Katie Melua: If You Were a Sailboat

A veces he teorizado o he hablado acerca de lo que podríamos considerar “canciones perfectas”, canciones que reúnen una serie de condiciones, empezando muy probablemente por su enorme belleza. Y creo que el tema protagonista de este artículo puede entrar sobradamente en esa categoría. Por lo menos, para el que escribe, la sensibilidad y el lirismo de la canción son más que notables…katie-meluaLa belleza de una canción, pero seguramente muchos otros factores tienen que confluir. Pese a la carga de subjetividad que estas consideraciones conllevan, no es menos cierto que tienen que existir parámetros objetivos o mesurables para considerar a ciertas canciones gemas absolutamente redondas. Porque canciones bonitas e incluso muy hermosas hay miles y miles, y quizá a muchas de éstas jamás las elevaríamos a la categoría -abstracta- de “perfectas”. Quizá hay que fijarse en la melodía y su estructura, también en las partes del tema, estrofas y el total del armazón. Quizá influye el intérprete y su voz, la sonoridad de los instrumentos, la historia que nos cuenta, la letra, las circunstancias que pueden envolverla, la nitidez y fuerza con que puede transmitir unos sentimientos o sensaciones. Y podríamos darle la vuelta al planteamiento: quizá una canción formalmente impecable puede ni tan siquiera parecer bella o el hecho en sí mismo ser suficiente para admirarnos y enamorarnos. Así que según mi criterio, la consideración de “perfecta” se basa muy primeramente en la belleza de la melodía, después en su estructura formal, y podemos añadirle otros factores adicionales.

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Aparte de la belleza de la canción, hay que ver qué rostro y qué ojos tan sensuales. Katie es ciertamente muy guapa

Katie Melua nació en 1984 en Kutaisi, Georgia, cuando ésta era parte de la Unión Soviética. Su verdadero nombre, en su idioma original, es Ketevan, y en su familia la llaman Ketino. Sus primeros años los pasó viviendo con sus abuelos en Tbilisi. Se cambiaron de ciudad debido a que su padre es médico especializado en el corazón. Aquellos años no estuvieron exentos de dificultades materiales. Katie tenía por ejemplo que cargar con cubos de agua y subirlos 5 pisos para abastecer a la familia.

“Now, when I’m staying in luxurious hotels, I think back to those days”

…ha recordado en algunas entrevistas. Debido a la guerra civil en Georgia, la familia se mudó a Belfast en 1993, donde su padre había encontrado una plaza en un hospital. Esto sucedía cuando tenía 8 años, y estuvieron allí hasta que cumplió trece. Después la familia se mudaría a diversas poblaciones inglesas, situadas en Londres o en Surrey. En el 2005 obtuvo la nacionalidad británica, junto con sus padres y su hermano. Pero la realidad es que con apenas 21 años ya gozaba de tres nacionalidades: Soviética, georgiana y británica.868c5019f5b2c52a6a1f7c7d7b3e62b0Descubro a Katie Melua hace ya algunos años, cuando los informativos en televisión me hablan de su paso por tierras catalanas y de una artista que arrasa tanto en discos como allí donde actúa, siendo todo un fenómeno en Gran Bretaña. Y así fue desde el principio, efectivamente. La descubre el manáger y compositor Mike Batt, y después de firmar para el sello Dramatico, debuta en el 2003 -a la edad de 19 años- con su primer álbum: Call Off the Search. Número uno en Reino Unido, vendiendo 1’8 millones de copias en sus cinco primeros meses. Su segundo disco, Piece by Piece, también arrasa: Platino cuatro veces. En el 2006 es la artista femenina que más vende en el Reino Unido y en toda Europa. No podemos decir, desafortunadamente, que en España se haya difundido demasiado su figura o que goce de gran popularidad. Según una lista elaborada por el Sunday Times, en el 2008 entra en el grupo de los músicos británicos más ricos (por debajo de 30 años), y en el 2011 alcanza el segundo puesto de esa lista, con una fortuna de 12 millones de libras esterlinas. Para una artista tan joven, es sencillamente espectacular.katie-melua-wallpaper1Melua canta temas que pueden adscribirse al pop, pero también al jazz, el blues y el folk-pop. Muchas de las canciones las ha compuesto Mike Batt, pero también ella en solitario o colaborando ambos. Además ha versionado a muchos otros artistas: The Beatles, John Mayall, Leonard Cohen, Randy Newman, Bob Dylan, Frank Sinatra o The Cure, por ejemplo.

