando juntos. Estaba claro que Sting no tenía ninguna intención real de escribir nuevas canciones para The Police. Fue un ejercicio vacío.”)

A principios del 2007, más de 20 años después de separarse, el trío volvió a unirse para llevar a cabo una descomunal gira mundial: The Reunion Tour. 151 conciertos, actuando por todo el planeta -tan solo quedó fuera el continente africano-, en un tour que empezó en mayo del 2007 y terminó en agosto del 2008 en el Madison Square Garden neoyorquino. Aquí les tenemos, el 15 de junio del 2008, clausurando el Isle of Wight Festival. Una carpa, un escenario y un ambientazo que recuerdan a otro gran festival, el de Glastonbury. Una audiencia multitudinaria y entregada. Había hambre de The Police. Veinte años son tiempo más que suficiente para engrandar una leyenda, para acrecentar con toda justicia la fama, el prestigio, el legado dejado. Jamás llegué a verles en directo, y esa es una espina que siempre se quedará clavada en mi andadura musical.

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Voy a ausentarme temporalmente de la blogosfera. Espero que por un período relativamente breve. El motivo está más que justificado: ¡¡me he comprado un piso y me cambio de casa!! Jua, jua, jua. Así que durante estas próximas semanas voy a dedicarme a empaquetar, preparar y organizarlo todo. Luego, el traslado -espero que a finales de mes-, instalarse de nuevo y organizar todo. Y volver a tener conexión a internet. Espero que el oleaje me traiga de nuevo a estas playas. Aunque las corrientes marinas siempre son imprevisibles. He visto a algunos y a algunas zarpar para aparentemente no volver nunca más. Nuestros días son como botellas que se hacen a la mar. Ese mar del tiempo en el que todo queda atrás para siempre y nada vuelve a ser igual. Saludos a Cristina y a su blog-T-ella. Ha sido un placer jugar un rato con tus musas. Saludos a todos y a todas.

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Christina Rosenvinge: El Pretendiente

Me encanta, me encanta, me encanta esta mujer. Su afilada inteligencia, su talento compositivo, su carisma y personalidad, su honestidad, esas magníficas letras y canciones con las que nos viene regalando a lo largo de su carrera. Mi enamoramiento musical hacia Christina Rosenvinge no es de ahora, viene ya de unos cuantos años atrás. No en vano le dediqué una entrada hace varios meses, pues su disco La Joven Dolores -año 2011- contenía no pocas joyas, entre ellas esta maravillosa La Canción del Eco, donde se revisita el mito clásico de Narciso y la ninfa Eco.o-mito-de-narcisoLa Canción del Eco no es solamente una mera canción: es poesía hecha música, es una fábula musicada, es a mi parecer una refulgente joya donde queda patente el gran talento y sensibilidad de la hispano-danesa.

Christina Rosenvinge acaba de publicar este pasado 9 de febrero un nuevo disco, que lleva por nombre Un Hombre Rubio. Este décimo trabajo de Christina, partiendo ya desde el mismo título, está inspirado en la figura de un hombre, su padre. Pero este disco, a través de sus letras, va mucho más allá de un homenaje o un recuerdo: reflexiona sobre la condición de la masculinidad y sobre los roles patriarcales para buscar una trascendencia del mero género. Ambos géneros sufren sus propios males, muchas veces distintos pero tantas otras los mismos: cargas, demonios, barrotes que nos oprimen como seres humanos, como pueden ser por ejemplo la soledad o la incomprensión.13491_xlPero no tengo muchas ganas de escribir ni mucho menos de hacer un refrito de lo que nos cuentan ya otros medios. Tampoco de “repetir” con variaciones -que no soy Brahms ni Beethoven ni ningún compositor clásico, oigan- lo que otros han expresado ya de forma clara, concisa y acertada, es decir, probable y potencialmente mejor. Así que unas pocas citas nos darán una idea precisa de la naturaleza y los leitmotivs del último disco de la cantautora hispano-danesa.

