Sting: Synchronicity II (Barcelona 21/03/17)

El músico y cantante británico eligió Barcelona como punto de arranque para el tramo europeo de la gira que le sirve para presentar su nuevo y último trabajo, ’57th & 9th’. Una gira que empezó el pasado 1 de febrero en Vancouver, le llevó por diversas ciudades estadounidenses y en un futuro le hará pasearse por Asia y Latinoamérica, tal como nos cuentan en esta crónica de La Vanguardia.  El reciente concierto en Barcelona nos lo describen con profesionalidad y detalle en este artículo de El Periódico.img_tperez_20170320-193354_imagenes_lv_getty_gettyimages-643105018-kveb-u421046987651ymd-992x558lavanguardia-webNo deja de ser curioso y a la vez macabro que, cuando hice un rapidísimo repaso a algunos temas destacados de ese ’57th & 9th’ de Sting, tuviera que vincularlo tristemente a noticias relacionadas con atentados de signo yihadista. Sí, porque Sting era el artista que iba a servir para reabrir la Sala Bataclan parisina, tras los demenciales atentados que golpearon la capital francesa.

Y ayer, cuando me entero por televisión de que Sting acaba de pisar Barcelona -como siempre, vivo en la inopia, ya me váis conociendo- fue en el contexto de unos informativos marcados por el atentado que ha golpeado el corazón de Londres. Pues también es casualidad, no es que quiera asociar al ex-Police a noticias tan funestas. Qué patético, qué triste y qué absurdo que actos terroristas de esta naturaleza tan execrable sigan golpeando nuestra sociedad. Que individuos exaltados, solitarios y fanáticos, en nombre de no se sabe qué ideales y del maldito y anacrónico Estado Islámico, sigan sembrando el dolor y la muerte. La intolerancia y el odio les mueven. Por supuesto, tengo que estar al lado de los londinenses y del resto de europeos, del lado de la cordura, la convivencia y la paz.escenario-desnudo-sting-momento-concierto-anoche-1490135566458Como bien señala la citada crónica, Sting de alguna manera echaba de menos a Sting, y le recupera en este concierto y en esta gira. Un Sting que vuelve a sus raíces, a su lado más rockero y su vertiente más policíaca. Una banda y una presentación austeras, basada en las guitarras y también apoyándose en un álbum donde vuelve el pop-rock de siempre. En ese último disco y también en los viejos éxitos de The Police.

En la banda está integrado su hijo, Joe Sumner, líder del grupo The Last Bandoleros, que les hacen de teloneros. Padre e hijo, por cierto, se marcan una versión del Ashes to Ashes de David Bowie.

Sting en el Sant Jordi Club, ante unas 4.620 personas, repasando los temas de ese último trabajo e intercalando viejos temas de The Police. Como este Synchronicity II, la segunda parte del tema que daba título al último álbum de estudio de la legendaria banda (1983). Un tema que sin duda está entre mis preferidos del extinto grupo, por ese riff de guitarra y toda la energía que desprende.

Además tengo este tremendo tema asociado a un recuerdo de carácter personal. Ya hace bastantes años. Una noche, eran las fiestas del barrio de Gracia, donde antes vivíamos toda la familia, y mi hermana y yo salimos de noche de marcha por las calles. Recuerdo que nos dio por cantar a pulmón abierto y a dúo -riff incluido- este inmortal Synchronicity II de los Police. Y también otro temazo, por cierto: El Change de los Tears for Fears. Es de esos momentos pletóricos que nunca olvidas. Personalmente, prefiero la versión absolutamente demoledora de la banda en estudio…

Una propina policíaca de otra de las perlas de la banda…

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Donovan: Sunshine Superman

Cuando me enteré de que el mítico y veteranísimo cantautor escocés Donovan Leitch* actuaba este domingo 12 de marzo en la edición número 11 del festival neofolk Músiques Disperses (MUD) de Lleida, no pude evitar pensar -automáticamente- en cierta persona, en cierto bloguero. Dicho festival se celebró del 9 al 12 de marzo y Donovan era la estrella invitada, el cabeza de cartel para clausurarlo.

(*Hablando con propiedad, su nombre completo es Donovan Philips Leitch, más que nada para diferenciarlo de uno de sus hijos, el actor Donovan Jerome Leitch).81610386-image_57067ba0a0a2dDesde luego, y al igual que reflexiona dicho bloguero, no pretendo escribir aquí una especie de biografía ni repasar su extensísima -pronto cumple 71 años- y prolífica carrera. A pesar de esa declaración, lrotula nos ofrece en dos entradas muy bien documentadas y extensas –primera parte y segunda parte– una amplia visión de su trayectoria. Incluso hay una 3ª parte y vamos a añadir aquí la entrada sobre Donovan en la Wikipedia. Como bien dice este bloguero fue “un músico adelantado a su tiempo y muy influyente en el devenir del rock de los años 70”, para después añadir en una reflexión personal que “quemó etapas demasiado rápido y esto hizo que cayera pronto en una especie de pozo sin fondo, antes de los 80.”

Intentaré acotar esta entrada a este tema musical y su correspondiente disco y contexto, y como veremos eso en sí ya no es poca cosa. Repasar aquí su larga carrera sería una tarea colosal y casi interminable, y realzar su figura a fondo también. Además es un músico que se ha mostrado muy polifacético, con gran variedad y apertura en cuanto a estilos se refiere. Podríamos simplificar muchísimo y decir que ha sido y es un cantautor folk -faceta por la que es más conocido- pero la mezcla y fusión de estilos -rock, pop, jazz, folk, psicodelia, world music- en sus temas y discos es notoria. La riqueza de su carrera se antoja tan mastodóntica que, detrás de cada canción, cada disco, cada gira, etapa de su vida o entrevista hay infinidad de matices, detalles, historias y conexión con otros músicos. Es lo que ocurre, ni más ni menos, cuando tú mismo eres un pedazo de la historia de la música, el folk y el rock.  donovan-press-photoA modo de “presentación” introductoria y sinopsis, nos vale perfectamente este párrafo publicado en un portal griego, hit-channel.com, donde se le entrevista a raíz de un nuevo trabajo y el cantautor habla, por ejemplo, de sus experiencias en las islas griegas -interesantísimo todo ello-. Una buena “instantánea” de nuestro protagonista de hoy:

“He is a psychedelic folk pioneer and a fantastic songwriter. He wrote timeless songs like “Mellow Yellow”, “Hurdy Gurdy Man”, “Sunshine Superman”, “There Is a Mountain”, “Epistle to Dippy” and many others. Some of the musicians who participated in his albums are: Paul McCartney, Jeff Beck, Danny Thompson, Jack Bruce of Cream and Jimmy Page and John Paul Jones of Led Zeppelin. In addition, Donovan travelled to India with The Beatles, taught John Lennon, George Harrison and Paul McCartney, Mother Maybelle’s finger-style guitar picking and George Harrison said about him that he was “all over The White Album”.”

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El tercer álbum de Donovan

Pero será mejor que rebobinemos hasta el principio de su carrera. A continuación abordaremos el tema Sunshine Superman desde diferentes vertientes que le conciernen, así como su relación con el álbum. Y la razón de remontarse hasta el principio está bien clara: Donovan tiene unos comienzos folk y enseguida se le compara con Bob Dylan. La eterna comparación. Incluso se le considera una especie de copia o clon, de forma algo peyorativa o haciéndole bajar un peldaño respecto al de Minnesota…

“We’ve been watching Donovan too. He isn’t too bad a singer but his stuff sounds like Dylan’s. His ‘Catch The Wind’ sounds like ‘Chimes of Freedom’. He’s got a song, ‘Hey Tangerine Eyes’ and it sounds like Dylan’s ‘Mr. Tambourine Man’.”

…dijo por ejemplo Brian Jones, miembro fundador de los Rolling Stones y amigo del músico. Y podríamos incluir muchas más manifestaciones al respecto, como las mofas que hace el propio Dylan al respecto y que lrotula menciona en sus entradas. Una supuesta rivalidad alimentada por la prensa, que llega a catalogarle como “el Dylan británico”.

Y esto tiene su importancia, porque la publicación de su tercer trabajo, Sunshine Superman, supone un alejamiento en el sonido y en el estilo respecto a sus comienzos folk, aunque éste siga presente en este disco. Ya no es tan evidente la influencia de Dylan y de Woody Guthrie -ésta reconocida por ambos-.