Katie Melua Signs Copies of 'Call Of The Search'

Iba a poner simplemente “alguna” instantánea, pero es dificil no “animarse” con Katie…

Álbumes publicados hasta el momento:

  • Call Off the Search (2003)
  • Piece by Piece (2005)
  • Pictures (2007)
  • The House (2010)
  • Secret Symphony (2012)
  • Ketevan (2013)
  • In Winter (2016)

Algunas de sus canciones más bonitas y que más éxito han cosechado son por ejemplo Nine Million Bicycles, The Closest Thing to Crazy, Piece by Piece o Thank You, Stars.

Un apunte, por cierto: La señorita Ketevan estará actuando en el Festival del Castell de Peralada -por lo que veo única cita por estos lares-, el próximo 15 de julio, para los afortunados/as que puedan verla y escucharla.

If You Were a Sailboat pertenece a Pictures, el tercer álbum de la cantautora. Salió como primer single del trabajo y está compuesta por Mike Batt. Acerca de la canción, Melua dijo que lo que le gustaba de ella es que, en lugar de tratar el lado cursi del amor, afronta la faceta egoísta, aquélla en que puedes volverte tan obsesivo que no quieres compartir a esa persona con los demás. Batt se acercó a esto a través de extrañas y curiosas metáforas, como la de “si fueras un trozo de madera, te clavaría al suelo”. Para la cantante, el tema, pese a su belleza, tiene cierto lado oscuro…Aunque a mí, y aquí voy a discrepar de ambos, todas las frases me parecen muy románticas y poéticas…

If you were a cowboy I would trail you,  Si fueras un vaquero, te seguiría la pista,
If you were a piece of wood I’d nail you to the floor.  Si fueras un pedazo de madera, te clavaría al suelo.
If you were sailboat I would sail you to the shore.  Si fueras un barco de vela, te llevaría hasta la orilla.
If you were a river I would swim you,  Si fueras un río, nadaría en ti,
If you were a house I would live in you all my days.  Si fueras una casa, viviría en ti el resto de mis días.
If you were a preacher I’d begin to change my ways.  Si fueras un predicador, empezaría a cambiar mi conducta.
Sometimes I believe in fate,  A veces creo en el destino,
But the chances we create,  Pero las oportunidades que nosotros mismos creamos,
Always seem to ring more true.  Siempre me parecen más ciertas.
You took a chance on loving me,  Te diste la oportunidad de amarme,
I took a chance on loving you.  Me di la oportunidad de amarte.
If I was in jail I know you’d spring me,  Si estuviera en prisión, sé que me liberarías,
If I was a telephone you’d ring me all day long.  Si fuera un teléfono, tú me harías sonar todo el día.
If I was in pain I know you’d sing me soothing songs.  Si me doliera algo, tú me cantarías canciones para calmarme.
Sometimes I believe in fate,  A veces creo en el destino,
But the chances we create,  Pero las oportunidades que nosotros mismos creamos,  
Always seem to ring more true.  Siempre me parecen más ciertas.
You took a chance on loving me,  Te diste la oportunidad de amarme,
I took a chance on loving you.  Me di la oportunidad de amarte.
If I was hungry you would feed me,  Si estuviera hambrienta, tú me alimentarías,
If I was in darkness you would lead me to the light.  Si estuviera en la oscuridad, tú me guiarías a la luz.
If I was a book I know you’d read me every night.  Si fuera un libro, sé que me leerías todas las noches.
If you were a cowboy I would trail you,  Si fueras un vaquero, te seguiría la pista,
If you were a piece of wood I’d nail you to the floor.  Si fueras un pedazo de madera, te clavaría al suelo.
If you were sailboat I would sail you to the shore.  Si fueras un velero, te llevaría hasta la orilla.
If you were sailboat I would sail you to the shore.  Si fueras un velero, te dirigiría a la orilla.
If you were sailboat I would sail you to the shore.  Si fueras un velero, te llevaría hasta la orilla.

A mí sí que me dejó al escucharla nailed to the floor. Esta maravilla es tan hermosa que cala muy hondo…

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The The: Uncertain Smile

Vamos con otro tema que, por lo menos para mí, es otra de las grandes joyas que nos dio la década de los 80. Es posible que bastante desconocido -nunca arrasó en las listas o medios más comerciales o mainstream-, quizá quedó medio enterrado u olvidado, pero sobre todo los medios británicos se han encargado merecidamente de rescatarlo con el paso de los años -como se hará en esta entrada- y ensalzar sus virtudes, y lo mismo es extensible al álbum correspondiente. Este disco –Soul Mining, “minería, o explotación minera del alma”-, con esta portada tan peculiar…220px-the_the_-_soul_mining_cd_album_cover…fue de los primeros que me compré -en vinilo que aún conservo en perfectas condiciones- y por eso le tengo un cariño muy grande y tiene para mí una significación muy especial. Grandísima canción, magnífico sonido y una composición irresistible que me parece como mínimo fascinante.