Un excelente artículo de la web Efe Emeaquí entero– nos cuenta que la songwriter ha acompañado la edición del trabajo con un texto donde puede leerse, por ejemplo…

“Un espectro recorre Un Hombre Rubio: es la sombra de un hombre misterioso que dialoga con sus fantasmas mientras busca el Santo Grial y pide protección a los dioses durante la travesía. (…) En las letras de Un Hombre Rubio he partido de la definición de la palabra hombre en el diccionario de la RAE para jugar con distintas identidades masculinas: hijo, padre, amante… También he dejado abierta la posibilidad de que mediante el uso del masculino general en realidad esté hablando de mí misma… o de mí mismo. ¿Cuando una mujer habla de la soledad como emoción universal debería hablar en masculino para incluir a los hombres?

El origen del disco es Romance de la Plata, escrita en homenaje a mi padre. El detonante de esta canción fue una llamada que recibí de la cantaora Rocío Márquez con el encargo de escribir un romance flamenco para su disco Firmamento. Eso me llevó a rebuscar entre los viejos vinilos de mi padre, que era un gran aficionado al cante jondo. Mi padre era un ingeniero danés con alma de romántico: aprendió español con el Romancero Gitano de García Lorca y convenció a mi madre durante el viaje de novios para quedarse a vivir aquí. Murió cuando yo tenía 26 años. Escribí Romance de la Plata el 6 de marzo, la noche del aniversario de su muerte precisamente. Es una oda a su azarosa vida, a la visión arrebatada del mundo que representa su apellido danés: ROSEN, la rosa, y VINGE, el ala. La Belleza y la Libertad.

A partir de esta canción comencé a escribir temas desde un yo masculino con el fin de intentar comprender la soledad del hombre desde dentro…”

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Interesantísimo, esta mujer es impagable y ya no solo desde las letras plasmadas en sus canciones, sino desde sus mismos pensamientos, reflexiones, desde su mundo interior y sus experiencias vitales.

Jenesaispop.com incide en las motivaciones de la cantante y nos aporta otra serie de reflexiones ligeramente distintas pero igual de jugosas:

«“Ser hombre es llevar un corsé que aprieta tanto como el de las mujeres” era el interesante titular que Christina Rosenvinge nos dejaba durante la promoción de su disco anterior, ‘Lo Nuestro‘. Inspirada por su padre, la artista ha escrito ahora un álbum de título masculino, ‘Un Hombre Rubio’, escrito desde “un yo masculino indefinido”, sobre “la cárcel” que puede suponer también la masculinidad al no permitir, por ejemplo, la muestra de sensibilidad, sentimientos o debilidades.

El punto de partida de ‘Un Hombre Rubio’ es el single ‘Romance de la Plata’. Tras el “romance” flamenco que Rosenvinge escribió para el último disco de Rocío Márquez… (…) Christina dice en las entrevistas que el suyo fue “un padre horrible”, si bien ha llegado a la conclusión de que fue “víctima de sí mismo”. La canción contiene fragmentos muy duros (“nadie vino de esa tierra fría / a llorarte el funeral”), si bien al final la artista prefiere optar por el consuelo de la amistad (“un gitano (…) te veló en el hospital y su lágrima era de fina plata, plata fina de verdad”) y la reconciliación a través de la empatía (“cómo no voy a entenderte, padre, si es mi misma soledad”).

Al posicionarse finalmente en el lugar de la persona que le ha dado tan reconocible primer apellido, Christina abre la veda de la derriba de géneros, pues que esta canción sea el punto de partida de todo el disco sirve a la artista para entregar un álbum que reflexiona sobre los roles paternales y patriarcales en nuestra sociedad actual, dejando un discurso más rico y lleno de aristas…»

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«Un Hombre Rubio es el décimo y último trabajo de Christina Rosenvinge. Un título que hace referencia a su padre pero “este disco engloba a varios hombres alrededor, engloba como un espíritu general”…

Ella que “colisionó” con su padre por una cuestión ideológica y se marchó pronto de casa, tenía la necesidad de “comprender sus circunstancias y comprender por qué hizo las cosas”. Asegura que lo ha conseguido y lo ha plasmado en los temas de este álbum.