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El single incluiría “The Trip” en la cara B

Donovan incorpora varios estilos y movimientos y los mezcla: El jazz, el blues, el pop, los sonidos orientales, el flower power y la contracultura proveniente de la Costa Oeste estadounidense. Por si esto fuera poco, este disco puede considerarse el primer disco británico -y uno de los primeros- plenamente psicodélico. Welcome to psychedelia, bienvenidos a la fusión e incursión en senderos tan fascinantes como el psychedelic folk, el psychedelic pop y el folk rock. Oh yeah, my friends, antes de seguir dejadme señalar por ejemplo que un corte tan fascinante como Season of the Witch es toda una muestra de ese viaje, del trip psicodélico. O que con Three King Fishers pegamos un salto y nos plantamos en la India. Es por cortes como estos, o por el propio Sunshine Superman, amén de su reciente paso por Lleida, por lo que me he lanzado de cabeza tras los pasos del escocés, no matter all the time I expend.p03dxdjsEl single como tal salió en julio del 66 en los Estados Unidos, y el disco en septiembre de ese año. Por motivos legales que luego abordaremos, ese tercer trabajo vería retrasada su publicación en Gran Bretaña. El dato importante es que estamos hablando del año 1966 -y se podría valorar cúal hubiera sido el impacto de no sufrir ningún retraso-. 1966 y el primer disco total y claramente psicodélico. Como señalan unas cuantas crónicas, un año antes del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles. Un año antes del Surrealistic Pillow de los Jefferson Airplane. Un año antes del The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd -álbum de debut y único bajo el liderazgo de Syd Barrett-. Casi nada, por lo que a trabajos psicodélicos se refiere. Pero aún hay más. 1966 fue el año en que también se publicó el Pet Sounds de los Beach Boys, el Blonde on Blonde de Dylan o…el Revolver de los Beatles, otro disco con contenidos psicodélicos (“Tomorrow Never Knows”) o sonidos provenientes de la India. Visto lo visto, ¿a alguien puede extrañarle que el disco de Donovan quedara algo relegado y que la competencia fuera feroz?

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Donovan con Jimmy Page

El productor del álbum fue Mickie Most, especialista en convertir en hits canciones de otros artistas de la época. (No olvidemos, por ejemplo, que Most fue el productor de la triunfal versión que hicieron los Animals del The House of the Rising Sun). El de Donovan es el primer álbum pop que incorpora abiertamente el uso del sitar, ampliando el rango de instrumentos usados y también con una nutrida nómina de músicos detrás. Entre ellos destaca cómo no Jimmy Page, que toca la guitarra principal y en esos momentos era músico de sesión. Otro destacado es John Cameron, arreglista y músico de jazz, que toca el clavecín. Donovan (“Don”) explica muchos detalles de la gestación de esta canción y el sonido de este disco en una entrevista a The Guardian del 2016. Por ejemplo que no quería el típico sonido rockero, sino algo que sonara mucho más jazzy. Por esa razón…

“We used classic jazzers: Spike Heatley on double bass, John Paul Jones on bass guitar. Then Mickey added the guitar – played by Jimmy Page. Mickey was a great producer.”

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Versión del álbum para UK, 1967

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Portada original del single

Hablemos de esos problemas legales, de las disputas entre casas discográficas. He de puntualizar que me ha costado un buen rato esclarecer este asunto, porque suena un poco liado y porque según qué fuente se consulte parece que se estén relatando hechos distintos, pero todo es cuestión de cómo se enfoca. Según la web songfacts.com, en la “ficha” que hace de este tema -en inglés-, lo que sucedió fue que…

“Donovan estaba grabando para Pye Records cuando estaba trabajando en este tema. Pye tenía también a Most bajo contrato, pero éste se fue a CBS antes de que el álbum pudiera publicarse. Esto motivó una demanda judicial que retrasó la salida del disco, así que no salió en los USA hasta septiembre de 1966, y no fue publicado en Gran Bretaña hasta 1967. Esto fue desafortunado para Donovan, porque el trabajo hubiera sido considerado mucho más innovador de haber salido en el momento debido.”

También songfacts recoge un fragmento de una entrevista a Donovan de la revista Uncut. El cantante dice:

“Pye me estaba jodiendo con la demanda tras (la publicación de) Sunshine Superman, así que mi obra maestra permaneció en las estanterías durante siete meses. Si le ponemos fecha, fue al menos un año y medio antes del Sgt Pepper…”

Sin embargo si nos vamos a la Wikipedia, lo que se nos explica es que Billboard informó de que el empresario Allen Klein -que después sería mánager de los Stones y los Beatles-, Most y Donovan estaban trabajando en el disco, y de que Donovan iba a fichar por Epic Records en los EEUU. Esto hizo que Pye Records, al enterarse, descartara o renunciara a publicar el single, ya que ellos tenían un acuerdo de licencia con Warner Bros. Todo ello desencadenó la batalla legal entre las distintas compañías, retrasando la edición del single y del disco. Puede parecer un poco confuso todo, incluso que se nos esté hablando de dos problemas distintos, pero una pieza que ayuda a recomponer el puzzle es la siguiente: CBS Records -mencionada en la primera noticia- vendió su compañía en 1988 a Epic Records -mencionada en la segunda noticia-, así que estamos hablando de lo mismo, en el fondo. Por cierto que Epic Records en realidad es propiedad de la multinacional Sony Corporation of America, que rebautizó a su vez a CBS como Sony Music Entertainment.

Lo que nos importa de verdad es que la edición de esta canción desencadenó una batalla de pleitos que acabó en los tribunales, una disputa contractual entre sellos, retrasando la edición del correspondiente álbum.2072bdonovan Pero incluso la historia está plagada de irregularidades y detalles que escapan a una previsible “normalidad” a la hora de sacar un disco. Diferentes versiones del disco fueron editadas en los Estados Unidos y Gran Bretaña. El single salió en junio de 1966 en los USA y fue todo un éxito. Vendió unas 800.000 copias en seis semanas y llegó al número 1 del Billboard Hot 100, el único número uno de Donovan en EEUU, mientras que en su país llegó al número dos. Además se da la circunstancia de que en Gran Bretaña, el disco que salió en diciembre de ese año bajo el nombre de Sunshine Superman fue en realidad una recopilación del original Sunshine Superman y de algunos cortes de Mellow Yellow, el que sería el siguiente trabajo del escocés. Durante todo ese impasse de incertidumbre y de problemas legales en los tribunales, Donovan decidió pasar una temporada en Grecia, como se ha mencionado antes. Se especuló y se bromeó con el supuesto final de su carrera, y allí escribió el tema Writer in the Sun. Todas sus experiencias, perdido por las islas con su amigo Gypsy Dave -mánager del cantante, escultor y compositor también- se explican en la entrevista del portal griego antes mencionado.

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Donovan con su amigo Gypsy Dave

Su amistad con los Beatles: Hablar de Donovan, de aquellos años, de los inicios de la psicodelia y de las amistades y contactos que tenía el músico nos lleva a hablar indefectiblemente del cuarteto de Liverpool, pues Don tenía una estrecha amistad con ellos. Veamos algunos detalles relacionados justamente con la canción que nos ocupa hoy, y otras curiosidades que también ya forman parte de la historia de la música.

Su productor Mickie Most, mientras la suerte del single se resolvía en los tribunales pero a la vez se gestaba el primer álbum psicodélico de la historia, le dijo a Donovan, sabida la estrecha relación entre éste y los Fab Four“Don’t play this to McCartney”. También nos lo relata la ficha de songfacts:

“Donovan was good friends with The Beatles, and they were both making very innovative and trippy music at the time. Donovan’s producer Mickie Most told him not to play the Sunshine Superman album to Paul McCartney under any circumstances, because he knew McCartney would be tempted to do something similar.”

Pero Don no pudo resistirse…

“I played it to McCartney anyway. They were already there, anyway, and George Martin was doing something similar with The Beatles, working out arrangements from ideas they had in their heads. George Martin was The Beatles’ guy and John Cameron was my guy and they both had an appreciation of jazz which was key.”

Así que no parece especular gratuitamente que Donovan pueda haber tenido algo de influencia en las obras con contenido psicodélico de los Beatles, como el Sgt Pepper sin ir más lejos.

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Año 1968. Los Beatles posan con la banda Grapefruit. Brian Jones es el primero por la izquierda, detrás, y Donovan está a su lado, luciendo bigote

También existen curiosas conexiones entre algunos temas de los Beatles y Donovan, y viceversa. Por ejemplo Donovan contribuyó con la frase “Sky of blue and sea of green” en la letra del tema Yellow Submarine. Otra curiosidad es que en el vídeo del A Day In The Life se ve un plano de un tocadiscos donde está sonando el tema Sunshine Superman.

Hay que hablar forzosamente de un tema mayor, que lrotula menciona en sus entradas y que repasaremos brevemente: Donovan y los Beatles viajaron juntos a la India, con la intención de practicar la meditación trascendental y en búsqueda de la iluminación espiritual. No solamente se pueden esgrimir estas razones. Hay otras de índole también musical:

“We were part of that same scene. We sang songs of peace and brotherhood. We were all interested in the music that came from India, that sound that inspired the White Album and so many of my records. John, George and Paul all asked me to teach them how to play the sitar because I had one in London when no-one else had seen one before. We’d sit together and meditate, then we’d write songs. It was a great time.”donovan6-336x224js43648350¿No os parece interesantísima y fascinante toda esta historia? A mí me lo parece, sin duda. Ya dije que Donovan es parte de la historia de la música. Más información de todas esas vivencias en esta entrevista: Why I went to India with The Beatles.

Hablemos escuetamente de ese viaje. Hacia 1966 los Beatles se sentían un poco estresados y abrumados por su brutal éxito. En 1967, con cierta necesidad de echar un poco el freno y tomarse las cosas con más calma –“take it easy”– asisten a una conferencia de un gurú hindú, Maharishi Mahesh Yogi, y quedan tan fascinados por el mensaje de meditación trascendental que deciden viajar a la India. En febrero de 1968 viajan junto con Donovan a aquel país, para asistir en el ashram de Rishikesh a las enseñanzas del gurú.e8be45e0-e242-4cf3-809d-206b550beeb5bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbAparte de invitar a nuestro protagonista, los de Liverpool viajaron junto con sus esposas y novias, además de Mike Love de los Beach Boys y el flautista Paul Horn. Y en Rishikesh coincidirían con la actriz Mia Farrow y la hermana menor de ésta, Prudence.