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Matt Johnson

The The es el proyecto musical del cantante y compositor Matt Johnson, quien fundó la banda en 1979. Es el único miembro que se ha mantenido en el grupo desde su creación. Una banda de post-punk, new wave, rock alternativo o también synthpop, éstas son las etiquetas que mejor se ajustarían a una música y una propuesta valientes, donde incluso hay guiños a la música de baile, el funk o la electrónica, reflejando multitud de influencias como después veremos. El grupo se ganó el elogio de la crítica con sus trabajos, y gozó de cierta popularidad en el Reino Unido. 15 de sus temas entrarían en los charts británicos -siete de ellos en el top 40-, y algunos álbumes posteriores tendrían bastante eco entre crítica y público, como Infected (1986) -el más exitoso-, Mind Bomb (1989) o Dusk (1993). Recordemos por ejemplo su hit The Beat(en) Generation, incluido en el álbum Mind Bomb.72d5f110dad4ebb3e8abe8fefb955e46mi0001332616Pero los principios no fueron tan fáciles ni tan fluidos, ni como banda ni tampoco en solitario en la andadura de Johnson, que no solamente es músico sino artista polifacético, incansable y camaleónico.

En 1977 Johnson puso un par de anuncios en la publicación NME buscando miembros para su proyecto, y citando los nombres o referencias The Velvet Underground/Syd Barrett/The Residents/Throbbing Gristle, lo cual nos sirve para apuntar cuatro de sus principales influencias. Después de grabar en solitario un álbum “demo” y otro de debut -que jamás se publicó-, The The debuta sobre un escenario en 1979, grabando previamente en unas cintas las partes de batería y bajo. La banda en esos momentos iniciales eran Johnson -voces, guitarra, piano eléctrico y esas pistas pregrabadas- y Keith Laws -sintetizador y también pistas-. Fue Laws el que le propuso a Matt el nombre de The The para la formación. Peter Ashworth se les uniría a la batería y Tom Johnston al bajo, y aunque estos dos señores aparecen en los créditos del single de debut, en realidad no participaron en su grabación. En su lugar intervendrían Bruce Gilbert y Graham Lewis, miembros del grupo Wire, como productores. Este grupo, junto con otros nombres del momento como Cabaret Voltaire, The Birthday Party o Scritti Politti compartirían cartel en los conciertos primigenios de The The como dúo. thethe1A principios de 1981 el dúo firma un contrato con el sello Some Bizzare Records y editan el single Cold Spell Ahead. Johnson de hecho ya tocaba todos los instrumentos, así que de nuevo se queda solo y esta vez sí que publica un álbum de debut en solitario -todos los instrumentos y voces- titulado Burning Blue Soul a finales de 1981. A pesar de ello posteriores reediciones lo presentan como disco de The The220px-the_the_-_burning_blue_soul_original_cover220px-the_the_-_burning_blue_soul_1983_reissue_coverSe dedica a colaborar con diferentes músicos durante los años siguientes, y se intenta publicar un álbum de debut firmado por The The, y de título The Pornography of Despair (1982), pero dicho trabajo jamás sería mezclado ni publicado. Por fin en octubre de 1983 llega el debut de la formación, y esta vez se trataría del espléndido Soul Mining…Sus singles escalan modestamente las listas británicas: Uncertain Smile llega al puesto número 68, el tema Perfect al 79 y This Is The Day -otro temazo que escuché infinitas veces- al 71. El disco escala hasta el puesto 27 en la lista de álbumes y acabará apareciendo en varias recopilaciones de los mejores trabajos de toda la década de los 80.