La cantante y compositora dice que tiene de su padre más de lo que en principio pensaba, “las cosas más importantes: la pasión por el arte y el sentido romántico de la vida lo he heredado de él”, ha afirmado.»

…la crónica de rtve.es nos sirve como magnífico broche para acercarse a este disco que hace rato que suena en mi ordenador.

Me encanta. Qué gran sonido, robusto y con pulsión eléctrica. Y qué magnífico comienzo para este El Pretendiente, un tema que versa sobre “un adolescente africano que atraviesa el estrecho enamorado de la vieja Europa invocando a las cuatro reinas de la baraja española. Sobre el mar, él ve un puente hecho de agua”. Qué bonitos esos giros melódicos y ese innegable sabor flamenco que nos puede recordar en brevísimas ráfagas a una Rosario Flores, por ejemplo…

El faro del norte perfila su tesoro

El cáliz ha abierto en par, la reina de oros

Con un beso de mi hermana, me confío a las gaviotas 

En la luna, la pupila de la reina de copas

Mis ojos de ópalo y el corazón que arrastro

¿Qué más le podré ofrecer a la reina de bastos?

Hay millares de camisas, cosidas en su alambrada

¿Seré yo de los que eliges? Oh, reina de espadas

En la corriente

Que cruza el mar

El puente es de agua

En la corriente

El puente es de agua

En la corriente

El puente es de agua

El puente es de agua

El puente es de agua

Aquí la tenemos en directo. Presentó el disco el mismo día de su publicación, en el Fnac Callao de Madrid. Curiosamente, el tema es mucho más crudo a nivel de guitarra pero mucho más intimista a nivel vocal…

Edito a posteriori -no suelo hacerlo- porque no puedo resistirme a incluir una interesantísima entrevista a la cantante en pikaramagazine.com con la que me he topado. Christina nos habla en ella del éxito, de su carrera, de masculinidad, machismo, feminismo, empoderamiento… imperdible.

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Maki Namekawa: Etudes No. 11, 13 & 16 (Philip Glass)

Tercera entrada que le voy a dedicar, con el paso de los meses, a esta extraordinaria pianista japonesa, Maki Namekawa

maki-namekawa-linz-9-4-2013-8389-577x385La artista nipona publicaba en noviembre del 2014 un disco donde interpretaba los 20 Estudios para Piano del compositor estadounidense…

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Tal fue el impacto que me produjo descubrirla, verla y escucharla en YouTube, que le dediqué una extensa entrada para presentarla y para dar fe de su pericia técnica, de su enorme capacidad para transmitir y de la gran dosis de pasión que le infiere a una música intensa y que a veces no es fácil de digerir. Si por aquí ya pasaron los Estudios número 6, 9, 12 y 20, ahora va a ser el turno del número 11, el 13 y el 16.

Hermoso el Estudio N.º 11, con un pasaje especialmente melancólico y romántico…

En cambio el Estudio N.º 13 muestra a las claras esa intensidad tan típica de Glass, esa cadencia repetitiva propia del minimalismo y de algunas de sus piezas para el cine, ese frenesí cargado de energía. Qué bueno…

El Estudio N.º 16… vuelve esa cadencia repetitiva de fondo, pero qué música tan extraordinaria y tan bella. En mi modesto entender, el romanticismo de un Beethoven o un Chopin sobrevuelan sobre esta pieza…

Es tan extraordinaria esta música que no me voy a conformar con solamente un fragmento -pues lo de Namekawa era un extracto-. Aquí tenemos el Estudio entero interpretado por Jangoo Chapkhana… (o también por Paul Barnes, aunque intercalado con explicaciones).