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Ahí le tenemos, ahí les tenemos. Donovan vestido de amarillo. A la derecha de él Mia Farrow y al lado Maharishi. La foto es tremenda y un pedazo de la historia de la música

Lennon y Harrison eran los que tenían más inclinaciones espirituales, y vieron en esa experiencia pretendidamente espiritual y en las enseñanzas del gurú la posibilidad incluso de poner fin a sus carreras. McCartney era mucho más práctico y no tenía intención alguna de poner fin a su carrera musical ni de renunciar a su estatus de pop star. Respecto a toda la experiencia, Paul pensó: “I’ll give it a month”. En cuanto a Ringo, parece que el batería era el más escéptico de ellos y acabaría siendo el primero en regresar a casa, razón por la cual -me imagino- no aparece en muchas de las fotos. Toda la experiencia acabaría como el Rosario de la Aurora, entre muchas otras razones -no lo he investigado, la verdad- porque Maharishi intentó beneficiarse sexualmente tanto a Mia como a su hermana Prudence. Los Beatles volvieron desencantados a casa e incluso le dedicaron una canción al gurú, Sexy Sadie. Primero se citaba a Maharishi en la letra, Harrison objetó y se sustituyó por Sexy Sadie

Sexy Sadie/what have you done?
You made a fool of everyone
Sexy Sadie/you broke the rules
You laid it down for all to see 

En cuanto a Donovan, no parece echar pestes de Maharishi y muchísimo menos de la meditación trascendental. Es un gran defensor y de hecho practicante desde hace muchos años. En diversos medios explica que tanto él como el cuarteto de Liverpool andaban buscando un maestro espiritual antes de encontrar a este gurú en concreto. También que varios fueron los viajes y los encuentros de este tipo. A Maharishi mismo los Beatles lo conocieron en Bangor, Gales, donde el hindú ayudó al grupo a superar la muerte de su mánager, Brian Epstein, por sobredosis de barbitúricos. Maharishi les dijo:

“It’s okay. There’s no death. Everything is fine, ­everything is cool. I’ll show you how to meditate and you’ll be able to look at your life in a different way.”mmy-beatles-pro-640x250liv_20131103_ent_036_29466298_i1

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Con el gurú en Suecia, año 1967

Preguntado Donovan por ejemplo qué ha aprendido de la meditación, contestó esto:

“Sat Chit Ananda” (Ser, Consciencia, Felicidad/Gozo)

Donovan preside una fundación llamada Donovan’s Children’s Fund, que está a su vez integrada dentro de la David Lynch Foundation. Y es que el director de cine es un buen amigo y otro practicante de la meditación trascendental… paulrsdonovan283-the-beatles-anthology-150ppp-john-donovanhqdefault0be78627b089074e2a3da95652cecb19

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Me voy a detener aquí, pero hay muchísimas más fotografías si uno busca…

Y para cerrar este capítulo en referencia a los Beatles y en buena medida a su experiencia conjunta en la India, volvamos a algo que se apuntó al principio de la entrada: Donovan les enseñó lo que se conoce como “finger-picking acoustic guitar technique”, justamente estudiando meditación allí en 1968…

“I used to play acoustic guitar all the time. In fact, Ringo used to say, ‘Don, you never stop playing guitar,’. In that nonstop playing, after we meditated, after we ate our health food, after we chased the monkeys off the table, we would play, and as I picked, one day John said, ‘How do you do that?'”

La meditación trascendental: Precisamente al respecto de este tema, pero ciñéndonos estrictamente a la canción Sunshine Superman, Donovan declaró:

“It’s primarily a love song – but I was also trying to get to the invisible fourth dimension of transcendental superconscious vision.”

Las drogas y el LSD: En esta canción hay referencias y guiños, más o menos velados, hacia el consumo de LSD y las experiencias derivadas. Por ejemplo “sunshine” es otra manera de referirse al “ácido”. Donovan también explica en la mencionada entrevista a The Guardian que acababa de leer el libro “The Doors of Perception” de Aldous Huxley, un libro que trata sobre el tomar mescalina. Don no puede ser más claro y explícito:

“I wanted to get to the invisible fourth dimension of transcendental superconscious vision. I tried LSD, mescaline and finally meditation.”

En cuanto al vocablo “Superman”, la cosa también versa sobre el volar muy alto:

“The Superman is the person capable of entering higher states because it’s not easy to go into the fourth dimension and see the matrix of the universe in which everything is connected.”

Por último, dos apuntes relativos al consumo de sustancias: Uno, Donovan se convirtió en el primer artista británico detenido por posesión de cannabis, a mediados de 1966. En unas cuantas entrevistas el cantante se refiere al tema entre bromas, utilizando la palabra “bust” (redada policial) o “busted”. Y dos, obviamente muchas otras canciones suyas hacen referencia al consumo de drogas y sus efectos.

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Donovan, “Prince of Flower Power”

El amor: Y a pesar de todo lo que hemos dicho y explicado, Sunshine Superman es básica y primeramente una canción de amor. La canción la inspiró y se la dedicó a Linda Lawrence. Repasemos los hechos y cómo se conocieron…

En 1965 Donovan estaba sin hogar y fue a parar a una residencia del show televisivo emitido en “prime time” Ready Steady Go!. Según palabras de nuestro protagonista, “estaba durmiendo en un sofá y sin ninguna canción compuesta”. El cantante se puso las pilas y compuso el tema Catch The Wind, que acabaría convirtiéndose en su primer éxito. Interpretando este tema, a las cuatro semanas de estar en el programa, fue cuando vio a Linda entre la audiencia. Le dijo a su compañero Gypsy Dave que era preciosa, y entabló conversación con ella en el backstage. Empezaron un affaire amoroso. Sin embargo, cuando le pidió que se casara con él ella lo rechazó: Acababa de romper su relación con Brian Jones, miembro primigenio de los Stones y que se convertiría a la postre en amigo de Don. No solamente eso, sino que Linda había sido madre a los 16 años de un niño –Julian– y estaba quemada de ser objetivo de los paparazzi. De hecho era la primera novia de una celebridad del pop.

Linda se marchó a California, pero ya se había convertido en su musa, para esta canción y para muchas otras. De hecho la letra del tema hace referencia a que “algún día serás mía” y a que el amor triunfaría y estarían juntos…

“It’ll take time, I know it, but in a while / You’re gonna be mine, I know it / We’ll do it in style.”

¿Y qué sucedió? Cuatro años después se encuentran por casualidad. Donovan estaba alquilando su propiedad rural, y dos chicas norteamericanas aterrizaron en una fiesta organizada en casa de Eric Clapton. Una de ellas, Lorey, se interesa por el alquiler de la casita y se presenta allí con su amiga. Su amiga era, sí, Linda Lawrence.

Donovan y Linda se casan al año siguiente, 1970. Desde entonces están juntos.

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Una boda y tres protagonistas: Donovan, Linda y el hijo de ésta, Julian

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Con Charlie Watts, en Londres, año 2016

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En el Hall of Fame, Nueva York, año 2014

No quisiera acabar esta larguísima entrada -empiezo a tirar del hilo y está visto que no tengo remedio*- sin dar las gracias a ese bloguero. Gracias por descubrirme en verdad la figura de Donovan y hacer que le prestara atención (conocía ya algún tema suyo, como Colours). Pero gracias no solamente por eso. Gracias, en primer lugar, por ser como eres. Por tu educación, por tu comprensión, por tu verdadera tolerancia y eclecticismo, por tu seriedad, por tu rigor, por tus amplísimos e increíbles conocimientos musicales y por esas entradas en las que es más que obvia toda la investigación, con todo lo que eso conlleva: Tiempo, esfuerzo, dedicación, ilusión, incluso una pequeña dosis de soledad, y amor por la música.

*A veces he dicho de broma que este tipo de entradas interminables es de aquéllas que necesitan “avituallamiento”. Es decir, llevarse una cantimplora de agua, comida, y a poder ser una mochila y un saco de dormir. Aunque en realidad ni hay necesidad ni nadie está obligado a leerlo entero de un tirón. GRACIAS.

La culpa no es sólo de lrotula. La culpa la tiene la canción. La escuché y me enganchó de inmediato. Cómo con una simple guitarra se puede transmitir tanta energía y tener tanto gancho…Interpretación de este mismo enero del 2017…

La protagonista de este vídeo es la actriz Sue Lyon. La razón es que la actriz norteamericana, nacida en Iowa, fue otra corta aventura amorosa que tuvo Donovan, en esos años en que aún no había ligado su vida a la de Linda. Sí, Sue Lyon es la actriz que protagonizó la inestimable Lolita de Stanley Kubrick (1962). El film donde la femme fatale hace bailar como a un títere a James Mason. También tuvo un papel destacado en otra obra maestra del cine: La Noche de la Iguana (1964, John Huston, con Richard Burton, Ava Gardner y Deborah Kerr).

 

 

 

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Daniel Romano: Roya

Daniel Romano va a publicar un nuevo álbum muy próximamente, y desde luego en este blog no le vamos a perder la pista al músico canadiense.

El disco se llamará Modern Pressure y será su séptimo LP (¡en 7 años!), octavo trabajo si tenemos en cuenta el EP con el que debutó. Será publicado el próximo 19 de mayo, a través de los sellos You’ve Changed Records -su propia casa- y New West Records. Se grabó en Finnsäs, Suecia, con el ingeniero Kenneth Meehan.