Un trabajo formidable formado por tan sólo 8 canciones, de bastante longitud -solamente una de ellas no llega a los 4 minutos-. Llama la atención no únicamente las influencias post-punk y del movimiento new wave, sino los poderosos y pegadizos ritmos fruto de pistas pregrabadas, cajas y sintetizadores, las potentes también percusiones logradas no solamente a base de batería, sino muchos otros elementos, el concurso de muchos instrumentos -como por ejemplo la armónica- y una sonoridad muy limpia y totalmente en la línea de un pop luminoso, inteligente y de excelente factura. POP CON MAYÚSCULAS.the-the-band-matt-johnson-009Así no es de extrañar que en una review hecha por The Guardian se diga de Soul Mining que se trata de “a brilliant and idiosyncratic pop album” y que este gran trabajo fue “later acclaimed as a masterpiece”. El medio británico cita un libro publicado por Garry Mulholland (“Fear of Music”) donde se alude a este disco como “one of the Greatest Albums Since Punk and Disco”, pero a la vez “a hidden masterpiece”. Una amalgama caleidoscópica donde se reflejan muchísimas influencias diversas. Las ya aludidas, con la más que evidente del pop elaborado por sintetizadores, pero con vitaminada presencia rítmica que le acerca a la música de baile y a la disco, líneas de bajo empapadas de funk, gusto desacomplejado e inclasificable por lo experimental, toques de ritmos industriales, el sonido dominante en ciertos clubs neoyorquinos e incluso ciertos guiños a ritmos africanos. Y sin embargo, tantísimas influencias en apariencia dispares no chirrían en absoluto, sino que dan como resultado ocho temas de muchos kilates.  guitar8Tampoco es de extrañar que se hayan publicado recopilatorios con los mejores temas de la banda, o que éste u otros álbumes se estén reeditando 20 o 30 años después, con buenas dosis de elogios y esa merecida restitución crítica.

Centrémonos en el tema Uncertain Smile, porque hay varias anécdotas y elementos dignos de resaltarse. Este gran tema se abre con el sonido de la marimba tocada por Matt Johnson. La marimba es un instrumento idiófono (“instrumento musical que tiene sonido propio porque usa su cuerpo como materia resonadora. Produce el sonido primariamente por la vibración del propio cuerpo -madera, metal, piedra…-, sin uso de cuerdas, membranas o columnas de aire”). Su forma y sonido es muy parecido al del xilófono, es originaria de África y la palabra proviene del vocablo bantú para referirse al xilofono: “Posee una serie de láminas de madera de distintos tamaños, dispuestas de mayor a menor, que se golpean con mazas para producir notas musicales. Cada tecla tiene su propia caja de resonancia y el conjunto está fijo en un armazón con patas”…3d43b6_8d09be512e0842b09e1c3a35da54ca9dorigen-de-la-marimba-sc3admbolo-patrio-de-guatemalaLas marimbas modernas tienen doble teclado. Pues con este sonido tan fascinante se abre el tema. Tenemos después un hermoso dibujo de guitarra que conducirá el tema, pero eso no es todo: La profunda y personal voz de Matt, una poderosa línea de bajo y un ritmo muy vivo. Todo ello aunando un sonido muy limpio y a la vez una fuerza merecedora de hit incontestable. Ah, pero aún hay más. Desde el minuto 3:25 y ya hasta la conclusión del tema nos encontramos con lo que solamente puedo calificar como uno de los solos de piano más alucinantes, salvajes y maravillosos que jamás haya escuchado. ¿Y quién es el intérprete de ese brillante solo? Pues un señor que a muchos les sonará sobradamente: El pianista, músico y songwriter Jools Holland, que sería teclista y uno de los primeros miembros de una banda británica llamada por aquel entonces Squeeze. Holland ha trabajado con músicos importantísimos y de primer nivel, y a muchos les sonará tanto porque desde 1992 es el presentador del popular espacio Later… with Jools Holland en la BBC2. El estilo de este sublime solo se conoce como “boogie-woogie piano” y sin duda es una mezcla de improvisación, experimentación y aires jazzísticos.

Éste es el solo que puede oírse en la versión del tema que se incluyó en el álbum, y que es sin duda mi favorita…

Porque aún no se han terminado las curiosidades. En realidad otra versión de Uncertain Smile fue la que vio la luz en primer lugar, al adelantarse como single y salir mucho antes que el LP. Eso ocurría en octubre de 1982. Se trata de una versión mucho más larga y con arreglos y partes de flauta y saxo, a cargo de Crispin Cioe. En el álbum el solo de saxo de Cioe es reemplazado por el de piano de Holland. Las partes de flauta son realmente muy bonitas. Además aquí podemos ver y escuchar esa marimba. No te lo pierdas…

Antes hemos mencionado el single Cold Spell Ahead, publicado en 1981 y antes de ese álbum de debut en solitario, Burning Blue Soul. Lo rescatamos ahora porque The Uncertain Smile es una afortunadísima adaptación de ese primitivo single. Las difusas cajas de ritmos y ese tímido rasgueo de guitarra son reemplazados por las maravillas que vendrán después: La marimba, el limpio dibujo de la guitarra y el pedazo de solo pianístico. Pero basta con escucharlo para constatar que la parte vocal es prácticamente la misma…

Muchísimo más podríamos hablar de Matt Johnson, de su personalísimo estilo musical, de sus interesantes canciones y discos y de todas las influencias que convergen en su obra. Sin embargo añadiremos algunos apuntes finales para cerrar esta entrada:

-Según la mencionada revisión de The Guardian, Johnson confeccionó Soul Mining bajo la influencia de importantes cantidades de MDMA, o en otras palabras, consumo de la conocida droga éxtasis, la poderosa sustancia psicoactiva. ¿Y a quién le importa? El resultado, musicalmente hablando, es una pasada.