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Ha muerto Forges

Me he vuelto a reír. Una vez más, mil y una veces más. Vuelvo a reír, gracias a sus geniales viñetas. Esta noche es para Forges, como no podía ser de otra manera. No ha muerto “cualquiera”, dicho sea con el máximo respeto. Para aquellos a los que nos encanta el humor -supongo que la inmensa mayoría de nosotros-, para aquellos que lo consideramos algo imprescindible para sobrevivir en este enloquecido mundo, hoy es un día triste. Nos deja un grandísimo humorista y dibujante, de hecho todo un cronista, retratista, diseccionador y ojo crítico de la España de las últimas décadas, con sus dibujos cargados de una ácida visión de la política, de denuncia y “desmontaje” de tantas estupideces socioculturales, de paisajismo humano lleno de ternura, de nihilismo, de absurdo, de realismo y de tantísimas cosas más. Un día muy triste, como cuando el pasado 11 de noviembre nos dejaba otro grande de la carcajada, Chiquito de la Calzada.

Cúantas veces me habré reído con sus chistes, en tantas ocasiones surrealistas, las más de las veces geniales, demoledores y acertadísimos. Y eso es algo impagable, que te hagan sentir eso. No me enrollo más, porque creo que es un personaje que no necesita más presentación. Os invito a reír conmigo, con él, gracias a él.

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David Byrne & Choir! Choir! Choir!: Heroes (David Bowie)

«David Byrne se prepara para editar en marzo su primer LP en solitario en 14 años, “American Utopia”, y para una extensísima gira mundial que comenzará a primeros de marzo y le traerá a Bilbao y Barcelona a mediados de julio…

Para ir abriendo boca Byrne hizo un homenaje en directo a David Bowie y Madonna en Nueva York el fin de semana pasado.

Interpretó ‘Heroes’ con motivo de los aniversarios de nacimiento y muerte de Bowie, en el Teatro Público de Nueva York junto al coro de Toronto Choir! Choir! Choir!»

(Fuente: Plásticos y Decibelios)

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Efectivamente, el que fuera líder de la mítica e influyente banda Talking Heads dirigió este proyecto, y la canción se interpretó el pasado 13 de enero, en el marco del Under the Radar Festival, en el lobby del New York’s Public Theater.

“A bunch of strangers”, así definen algunos medios a este coro de Toronto, Choir! Choir! Choir!, una agrupación especializada en hacer versiones de otros artistas, como por ejemplo Leonard Cohen o Chris Cornell. Byrne se ha declarado fan de esta formación. Según otras informaciones, Byrne y este coro interpretaron el Heroes de Bowie un total de cinco veces, siendo dirigido este último en esta versión por sus fundadores, Daveed Goldman y Nobu Adilman, que lo hicieron de un modo abierto hacia los allí congregados.

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Volviendo a Plásticos y Decibelios, nos cuenta esta publicación:

«El ex líder de Talking Heads regresará a nuestro país para presentar “American Utopia”, que saldrá a la venta el 9 de marzo. Byrne actuará en Bilbao, en el festival BBK el 13 de julio, y en el festival Cruïlla de Barcelona los días 13 y 14 de julio.»

Mientras que nos dicen en Consequence of Sound:

«Earlier this month, Byrne announced American Utopia, his first solo album in 14 years. It will arrive March 9th and be supported by an 80-date world tour -gira mundial con 80 fechas- he’s described as “the most ambitious show I’ve done since the shows that were filmed for [Talking Heads’] Stop Making Sense.”»

“¡Uau!”… añadiré yo por mi parte. Mucha más información sobre esa gira y ese nuevo álbum aquí o aquí. Esta interpretación coral es una versión diferente y muy hermosa de esta gran canción. Y nunca olvidemos esto, de hecho podemos desayunar este pensamiento junto a nuestro café -o té, Lídia-, nuestras galletas o nuestros cereales: “Podemos ser héroes, solamente por un día”

 

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