Según una nota de prensa, se compara este nuevo disco a trabajos de Lee Hazlewood, Leonard Cohen, Serge Gainsbourg, Randy Newman y Bob Dylan. Para los que conozcan/conocemos un poco los derroteros musicales de Romano, estas referencias no deberían sorprendernos en absoluto. romano2017Además este nuevo trabajo tiene todos los visos de seguir la estela musical de su álbum Mosey, un disco muy ecléctico y sugerente. Romano seguirá con su peculiar y personalísimo estilo donde se mezclan rock, country, pop, tintes retros sesenteros y setenteros, incluso canción italiana o francesa o spaghetti western, además de psicodelia.

Y tenemos ya single de adelanto de ese Modern Pressure. Se trata del tema Roya, una canción con una melodía muy bonita, con cierto aire melancólico e interesantes líneas de guitarra. Los medios se hacían eco de este tema y del vídeo que le acompaña este mismo 10 de marzo. En el vídeo se ve a Romano mirando fijamente a la cámara mientras fuma con evidente fruición, a la vez que su voz nos llega en boca de su compañera en la banda Kay Berkel, la misma chica ni más ni menos que coprotagonizaba un vídeo/tema tan rematadamente bueno -y bluesero- como I Had To Hide Your Poem (In A Song). Un cambio de papeles, por cierto, que me ha recordado un divertidísimo vídeo de la gran Fiona Apple -escribiré sobre él, en un futuro-.1488990945002-modern-pressure-credit-unfolding-creative-photo-1-1

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Daniel Romano and Kay Berkel, discussing on music and drinking beer

Nuestro songwriter canadiense ha publicado unas reflexiones acerca de este nuevo disco. Oigámosle:

Modern Pressure is a collection of spiritual songs. The sound of the moment reverberating -reverberando, resonando, destellando- into the future. Like the music of the spheres, these melodies and verses are both pertinent and timeless -eternos, atemporales-. There is a desperate cry for revolt. There is a vulnerability in its stoicism. There is a rapturous callowness -entusiasta/exultante/apasionada inexperiencia/inmadurez- within the form. There is an ovation for the matriarchy in this virile world. These are collectively and peculiarly our modern pressure.”

En cuanto a la canción, asegura que…

“Roya is a celebration of women. Roya is to represent the femininity in nature and the universal She -la mujer, la personificación de lo femenino-. This is a devotional memoir pertaining -que atañe- to the strength, endurance -resistencia, resiliencia-, spirit, and godlike gravity -divina solemnidad- of our mothers, sisters, lovers, and friends.”

Interesantes reflexiones -que no necesitan Día Internacional de la Mujer-, una bonita canción y un excelente sonido. Otra muestra del talento compositivo de Romano.

 

 

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Beck: Blue Moon / Unforgiven

beck-cover-bb-logo-650-430¿Conoces/conocéis al cantante Beck? Beck, también conocido como Beck Hansen -nacido como Beck David Campbell en 1970 en Los Angeles- es un músico, cantante, multi-instrumentista y compositor respetadísimo por la crítica. De hecho algunos críticos y no pocos aficionados lo consideran ya como un autor de culto, aunque no está retirado ni mucho menos.beckhansencosimo2014coachellavalleymusic5pcukdmiucolRaramente aparece más de una canción en una misma entrada en este blog, pero ésta es una de esas ocasiones en que lo merece. Ambos temas además van seguidos en su disco Morning Phase, su último trabajo hasta la fecha -del 2014, aunque desde finales del 2016 hay insistentes rumores de nuevo disco para este año-.

morningphase

Portada y hermosísima imagen

Leí unas críticas tan favorables, tan superlativas acerca de Morning Phase que mi curiosidad hacia este artista se despertó de forma también superlativa, acrecentada por mi nulo conocimiento de sus álbumes y canciones. Semanas después tuve la oportunidad de descargarme toda su discografía, y no lo dudé.

Si por algo es conocido Beck, es por ser un artista de difícil o imposible clasificación. Sus trabajos muestran facetas del rock alternativo, el art pop, el hip hop alternativo o el estilo Americana, sin poder encuadrarse en ninguno de ellos. Y también es conocido por producir y publicar excelentes discos, obviamente. Sus trabajos vienen a ser una paleta donde se mezclan y fusionan distintos estilos, un collage donde se reflejan muchísimas influencias. Ahondando en la misma idea, sus discos tienen trazas de todo lo mencionado antes y también de folk, funk, soul, hip hop, country, psicodelia o electrónica -utilizando samples, percusiones programadas, etc-. Trasladado a Nueva York a finales de los 80, se vio envuelto en el movimiento anti-folk de dicha ciudad. De hecho empezó su andadura paradójicamente como artista folk, influenciado por este estilo y también por el hip hop.beckPodemos decir que cada uno de sus discos -12 álbumes de estudio hasta la fecha- refleja mayormente las influencias de un determinado estilo. Pero otro de los rasgos destacables en su ecléctica obra es que cada uno de sus trabajos guarda una enorme cohesión interna, una idea de unidad a la hora de interpretar las canciones.

Beck salta a la fama mundial en 1994 con la canción y “el vídeo de ‘Loser’, un cruce entre el hip hop blanco de los Beastie Boys y el rock alternativo de la Costa Oeste con aquel famoso estribillo en ‘spanglish’ (“Soy un perdedor / I’m a loser, baby”) que revelaba su procedencia de Los Angeles, una interzona con todo tipo de mestizajes culturales.”

Esta cita está sacada de un interesante artículo en la web de EL MUNDO, para el que quiera hacerse una idea global y rápida de su carrera. 673e8f86ed32c75c2a770028c70effa1En cuanto al álbum Morning Phase, último del californiano, es un trabajo muy emparentado con su disco Sea Change del 2002, una especie de hermano menor o de prolongación. Por cierto -hagamos un inciso- prácticamente todas las revisiones críticas coinciden en señalar que los dos grandes trabajos de Beck son el Odelay de 1996 y el citado Sea Change. Volviendo a dicha crítica de EL MUNDO, se dice sobre este disco del 2002:

“…tres años después, ah, una ruptura amorosa y un disco para contarlo, ‘Sea Change’ (2002), en clave recogida, folk y preciosista. Nada de ‘samples’, nada de ritmos bailables: sólo la voz de Beck Hansen y algunos ecos electrónicos. Muchos no supieron ver el paso del músico californiano como compositor y el disco recibió alguna que otra cornada de la crítica y de parte de su público. (…) Sin embargo, ‘Sea Change’ ha ido adquiriendo con el tiempo una aureola de disco especial, de hermosa e infravalorada colección de canciones que ni encajaba con el renacimiento del folk que tuvo lugar entonces ni con las posteriores oleadas que vinieron después.”

Y así, haciendo un rápido repaso a distintas webs musicales, es fácil constatar las coincidencias en cuanto a la naturaleza de este Morning Phase. La crítica de binaural.es por ejemplo nos dice:

“Inevitablemente Morning Phase, el nuevo disco de Beck, será estigmatizado como la continuación natural (y secuela folkie) del Sea Change (2002). Beck Hansen tiene discos mejores, eso está claro, pero éste aunque es difícil de abordar guarda similitudes más que probadas con aquel álbum (…) Lo suyo es ahora la calma, la pausa y maravillar desde la belleza y pasividad a sus fieles seguidores. (…) El cambio más notable es su situación sentimental en comparación con aquel disco, en donde entonaba melodías tristes que hablaban del final de su relación con su novia de toda la vida. Ahora en 2014, el músico tiene dos hijos y está felizmente casado y eso es radicalmente opuesto con el Sea Change.”

Nos sigue explicando dicha crítica que en el álbum interviene su padre, que es músico (compositor/arreglista de cuerdas), David Richard Campbell, y el mismo cuerpo de músicos que en aquel trabajo del 2002. Así que la continuidad se antoja bastante coherente.Beck PortraitsPor su parte, la crítica de Hipersónica nos dice que…

“Si Sea Change fue el álbum de la desolación, del tocar fondo, Morning Phase es el del día después, el del amanecer después de la batalla, el que tiene lugar a la mañana siguiente de esa tormenta, de esa pelea, de esa ruptura. Es un trabajo de una melancolía entre relajada y resignada, triste pero no deprimente, que encuentra la belleza en ese delicadísimo equilibrio. (…) Y Blue Moon es el perfecto resumen de todo ello, es el corte que mejor capta el ambiente que trata de transmitir un disco enormemente descriptivo y nada narrativo.”

Finalmente la crítica de jenesaispop.com nos explica los proyectos en los que ha andado metido el músico mientras no publicaba nada nuevo. Entre ellos, dirigir un homenaje al ‘Glassworks’ de Philip Glass o aportar unas partituras a un proyecto llamado Song Reader, para concluir que…

“Si unimos Song Reader con el homenaje a Philip Glass, nos encontramos ante un hecho: en este tiempo Beck se ha interesado por llegar a un concepto más clásico de la música. También tiene que ver la implicación de David Campbell, su padre (…) Otra de las razones por la que este ‘Morning Phase’ puede considerarse eso, un clásico desde el primer momento, es por la esencia de sus canciones. (…) El carácter de ‘Morning Phase’ es similar al de su primo ‘Sea Change’: canciones sutiles en cuanto a la instrumentación, pero con un toque luminoso. Y lentas.”