Johnson conseguiría reclutar, hacia finales de 1988 -y hasta 1994- ni más ni menos que al ex-guitarrista de los Smiths Johnny Marr. Pero su intención inicial era reclutarle ya desde los comienzos de The The. Si hubiera conseguido este propósito quizá hubiéramos asistido a unos Smiths completamente diferentes, o quizá el grupo capitaneado por Morrissey jamás hubiera existido. Quedará para la ficción o tendremos que saltar a una realidad alternativa.

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Matt Johnson y Johnny Marr en Paris en 1989

-En el álbum Mind Bomb (1989) Johnny Marr ya es miembro de pleno derecho del grupo, y su concurso se notará mucho en la textura sonora de los temas. Precisamente en este disco encontramos una de las colaboraciones más destacadas en el universo The The: Matt Johnson canta a dúo con Sinéad O’Connor la magnífica Kingdom of Rain, una canción sugerente y atmosférica.

Uncertain Smile intenta retratar las sensaciones de una relación confusa con un lenguaje agridulce (“As street lamps pour orange coloured shapes through your windows / A broken soul stares from a pair of watering eyes / Uncertain emotions force an uncertain smile”), mientras que por otro lado en el álbum encontramos críticas directas y cargadas de ironía burlona hacia Margaret Thatcher y sus políticas. El alma de The The, aunque ha seguido activo durante todos estos años con múltiples proyectos, se ha mantenido en un segundo plano -por ejemplo centrándose en bandas sonoras-, pero de hecho también ha mantenido cierta actividad política.

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Matt Johnson en los estudios de Radio Cineola, uno de sus proyectos. Fue en este medio donde emitió en primicia una nueva canción después de 15 años. Se trata del tema We Can’t Stop What’s Coming. Año: 2017. Colaborador: Johnny Marr, en un feliz reencuentro

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Lavinia Meijer (al arpa): Etude No. 12 / Metamorphosis (Philip Glass)

laviniameijer-1-1aEsto es una absoluta delicatessen y el descubrimiento de esta grandísima intérprete -de un instrumento tan bello como el arpa– maravilloso. Como cuando el sol más resplandesciente te sonríe a través de la ventana. Y la verdad que debo darle las gracias a un señor: A míster YouTube, por más gracioso e increíble que suene. Pero qué listo que es el chico. Conociendo o adivinando mis gustos y preferencias, me sugirió un vídeo de esta intérprete y acertó. Ya sabemos todos cómo las gasta este señor y todos los grandes gigantes de internet: Los algoritmos, el histórico de visitas y navegación, las cookies, el espiarnos amable y silenciosamente rollo Gran Hermano, el conocernos -dicen- más que la madre que nos parió, y qué comemos, vestimos, escuchamos, odiamos y amamos, en qué gastamos, hasta qué es lo que nos pone. Venga, menos lobos, pero esta vez sí que debo darle las gracias a este Big Brother tan cotilla e inteligente…lavinia-meijer_03_photo-corbino-2010Lavinia Meijer nació en 1983 en Corea del Sur y fue adoptada por una familia holandesa a la edad de 2 años. Está establecida en Holanda, país en el que goza de una enorme popularidad y prestigio. A los 9 años empezó a tocar el arpa. Estudió en los Conservatorios de Utrecht y de Amsterdam. Se graduó cum laude en el primero de ellos -en el que ingresó con 11 años- en el 2003 y en el de Amsterdam en el 2005. A los 14 años ya estaba tocando con orquestas sinfónicas y hoy en día está considerada una de las íntérpretes femeninas más importantes y más innovadoras.

En su página web tenemos una detallada relación de los eventos en los que actúa, de su actividad profesional, producción discográfica, etc. Y su biografía nos cuenta los pormenores de esa trayectoria, los compositores que han escrito piezas para ella, así como los templos de la música clásica en los que ha tocado y las agrupaciones de mucho prestigio con las que ha actuado.lavinia-3-e1446798069594Entre su extenso repertorio y discos que ha publicado, podemos encontrar grandes nombres de la música clásica cuyas piezas han sido objeto de su atención: FauréDebussySatieCamille Saint-Saëns, RavelGranadosBrittenHandelBach o Scarlatti. Pero también nombres no tan conocidos, o más pertenecientes al ámbito de la música contemporánea: Toru Takemitsu, Ludwig Ellis-Leone, Garrett Byrnes, Paul Patterson, Carlos Michans, Konstantia Gourzi, o JacobTV.maxresdefaultOtro de los destacados del panorama contemporáneo es el compositor y pianista italiano Ludovico Einaudi. Nuestra intérprete publicaba en el 2014 el álbum Passagio, donde se repasan piezas de Einaudi

0886444196802_600Y después está Philip Glass. La holandesa de adopción parece haberse “especializado” y fijado de forma muy significativa en la obra del estadounidense…lavinia-meijerEn mayo del 2011 conocía a Glass, quien le daba permiso para transcribir para arpa 5 piezas de su obra Metamorphosis. Desde entonces ha adaptado para su instrumento otras obras suyas, como por ejemplo Opening Piece, varios movimientos de The Hours, y el tema principal de Koyaanisqatsi.philip-glass-lavinia-meijer-foto-janiek-damLa ganadora del Dutch Music Prize en el 2009, publicaba en el 2013 el disco Metamorphosis / The Hours -disco de oro y platino en Holanda- con esas adaptaciones de la música del de Baltimore. El 4 de noviembre del 2016 Sony Music publicaba el álbum The Glass Effect, un tributo con motivo de que el compositor iba a cumplir ya 80 años. Un disco doble que incluye entre otras piezas 10 Etudes, Koyaanisqatsi y temas también de Bryce Dessner, Nico Muhly, Nils Frahm, Ólafur Arnalds, Ellis Ludwig-Leone y una remezcla electrónica del citado Koyaanisqatsi. Más información y el tracklist completo aquí.81fcjmzvhrl-_sl1500_Poco más podemos decir de nuestra protagonista de hoy. En el 2014 volvería a unirse a Glass en un concierto -otra vez en Amsterdam y con todas las entradas vendidas- y además sería invitada por éste para tocar en el Days & Nights Festival en Big Sur, en los EEUU. Una intérprete que está considerada por la crítica entre las mejores del momento, con éxito además de público y de ventas. No se conforma con la música clásica o seria: También se ha acercado al jazz, al pop, a la música para teatro, a la electrónica o al avant rock. Por ejemplo ha interpretado temas de los Radiohead en sus conciertos.

Este estudio de Glass ya ha desfilado por aquí, en las manos de la japonesa Maki Namekawa

En directo…

Quizá el arpa es una majestuosa ave -como un pavo real- y sus plumas son las notas musicales. O quizá es un majestuoso árbol sobre el cual se posa un diminuto pájaro –Lavinia-, lleno de delicadeza, y que sabe arrancarle la más bella de las músicas…

Y me es prácticamente imposible no dejarme seducir y a la vez intentar seducir. Aquí está -los que me hayan leído lo sabrán- uno de los temas fetiche de mi andadura musical, uno de los más emblemáticos de Glass. Esta vez no escucharemos las graves voces de los indios Hopi. Esta vez será el arpa de Lavinia la que atacará el…

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Arcade Fire: ¡¡Actuación sorpresa!! en el Primavera Sound 2017

(Aunque suene algo exagerado, podría decirse que he estado “muerto” digitalmente hablando, o como mínimo desaparecido estos días. Desaparecido de la blogosfera, eso seguro. Mi portátil se fastidió definitivamente y el caso es que he estado casi cuatro días sin conectarme a internet. Cada vez iba peor y más lento, ejecutaba las operaciones que le demandaba con más torpeza y lentitud, me aparecía constantemente el mensaje de “no responde” al saltar entre aplicaciones y la batería se calentaba una barbaridad, signo inequívoco de que hacía ya tiempo que se estaba deteriorando. Todo en conjunto resultaba muy desesperante, lento y farragoso. Seis años me duró, que tampoco está tan mal. Tenía la opción de conectarme con smartphone, pero no quise mezclar cosas. Portátil nuevo -esta misma tarde- y ahora gozaré de sus favores, rapidez y procesador más potente. El caso -y por eso estoy explicando esto- es que escribí esta entrada el viernes por la noche. El retraso en la publicación, con respecto a la actuación de mis amados Arcade Fire, se debe a eso. Retocaré algunas frases para que no se haga tan evidente el desfase temporal).zentauroepp38736008-barcelona-2017-primavera-sound-concierto-arcade-f170604143409-1496579857152cantante-arcade-fire-win-butler-plena-actuacion-anoche-primavera-sound-1401440881066Bravo, bravo y bravo. No me queda otra que aplaudir, y supongo que también babear porque me lo perdí y porque me lo volví a perder la pasada noche del sábado 3 de junio. Arrancó el Primavera Sound 2017 -probablemente con el “verbo de moda”- al igual que Evavill nos arranca siempre unas cuantas sonrisas -y carcajadas- con sus entradas. Arrancó y ya acabó -el desfase-.