Como es fácil de ver, las valoraciones del disco son bastante coincidentes. Beck retoma su papel de trovador acústico, con una instrumentación folkie y una producción muy cristalina. En una entrevista a la publicación Rolling Stone explicó que Morning Phase era como una oda a la música de California, a la psicodelia y al folk de los 70:

” (…) the songs are coming out of a California tradition. I’m hearing the Byrds, Crosby Stills and Nash, Gram Parsons, Neil Young – the bigger idea of what that sound is to me.”

He omitido referencias a otras grandes y bellas canciones del disco, que las hay –Unforgiven sin ir más lejos, pero también cortes como ‘Morning’, ‘Blackbird Chain’ o ‘Heart Is a Drum’-. Por último es importante señalar que el álbum fue nominado a 5 Premios Grammy, llevándose 3 de ellos en la edición número 57 de dichos galardones (febrero del 2015): Album of the Year, Best Engineered Album, Non-Classical y Best Rock Album.

Algunas críticas trazan un paralelismo con un autor indie que factura también grandes canciones: Cass McCombs. Otros señalan con acierto el alto grado de intimismo presente en este disco similar al de Mark Oliver Everett (Eels) en su último trabajo. Y aunque nadie lo mencione, escuchando este LP de Beck se me hace inevitable acordarme de Bon Iver. Aquí podemos verle interpretando el tema Blue Moon en el conocidísimo y de máxima audiencia Ellen DeGeneres Show. Pero qué canción tan extraordinariamente bella, quizá la mejor del Morning Phase

“Blue Moon”

I’m so tired of being alone
These penitent walls are all I’ve known
Songbird calling across the water
Inside my silent asylum

Oh don’t leave me on my own
Left me standing all alone
Cut me down to size so I can fit inside
Lies that will divide us both in time

See the turncoat on his knees
A vagabond that no one sees
When a moon is throwing shadows
You can’t save the ones you’ve caught in battle

Oh don’t leave me on my own
Left me standing all alone
Cut me down to size so I can fit inside
Lies you try to hide behind your eyes

Don’t leave me on my own
Don’t leave me on my own
So cut me down to size so I can fit inside
Lies that will divide us both in time

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Éste es el curioso y original vídeo oficial del tema. Espero, como buen amante o aficionado/a de la música que te supongo, hayas caído en la cuenta de esos hermosos pasajes instrumentales que nos invitan a soñar…

Y éste es el tema Unforgiven, de hecho el que me enganchó de este álbum, por ese hermoso y melancólico estribillo. Vuelvo a escucharla y sólo puedo concluir que esta canción es una obra maestra, qué belleza sonora…

En directo en París, año 2014, imprimiéndole un ritmo algo más rápido y con mayor peso de la percusión electrónica…

 

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Nils Lofgren: Night Fades Away

35-ogA Nils se la debo, se la debía, sin duda. Hacía tiempo que quería dedicarle una entrada. Probablemente me repita más que el ajo -en cuanto a adjetivos y calificativos- pero aquí llega otra canción maravillosa, la que da título a un álbum que me hizo sentir tantas cosas cuando hace ya bastantes años ingresó en mi colección. Sí, por aquí va a desfilar una parte del rock, una parte de mi vida.xxx-343355Creo que si saliéramos a la calle, micrófono en mano, de cualquier ciudad grande o no tanto -Madrid, Barcelona, da igual…- y nos dispusiéramos a hacer una encuesta, a inquirir a la gente, como el que pregunta: “¿Usted qué cree que lava más blanco, Ariel o Dixan?”, pero en lugar de eso preguntásemos: “¿Ha oído hablar alguna vez de, o sabe quién es Nils Lofgren?”, obtendríamos un ínfimo y decepcionante porcentaje de respuestas afirmativas o acertadas. Me temo que incluso aunque añadiéramos detrás: “Le daré una pista: es músico”. El cero coma…seguido de algunos ceros y algún triste decimal sería el ratio que obtendríamos. Seguro que si nos acercáramos a tiendas de discos, salas de conciertos o cualquier tipo de empresa relacionada -promotores, discográficas, etc- el porcentaje mejoraría ostensiblemente. Y si nos fuéramos a su país de origen, los EEUU, y preguntáramos entre la gente -y muchísimo más en el mundillo musical- la cosa iba a mejorar notablemente, pues allí es ostensiblemente mucho más conocido.

Mejoraría aún más -eso sin duda ayudaría, y ya no hablemos de los USA, sino de aquí mismo- si diéramos la importantísima pista o señaláramos que Nils es…nils-lofgren-rick-diamondc9a2cc40304e18835aada6a1202b8abf…guitarrista y miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen. Ése es el dato que llevaría a muchos de los encuestados a ubicarlo con exactitud. Pero pese a que es miembro de esta banda desde hace ya bastantes años, esto no siempre ha sido así. De hecho, Nils tiene a sus espaldas una larguísima y prolífica carrera en solitario…

Nils Lofgren -nacido en Chicago en 1951, de padre italiano y madre sueca- desde temprana edad se familiariza con varios instrumentos y con la música, y empieza su andadura musical en 1968, formando la banda Grin

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Nils Lofgren en primer plano con Grin. ¿Por qué será que me recuerda bastante aquí a Paul Michael Glaser en su papel de Starsky, de la mítica Starsky y Hutch?

La banda triunfa en la zona de Washington, D.C. y Baltimore hacia finales de esa década, aunque acaba deshaciéndose en 1974. Por añadidura, él y Springsteen se conocen desde principios de los 70, cuando Grin y la primigenia banda Steel Mill de Bruce coinciden en una audición. De alguna manera, a partir de ese momento “se vigilan” el uno al otro y están pendientes de sus temas y sus shows, saludándose cuando las circunstancias lo permiten.feature1_5Pero es que además -y esto nos dará perspectiva de la carrera de Nils- un joven Lofgren es invitado a tocar piano y guitarra en el álbum After the Gold Rush (1970) de Neil Young, entrando a formar parte brevemente de la banda Crazy Horse del canadiense…

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Lofgren, cantante, songwriter, guitarrista y multi-instrumentista

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Dos monstruos

Estoy buscando información -como siempre- y me doy cuenta fácilmente de que podría poner aquí 20, 30, 40 links a reportajes, artículos, entrevistas o retrospectivas en torno a Lofgren. Su carrera es brutal en cuanto a larga, prolífica y colaborativa, y si lo desarrolláramos en profundidad esto se convertiría en una entrada mastodóntica.

Su trayectoria está glosada de forma global en la entrada de la Wikipedia. Después de disolverse Grin empieza su carrera en solitario, publicando su álbum de debut -homónimo- en 1974. Jon Landau, un personaje del que he hablado y que tendría una importancia capital en la carrera del Boss, señala este disco como uno de los mejores de ese año. Recibe en general excelentes críticas, así como el tercero (1976), Cry Tough. En el conjunto de su obra, podemos hablar de 4 discos con Grin, un disco con Crazy Horse -1971-, el mencionado con Neil Young -y otros cuatro- además de ¡¡¡25!!! álbumes en solitario, entre material nuevo y recopilatorios.

No podemos olvidar tampoco sus múltiples colaboraciones con otros músicos. Por ejemplo Lou Reed coescribe varios temas de su disco Nils del 79. Forma dos veces parte del supergrupo que creó Ringo Starr, la Ringo Starr and His All-Starr Band. También podemos citar colaboraciones o apariciones en discos/temas junto a Jerry Lee Lewis, Mavis Staples, Robbie Robertson, Al Green, Willie Nelson, David Crosby, Graham Nash o el propio Neil Young. Hay unas cuantas más.179396_1_fTodo esto antes de unirse a la E Street Band en 1984. Ha participado en la confección de 10 discos y formado parte de nada menos que 12 giras con la banda de Springsteen. Impresionante. Sólo con Springsteen ya estamos hablando de 33 años juntos en el camino. Un músico que seguramente podríamos englobar en ese grupo de segundones del rock, por lo menos en cuanto a impacto mediático. Siempre cabrá la sospecha y la pregunta de si hubiera facturado discos de mayor calado de no haberse situado a la sombra del Boss.nils-lofgren-no-mercy-am-records

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El paso del tiempo es implacable para todos

Y ahí se cruza mi camino con el del músico. El matiz en mi caso es que no le conozco porque se haga mucho más famoso al ingresar en la E Street Band. Le conozco, una vez más, gracias a ciertos programas de la FM. Cortes del álbum Night Fades Away (1981) se difunden en la radio 3 años antes de ese ingreso. Me lo compro. Me compro después el disco Wonderland (1983)…

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Me encanta esta portada tan bonita. Dan ganas de sentarse en esa silla.

Y después, casi siempre me pasa lo mismo, le pierdo la pista. Bien es cierto que ya en el 84 se une al Boss. Recientemente, y porque soy un pirata descarado e insaciable un gran amante de la música, me hago en formato digital con un enorme recopilatorio que contiene 9 CD’s…splashcover2mg_r1_c2Hablemos finalmente de las circunstancias que rodearon su ingreso en la E Street Band en 1984. Pero hablaremos también del ingreso en dicha banda de Patti Scialfa, la que se convertiría en la actual esposa del Boss. Y enseguida se verá por qué hago esta matización.