Arrancó oficialmente el 29 de mayo, lo que ocurre es que este famoso festival se desarrolla en muchos escenarios y locales de Barcelona, pero el grueso de las actuaciones tiene lugar en el Parc del Fòrum, en la zona marítima de Barcelona. El Parc del Fòrum está a menos de 100 metros de donde trabajo. Y en este inmenso espacio que mira al mar las actuaciones empezaron -arrancaron- el jueves día 1. Suele hacerse con un concierto totalmente gratuito.parc-del-forum_2parcforumil-primavera-sound-2013primavera-sounfps2013thevaccinesY de repente, en un pequeño escenario rectangular, medio escondido según nos cuenta alguna crónica, apareció un invitado sorpresa para dar un concierto totalmente inesperado, fuera de cartel y de programa. Sorpresa absoluta, más claro el agua. Desconozco si este escenario y esta iniciativa / idea del Primavera Sound ya existió en anteriores ediciones, pero la verdad es que es la primera noticia que tengo.

Pues imaginaos la escena y la situación. Quien se sube a ese escenario son ni más ni menos que los Arcade Fire. Este formidable grupo procedente del lejano y frío Canadá, al que le canta Maika Makovski -no lo olvidemos- es -para mí y para buena parte de la crítica y el público- una de las bandas más importantes e influyentes del panorama actual y de los últimos años…jgblanco38705730-barcelona-2017-primavera-sound-concierto-sorpresa-de170602123304-1496399741430Desde luego que no son una banda de ésas nacidas en los 60, los 70 o ni siquiera los 80. No son unos “dinosaurios” que llevan décadas, ni exponentes del rock sinfónico o el rock más clásico si nos atenemos a tantas bandas inmortales que parecen incombustibles -The Who, The Rolling Stones, Deep Purple, AC/DC…habría muchísimas-. Ni falta que les hace, y desde luego ni a mí ni a los que amamos su música, ni a los abiertos de oídos y mente ni falta que nos hace, sin tener que recurrir a la connotación que a veces parece empequeñecedora e incluso peyorativa (“ah, claro, pero es que estás hablando de la escena indie y de rock indie”).arcade-fire-primavera-soundDe repente un grupo tan importante, de tanto caché -perdonad, el económico me importa tres pepinos, me refiero al estilístico-, de tanto renombre y peso actual como Arcade Fire es el que aparece en ese escenario y empieza a desgranar su repertorio. Estas cosas a veces suceden -estas cosas maravillosas, hermosas e inesperadas, estos “milagros”-. Sería que Win Butler, Régine Chassagne y compañía -una formación de nueve músicos- tendrían mono de actuar, o que querían calentar motores. Sí, calentar, porque su actuación oficial era la noche de sábado. Eran el plato fuerte –fortísimo, de hecho las estrellas, junto al irlandés Van Morrison– del cartel de este gran Primavera Sound que nos trae cada año un elenco de grandes y/o interesantes nombres -eso sí, indies la mayoría-. img_agarcia_20170601-220932_imagenes_lv_propias_agarcia_prima_5-kavg-u423124939560ndd-992x558lavanguardia-webLas 20:30 horas del pasado viernes. Los canadienses saltan al escenario y yo a escasos metros trabajando. Tal como suena. Tierra trágame. Ni siquiera pensaba molestarme en dejarme caer por allí esa noche de sábado: Todas las entradas de día -90 euros- más que vendidas y con este desconocido e irrelevante grupo indie aún con más razón.

Desde luego Barcelona no podrá quejarse. Me entero y me asalta la sorpresa, el pánico y la sensación de que soy tonto del culo al saber que los canadienses han sacado nuevo álbum en el 2017 -¡¡¡¿¿¿Cúando cojones???!!!, primera noticia que tengo-. Ah, bien, resulta que tienen el detalle de sacar el single este mismo 2 de junio junto con su salto al escenario del Primavera Sound. Hostia, esto es muy fuerte, y por eso digo y pienso que es de agradecer. Presentan un nuevo tema, Everything Now, que da nombre al nuevo disco, y que saldrá este próximo 28 de julio. La prestigiosa web pitchfork.com nos lo cuenta. Barcelona otra vez, después de que tuvieran el detalle y la deferencia de dejarse caer por el Razzmatazz en 2016 para dar un sublime concierto que tenían “pendiente”. Esto no lo hace cualquiera, y mucho menos alguien de su “caché”. Hay que decir también que ese detalle tan guay respecto a Barcelona y el Primavera Sound era un lanzamiento comercial y promocional en toda regla, no nos engañemos: Business is business, y los chicos iban ataviados con una sudadera negra para anunciar disco y tema homónimos.