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Nils Lofgren, Bruce Springsteen y Patti Scialfa

Hubo un detalle que me llamó bastante la atención ya hace bastantes años, cuando leí en una revista especializada sobre Nils Lofgren y su ingreso en la banda. Recordemos que ya le conocía previamente, y para mí esa noticia fue una agradable sorpresa y casualidad. Se aseguraba en cierta publicación que Nils Lofgren y Patti Scialfa mantenían una relación sentimental, y que posteriormente Springsteen le quitaría la novia a Lofgren. Es curioso también porque he investigado estos días a raíz de escribir esta entrada, para dilucidar si realmente fue así, pero todos los medios anglosajones consultados se centran en lo puramente profesional y artístico y no hacen la más mínima referencia al asunto. En realidad a nada del ámbito personal, más allá de que el Boss y Scialfa se casaron en 1991 y de que forman una envidiable pareja y familia, todo ello del conocimiento público. Las únicas referencias a esa posible relación previa entre Lofgren y Scialfa se encuentran en webs en castellano, más bien como rumores u opiniones particulares, en sitios como blogs o foros. Una de esas opiniones apuntaba a que tal tesis la sostenía el periodista español Julián Ruiz. He buscado y he encontrado esto en la web de Plásticos y Decibelios. Efectivamente, Ruiz lo afirma con aparente seguridad (haciendo un repaso de algunos grandes temas del Boss):

“TUNNEL OF LOVE (1987) – Del álbum “Tunnel of Love”.
No se le ha dado el suficiente trato justo a esta canción, que presenta a un Springsteen más comprometido con las relaciones amorosas y con una profunda renovación en su técnica de grabación. La canción la grabó en su propio estudio, Thrill Hill East, con la poderosa ayuda de Nils Lofgren a la guitarra. Además, en los coros, estaba Patti Scialfa, ex-novia de Lofgren y la futura esposa de Springsteen. En realidad, Bruce estaba contando y cantando su propia historia de ruptura con su primera esposa. Es original utilizar la historia de un matrimonio como si fuera montarse en los caballitos en una feria y, luego, perderse en un laberinto de la misma feria. Es una canción muy original en todo su concepto y los acordes son simplemente maravillosos.”

Bien podría ser, por qué no. Por lo menos son las afirmaciones de este señor, y de algún sitio tiene que haberlas sacado. El caso es que internet no parece contener nada al respecto, ni afirmando ni desmintiendo -como mínimo en inglés-. No tiene mayor relevancia, ya que se trata del ámbito privado -aunque sí es una curiosidad-, y además no parece afectar a sus carreras profesionales y al desempeño de sus funciones en la gran máquina, de hecho: La E Street Band.Bruce Springsteen and the E Street Band Dec 14, 1984Más bien es todo lo contrario: La relación profesional y de amistad entre ellos tres y demás miembros de la banda parece excelente. Incluso la web express.co.uk se hace eco de una entrevista donde Lofgren explica que en las ocasiones que acudía a la casa de los Springsteen, se montaba una “banda secreta” y se ponían a interpretar temas: Patti cantando y Bruce al bajo o incluso al órgano, junto con otros músicos. The Wack Brothers se hacían llamar.5a8db565e26e46bb6fdba5046899c52dEs curioso también, porque hubiera mencionado el tema Tunnel of Love, sin necesidad de que se me adelantara Julián Ruiz. Efectivamente, en esta grandísima canción que da título a ese álbum, Nils Lofgren es quien lleva la guitarra y el que se marca un magnífico solo. Recordemos que en ese disco el Boss no iba de la mano de su banda, pero sí que utilizó a casi todos sus miembros de forma separada en muchísimos temas.bruce_springsteen_tunnel2bof2blove-1205

Springsteen le pide a Lofgren que ingrese en la banda en 1984, para ocupar el lugar, como principal guitarrista y voces, de Steven -o SteveVan Zandt, que dejaba la banda para probar con su carrera en solitario. Recordemos que el músico del sempiterno pañuelo en la cabeza no solo es músico sino también actor -ha participado por ejemplo en The Sopranos-.

Bruce Springsteen, Steven Van Zandt, Nils Lofgren

Ahí tenemos a estos tres monstruos del rock. A la derecha, Van Zandt, apodado de muchas maneras, entre ellas “Little Steven”. ¿Necesita presentación?

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Y cientos de fotografías podríamos encontrar de los tres juntos

El Jefe le pidió a nuestro protagonista de hoy que se enrolara en sus filas, listos ya para embarcarse en el mastodóntico Born in the U.S.A. Tour: Dos años de gira, siendo la más extensa y exitosa hasta la fecha. Un monstruo de 156 actuaciones. En 1989 el Boss deshace la banda, pero la recompone en 1999, con motivo del inicio de la gira Reunion Tour, seguida de The Rising Tour. Es en ese momento cuando Litte Steven vuelve al grupo. ¿Y se marcha Nils Lofgren? No, ambos se quedan como guitarristas. nilslofgrenjeffbeckcommemorateslespaul2t0jncmrxrzlAquí tenemos unas reflexiones del músico sobre lo que le supuso ingresar en tal fenomenal máquina de hacer rock and roll:

“I was out doing about 65 shows last year with my acoustic duo. You’re staying in Holiday Inns, you’re on a bus, you’re driving around, playing for three- to eight-hundred people a night. Afterwards, you go out on the town for an hour and a half, and my lovely wife Amy is selling posters and T-shirts she designed and homegrown CD’s (…)

And now here I am with over 50 guitars on the road. Playing with one of the great bands in history, E Street, for 20,000 people a clip. It’s a massive, deafening rock show, which I love. (…) They’re two … different worlds, but to me there’s more similarities than differences…”

nilsPodemos relatar una curiosidad acerca de Lofgren sobre el escenario: Es -era, me imagino- amante de las acrobacias. Sobre las tablas se ayudaba de una pequeña cama elástica, a modo de trampolín, para pegar un bote y dar una voltereta hacia atrás. Todo esto, según cuentan varias crónicas, ¡¡sin dejar de tocar la guitarra o ejecutar un solo!! Además puedo decir que lo he visto. ¿Dónde? Pues precisamente en el segundo vídeo que aparece en esta entrada. Ahí está interpretando con su banda el tema protagonista de hoy, lo cual demuestra que tal costumbre ya la tenía antes de juntarse con el Boss & Cía. Tales acrobacias le han supuesto destrozarse las caderas, y tener que ser operado de ambas para alojar placas metálicas.

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Lo dije al principio de esta entrada. Un pedazo de mi vida, un pedazo de historia, un pedazo de rock: Nils Lofgren con el fallecido Clarence Clemons

En cuanto a Patti Scialfa, es curioso señalar que ella también ingresó en la E Street Band en 1984 y para la misma gira en que lo hizo Nils. Bruce le pidió que se uniera a la banda sólo 3 o 4 días antes, y ella aceptó, no sin algunas reticencias. Era la primera vez que una mujer ingresaba en la superbanda, para hacer voces y otros menesteres -guitarra-. Con los años, una vieja colaboradora musical y amiga personal, Soozie Tyrell, -formaron un trío llamado Trickster- también ingresaría en la E Street Band, tocando el violín y haciendo voces, más concretamente para la gira de The Rising (2002-03).

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Lofgren, Tyrell, Weinberg, Springsteen, Scialfa y Van Zandt

Pero a nuestra pelirroja le pasa algo parecido que a Nils: Tiene una larga carrera en solitario a sus espaldas. En este caso mucho más modesta, de sólo 3 álbumes en el mercado, pero que han recibido críticas bastante positivas. Su faceta de songwriter también queda eclipsada por estar en la banda del Jefe. Podemos señalar que en su segundo disco (23rd Street Lullaby, del 2004), colaboran el propio Bruce y el propio Nils Lofgren, así como su amigo personal desde hace muchos años Steve Jordan -batería y productor del disco-, y otros E Streeters.

“Patti has only been able to use a small portion of her talent onstage with the E Street Band. She’s always been a beautiful songwriter, and on this record people will get the chance to hear what she can really do.”

…dice Bruce de su mujer y de ese segundo disco. Ambos se criaron en la misma zona y vivían a tan solo 10 millas de distancia el uno del otro: La zona de Asbury Park, con locales tan míticos como el The Stone Pony. Ahora, echando la vista atrás, se antoja casi como imposible que sus caminos no se cruzaran.maxresdefaultPor lo que respecta a este blog, ese posible y antiguo affaire entre Nils Lofgren y Patti Scialfa se va a quedar suspendido en el aire y en la incógnita, pero no deja de ser curioso cómo la pelirroja y el Boss acabarían juntos. Aunque entremos de lleno en el terreno del cotilleo y el chisme -se habrá especulado y escrito de aquí a la Luna, seguro-, la cosa quizá no fue tan diferente de…

“Patti Scialfa, su esposa desde hace más de dos décadas y madre de sus hijos, se había unido a la banda de él un año antes y estaba enamorada de Bruce. Dijo que el día de la boda de él con Julianne Phillips fue el peor de su vida. Cuando la unión matrimonial hizo aguas, Bruce se refugió en sus brazos y tras el divorcio le reconoció a Patti que se había equivocado al elegir a la otra en vez de a ella. Y desde entonces casados y con hijos. Ella es músico como él, trabajan juntos y lo comparten todo, a veces los hombres no saben distinguir a la mujer que más les conviene, pero Patti le dio a Bruce la oportunidad de rectificar.”

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Springsteen y Julianne Phillips

En 1985 Springsteen y la modelo y actriz Julianne Phillips se casaban. Una relación probablemente condenada al fracaso, dado lo distintos que eran sus mundos. Un año antes había conocido a Scialfa y la había invitado a ingresar en la banda. Y técnicamente hablando, Springsteen le fue infiel a la que era entonces su mujer. Unos paparazzi cazaban a Bruce y a la pelirroja en una habitación de Roma. El romance se destapaba, Phillips veía las fotos del tabloide y pedía el divorcio.

Nos hemos metido de lleno en el chismorreo emocional y el culebrón. Pero por otro lado no es tan descabellada la idea de que, en el fondo, la E Street Band es como una gran familia, y ya se sabe qué ocurre en las familias: Hay miles de historias y matices que contar o descubrir.  brucespringsteenpattiscialfa55thannualgmxsecncyyglY así nos hemos encontrado con que el protagonista de hoy, Nils Lofgren, nos ha llevado hasta otros tres, también músicos y compañeros: Bruce Springsteen, Patti Scialfa y Steve Van Zandt. Los cuatro vieron cómo sus caminos, emocionales y profesionales, quedaban entrelazados e interconectados. Y como muestra, una curiosidad final que no deja de ser graciosa: El Boss le pidió a la pelirroja que se uniera a la banda porque alguien había contraído una afección de las cuerdas vocales. Y ese alguien era…Nils Lofgren. Nuestro protagonista de hoy estaba aquejado por una laringitis, producto a su vez de una mononucleosis (“una infección viral que causa fiebre, dolor de garganta e inflamación de los ganglios linfáticos, con mayor frecuencia en el cuello”).

“You know we’ve never let a woman in the group and I doubt this is gonna happen, but why don’t you just come up and we’ll see how it goes?”

…recuerda ella como las palabras del Boss. Nils, ya en el cotarro como guitarrista, no podía sin embargo desempeñar sus partes vocales. De nuevo, caminos que se cruzaban.

Aquí está el tema de hoy, rockero pero con una melodía vocal muy en la línea pop. Lo que puede sorprender o descolocar, sobre todo para quien no lo haya escuchado nunca, es que Nils tiene una voz extraordinariamente dulce, pero muy bonita. Ahora bien, a mi entender, aparte de ser una gran composición, lo destacable de verdad es la guitarra. Realmente es afilada y punzante, y hacia el final del tema nuestro hombre se desmelena y nos regala un gran solo, demostrando toda su maestría.

Nils Lofgren. Sé perfectamente dónde y con quién toca ahora. Pero ¿sabéis qué? Cuando me viene a la mente nuestro amigo, no pienso en él en términos de un miembro de la E Street Band o de uno de los guitarristas que acompañan al Boss. En realidad me viene a la cabeza esa imagen en blanco y negro, la de un chico con mirada fiera y desvalida a la vez y con una camiseta desaliñada y agujereada.

Aquí le tenemos en directo, en un espacio televisivo llamado “Old Grey Whistle Test”, aparentemente en 1981. Este vídeo tiene unas 15.000 visitas. ¿Lo véis, chicos, chicas? No es -o era- un perfecto desconocido, y eso me hace muy feliz. Más feliz me hace estar convencidísimo de que ésta es un pedazo de canción. Me quedo con el comentario de un usuario: “Aside from being a great player and singer, this guy is an awesome songwriter!”

(Time cruelly flows) and Night Fades Away. La noche se desvanece. Atrápala, antes de las primeras luces del alba. Y éste es un breve repaso -desde luego a vista de pájaro- de un gran músico que toca una enormidad de instrumentos y de distintos modelos de guitarra, destacando la 1961 Fender Stratocaster Guitar.

Por cierto, ya lo he mencionado acerca de la figura de Lofgren –y además se podrá imaginar todo el mundo que tantísimos años de E Street Band son una fuente inagotable de información y noticias- me encuentro este apunte acerca de nuestro guitarrista en la web telegraph.co.uk:

“Concerts are so unpredictable that Lofgren keeps 30 guitars by the side of the stage, including banjos, lap steel and pedal steel guitars so he’s ready for any contingency.”

 

 

 

 

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Angel Olsen: Fly On Your Wall (Anti Trump)

screen-shot-2014-02-07-at-11-47-23-amLa verdad es que últimamente y por momentos -o por días- he llegado a sentirme profunda y verdaderamente preocupado por el señor Donald Trump. Y no es para menos. Por sus actitudes, sus declaraciones, sus ideas, sus decisiones, sus políticas. Su imbecilidad, en suma -éste es un blog que no tiene que ni pretende ser siempre correctísimo y educado, donde haya ausencia absoluta de improperios o de estallidos de furia si procede-. Estos días atrás -es un sin parar- está haciendo declaraciones y tomando decisiones muy incendiarias. Por supuesto, y vuelvo a mi sinceridad desnuda, no he podido evitar pensar: “Puto fascista de mierda, qué asco”. Fascistas con corbata. ¿Es muy fuerte o excesivo llamarle fascista? Quizá, aunque pensándolo a fondo no tanto, o no se aleja tanto de la realidad. Un ultraconservador con las ideas más reaccionarias y retrógradas que el ala más dura de los republicanos estadounidenses pueda tener. Quizá ultrapasando el nefasto Tea Party, y desde luego con unos asesores de lo más siniestros y preocupantes, como el inefable Steve Bannon, cofundador de Breitbart News -tela marinera también-.

“El principal asesor del presidente de Estados Unidos declaró este miércoles que “los medios deben mantener la boca cerrada” y que son la “oposición” de Donald Trump.”

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Angel Olsen -guapa- tú eres la protagonista de esta entrada, y no este energúmeno. Pero deja primero que me despache con él…

Claro que partidos de derechas o conservadores hay muchos -a los que personalmente jamás he soportado-, ya sea en Gran Bretaña o España, por ejemplo. Lo que ocurre es que la radicalización y ese giro hacia políticas de derechas entendidas en el peor sentido -xenofobia, rechazo, racismo, cierre de fronteras- se está extendiendo en muchos puntos del planeta y en muchos panoramas políticos. Y todo esto coquetea con el fascismo -qué cojones, entra de lleno en esa categoría- y es sumamente preocupante y sombrío.

El caso es que declaraciones días atrás de Donald Trump me llegaron a preocupar seriamente, a hacer pensar que esto es muy grave y que este señor es peligroso de verdad -o eso, o es que se le va la fuerza por la boca-. Y por supuesto, hicieron subir el termómetro de la tensión muchos grados. Basta tan sólo con fijarse en dos aspectos de su política y de sus bravuconadas con ínfulas de ser leyes y hechos irrebatibles: Uno, su insistente discurso contra la inmigración, la expulsión de extranjeros y la peligrosísima y radical identificación de todos estos con delincuentes (narcos, “mala gente”, etc…) o con terroristas extremistas. Y dos, su propósito de aumentar el arsenal nuclear y de dotar de más presupuesto y músculo al estamento militar -noticia de hoy mismo, incrementar el presupuesto de golpe un 9%-. Todo ello no hace presagiar nada bueno con el señor Putin -otro paladín de las libertades- y fatal vamos cuando las naciones optan por fortalecer la militarización y sacar bíceps o cabezas nucleares. Es muy preocupante.

No voy a poner ninguna fotografía de este individuo, pero sí algo bastante más jugoso de lo que sí me enteré…

trump

En algunos autobuses de línea de Acapulco, apareció esta “decoración” durante unos cuantos días. La compañía de autobuses públicos dijo no saber quién había encargado y pagado esas ilustraciones. Al final el alcalde de Acapulco hizo retirar esas imágenes, argumentando con buen criterio que cosas así no ayudan a rebajar tensiones. Quizá no es políticamente correcto -¿Cómo mentarán a su madre? No seamos malpensados- pero por lo menos a mí me hizo gracia. Se hizo viral y muchos mexicanos mostraron su total apoyo a esa iniciativa.

Y demasiado estoy mentando a este señor en un blog musical, por desgracia. Pero claro, aquí no hay barreras ni muros con la realidad que nos toca vivir. ¿Y qué tiene que ver con Trump Angel Olsen? Pues mucho, o bastante.angel-olsenEs dura, triste y solitaria la vida del bloguero -y la mía más-. Le dediqué una entrada a esta interesante cantautora criada en Missouri, con 3 álbumes ya en el mercado y con su último trabajo, My Woman, en todas las listas de mejores discos del 2016, y además entre las primeras posiciones o directamente en el primer puesto. ¿Y…? Pues nada, la entrada centrada en su tema Shut Up Kiss Me tuvo 0 comentarios, 10 visitas y 6 “me gusta” (aún menos mal…). Quizá hoy tengo el día tonto y estoy quejica. Pero a veces tengo la triste, decepcionante y puta sensación de que lo demasiado “moderno”, actual o indie no interesa demasiado o no merece mucho más. Dicho queda.b77712Además resulta que ese Shut Up Kiss Me -aparte de que me encanta- en mi modesta opinión y en la de muchos críticos que confeccionan esas listas, está entre las mejores canciones del año pasado.

El mismo día en que Trump juró el cargo como nuevo presidente de los USA -conocido como POTUS, y nada tiene que ver con la planta- se puso en marcha una iniciativa musical “en contra” o para protestar y hacer bien patente el rechazo a sus políticas retrógradas, sus proclamas, su recorte de libertades and all that shit. La iniciativa se llama Our First 100 Days y adivinad qué artista fue el/la que abrió fuego…a2325045686_16Sí, Angel Olsen, con el tema titulado Fly On Your Wall. Como indica el propio nombre de la campaña, en principio serán 100 canciones, una por día en esas primeras 100 jornadas de mandato. Artistas no muy conocidos por estos lares se han prestado a sumarse, entre ellos la japonesa-estadounidense Mitski, que ya se ha asomado por aquí dos veces.

Esta campaña está promovida por dos colectivos, Secretly Group y 30 Days, 30 Songs (una iniciativa de signo muy similar que nació hace unos meses, y que en lugar de 30 temas inicialmente previstos ya va por las 76 canciones). En cuanto a Our First 100 Days, los ciudadanos pueden suscribirse con un mínimo de 30 dólares, y los beneficios se destinarán a 5 organizaciones que defienden causas amenazadas por las políticas Trump. A las 24 horas de anunciarse este proyecto ya había recaudado 11.500 dólares.

Respecto a esta canción en concreto –aquí tenemos la versión de estudio– hay que decir que no está contenida en el disco My Woman, pero sí que pertenece a los descartes de dicho álbum. En una extensa entrevista, la cantante explica que tenía mucho material grabado y que tuvo que dejar fuera varios temas. Además muchos de ellos sobrepasaban los 7 minutos de duración, y no quería agobiar ni cansar al oyente.angel_olsen_by_alicia_j._rose-4“Si “MY WOMAN” hubiera sido el disco que quería que fuera hubiera tenido doce pistas. El problema era que tenía demasiados temas que sobrepasaban los 7 minutos, y no quería agotar al oyente. Por lo que puse las canciones con más ritmo en la cara A y las más reflexivas en la B. Pero incluso así era demasiado largo. Había otras canciones que había escrito y que no encajaban en este disco. Realmente quería introducirlas en “MY WOMAN” pero vendrán después. Una es “Fly On Your Wall” y otra es “Special”. Ambas son realmente oscuras, inspiradas en John Cale, The Velvet Underground. […] Una se alarga hasta los 9 minutos. Es una obra propiamente en sí misma.”

(Tomado de El Quinto Beatle, que a su vez lo ha traducido de Casual Band Blogger)

El mencionado blog es australiano, y es que algunas de las canciones del disco se compusieron estando allí o en relación a los viajes que hizo para actuar en Australia en verano del 2016. La letra del tema no tiene en absoluto un contenido político. De hecho es de temática amorosa. Olsen se encuentra sin quererlo ni planearlo envuelta en una relación, y los sentimientos la acaban atrapando por sorpresa.

I found a feeling inside  Encontré un sentimiento en mi interior
Or should I say it found me  ¿O debería decir que (el sentimiento) me encontró a mí?
I’d send into someone  Me volví loca por una persona
Never imagined I’d be  Nunca imaginé que me pasaría esto

La canción expresa su vulnerabilidad y una situación de la que quisiera salir, pero dándose cuenta de que las cosas no pueden revertirse y ya no volverán a ser como antes nunca más, pues lo pasado atrás se queda.

Now I just can’t take it back  Ahora no puedo retirarlo / revertirlo
Or I do anything but that  O hacer nada en absoluto o…
To have the glimpse of the dream  Captar un destello del sueño
The vivid memory  Del vívido recuerdo

Quizá todo esto podría extrapolarse a la situación social y política de los EEUU, a los sentimientos que están experimentando muchos de sus ciudadanos ante los tiempos que corren…

“Essentially, it captures the internal struggle of many Americans from November 8th to today.” (De consequenceofsound.net)

Se trata de una balada acústica y lenta, pero a la vez con un oscuro fondo de guitarra y cierto aire militar en la percusión. El tema va creciendo y ganando en intensidad, hasta llegar a un final que es melódicamente muy bello. Merece varias escuchas, y ésta es la receta que justamente ha hecho de My Woman una gran colección de canciones.

A love never made is still mine  Un amor nunca consumado es todavía mío
A love never made is still mine  Un amor nunca consumado es todavía mío
A love never made is still mine  Un amor nunca consumado es todavía mío
If only real in my mind  Aunque solo sea real en mi mente
If only real in my mind  Aunque solo sea real en mi mente
If only real in my mind  Aunque solo sea real en mi mente

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Cesária Évora: Carnaval de São Vicente

Mi idilio musical con la diva caboverdiana Cesária Évora ya viene de unos cuantos años atrás. Empecé a comprarme discos suyos después de pasar una cortísima semana de vacaciones -mejor de visita, por la brevedad- en el archipiélago de Cabo Verde, tal como reseñé con muchos de los detalles de los que pude acordarme en la entrada dedicada a Sodade, sin duda uno de sus temas más famosos, emblemáticos y hermosos -quizá el que más-.

La pura verdad es que no recuerdo el momento exacto en que empecé a comprarme sus discos, pero juraría que fue tras volver hechizado de esas islas. Y la culpa de que me enamorara de su música, su voz y su estilo la tuvo este recopilatorio…cesareaMe enamoré de esas canciones y también por supuesto de esa sodade, adaptación en criollo de la palabra portuguesa saudade: Añoranza, tristeza, melancolía, morriña, la nostalgia de la tierra y de tus seres queridos, males que sufren los que han dejado su lugar de nacimiento a la búsqueda de una vida mejor. Y de eso los caboverdianos que han emigrado a otros países saben mucho. Recordemos que aunque el portugués es la lengua oficial en el archipiélago, allí se habla también criollo, creole o lengua criolla -que nace al juntarse individuos de muy diversas procedencias y lenguas, siendo el caso de los esclavos africanos en muchos puntos del planeta un buen ejemplo-.

Vendrían después otros elepés de La Diva de los Pies Descalzos, y entre los que me compré estaba y está éste:r-1274348-1205588884Café Atlantico, álbum de 1999 del que estima la Wikipedia que se han vendido unos 770.000 ejemplares. Fue disco de oro en Francia -un país donde la adoraban y donde triunfó- y escaló hasta la cuarta posición en los charts USA de world music.

Es un disco en el que la morna y la coladeira siguen siendo los estilos predominantes. Morna: “A combination of West African percussion with Portuguese fados, Brazilian modhinas, and British sea shanties -canciones de navegantes-.”

En esta entrada se dan explicaciones de estos dos estilos tan típicos de estas islas, así como de otros tales como el funamá o funaná.cesaria-c3a9vora-liveEstamos en día y días de carnaval, así que tengo la excusa perfecta para traer hoy este tema, uno de los que más me gustan de la caboverdiana. Un tema absolutamente festivo y muy alejado de esa sodade. Este Carnaval de São Vicente es un tema absolutamente fantástico, y punto, no se hable más. Y lo que yo digo va a misa va al entierro de la sardina.cesaria_evoraSão Vicente es la isla donde nació nuestra cantante, y más concretamente en Mindelo, su ciudad más importante y segunda más poblada del país. A pesar de que Praia es la capital oficial y administrativa -en otra isla, la de Santiago-, Mindelo está considerada la capital cultural y emocional de Cabo Verde.

Este tema es absoluta world music. No soy experto ni crítico y por eso me costaría encuadrarlo en un estilo determinado. ¿Música…de carnaval? Anda que he sudado con la definición. Podemos considerarla música tropical pero con fuertes vínculos con la samba, la salsa u otros ritmos tropicales y bailables. Sin duda una buena muestra de ese crisol de culturas. Esa entrada/sección de viento que tiene es fabulosa, recordándonos vagamente de paso estilos como el jazz, el swing o el funk, ahí es nada. Y que no se me olvide mencionar la africanidad también presente…

Actuación de la cantante con sus músicos en París, año 2001, en el Teatro Zenith. Fantástico, pura magia…

Los vídeos que he encontrado son increíbles, como éste que viene a continuación. Que nadie se engañe porque veamos aquí a ese pibonazo en la playa. Este vídeo es una maravillosa muestra visual de ese carnaval de Mindelo. Más que recomendable…

Y ya que estamos, me dio por buscar vídeos en concreto de ese Carnaval de São Vicente. Y no me defraudaron en absoluto. Aunque me dio cierta pereza mirarlos -en realidad soy bastante perezoso para casi todo- después me alegré de haberlo hecho. Magnífico documento de esas fiestas…

Y ya qué decir de éste. Una maravilla donde se nos muestra todo el colorido y la alegría, con unos vestidos que son absolutamente increíbles. Aunque en esa ventana al mundo que es YouTube hay muchísimos más, éste es imperdible. Señoras, señores, nos vemos. En la aldea global, ¿dónde sino?

“Ness morabeza sen igual”

Morabeza: Palabra criolla caboverdiana que viene a significar amabilidad, afabilidad. ¿En un sentido más amplio hospitalidad, alborozo?

“A palavra morabeza (pronunciada [moɾɐ’bɛzɐ]) é tida como sendo um substantivo derivado do adjectivo morabi (supostamente do português amorável). A palavra morabi (pronunciada [mo’ɾabi]) significa «amável, afável, atencioso(a), delicado(a), gentil, simpático(a), carinhoso(a)». A morabeza é tida pelos cabo-verdianos como algo difícil de traduzir (como a palavra saudade em português) e exprime um sentimento tipicamente cabo-verdiano.”

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