Bien, vamos al tajo: Everything Now es un tema bastante comercial, con esa pulsión absolutamente bailable a la que nos tienen acostumbrados últimamente, sobre todo en su último trabajo hasta la fecha, Reflektor. Un estribillo repetitivo e intenso hecho con una descarada intención: resultar adictivo y engancharnos. ¿Y…? Engancha, desde luego que consigue atraparte. Pero lo importante es que es un tema que resiste 10 o 20 escuchas sin resentirse, flaquear o sembrar dudas. Posee ese ritmo imparable y esa intensidad embriagadora que ya atesoran todos los grandes hits del grupo. Prueba empírica -requiere varias escuchas, mínimo tres…-. Ahora me encuentro con que han suprimido el vídeo original de esa tarde, así que me veo obligado a poner éste (en Francia, ya el 5 de junio)…

Llamadme loco, pero en algunos momentos de este Everything Now noto trazas -cual enólogo- de algo a priori tan sorprendente como los superclásicos suecos del pop ABBA. Sería una absoluta extravagancia si me hubiera sucedido una vez. Pero ya van dos. Hay algunos pasajes de su gran We Exist que también me recordaron -tras mucho cavilar- a los suecos. We Exist, aquí en directo algo desdibujada…

Y cuando decía grandes clásicos del grupo con ritmno imparable tenía en mente temas tan buenos como éste…

Y vaya, ya para finalizar. Me quedé por un momento gratamente sorprendido al pensar que los canadienses habían versionado el magnífico tema Creature Comfort del grupo Woods…Pero no, resulta que es una mera coincidencia en el título y que es otro de los absolutos trallazos de su inminente nuevo disco. Súbete rápido al tren o se te va a escapar. El tema, visto y oído de lejos y de cerca…

Un buen tema con bastante fuerza. Y así fue como estos señores aparecieron por sorpresa en el Primavera Sound. No puedo ser objetivo e imparcial: Me ganaron y conquistaron después de unos cuantos años de no hacerles ni caso y oír su nombre como el que oye llover. Menos mal que puse remedio a esa imperdonable negligencia. Arcade Fire, esplendoroso presente y -esperemos que- también futuro. Álbumes en verdad trufados de grandes e impagables canciones.

SETLIST
Intro (Everything Now slow)
Everything Now
No Cars Go
Ready to Start
We Exist
Creature Comfort
Rebellion (Lies)

Enlace a esa actuación completa.

Lo grande, a mi juicio, es que saltaran por sorpresa a un pequeño e inesperado escenario adelantándose a su anunciada actuación del sábado, que mágicamente aparece haciendo clic aquí.

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David Bowie: Wild Is The Wind

bowie_wildisthewindUna de las canciones más bellas y que personalmente más me han cautivado, de las interpretadas por El Gran Duque Blanco a lo largo de su carrera, resulta que no es una composición suya. Wild Is The Wind es precisamente la única canción no firmada por David Bowie en el LP en el que está contenida, Station to Station.

El Gran Duque Blanco, el Duque Blanco o, para ser más exactos -y en su apelativo en inglés- The Thin White Duke fue el pseudónimo que precisamente adoptó y estrenó con el álbum Station to Station. Pseudónimo, imagen, personaje, alter ego e identidad, dejando así atrás la anterior caracterización encarnada en otra etapa de su camaleónica carrera: Ziggy Stardust. A Ziggy lo dio por finiquitado en un concierto el 3 de julio de 1973 en el Hammersmith Odeon de Londres. Ziggy era un personaje andrógino pero a la vez ambiguo, con mucha feminidad incorporada a su masculinidad, y a la vez colorido y provisto de glamour y provocación…david-bowie-aladdin-sane-ziggy-stardust73-5-7-00220-20sq20201620embed123360226_01Este personaje aparecería principalmente en el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (quinto álbum de estudio, 1972), pero también aunque de forma no tan obvia por ejemplo en Diamond Dogs (octavo álbum de estudio, 1974).

En cambio, y tras abandonar a ese engendro, esa alien rock star mensajera de seres extraterrestres, El Delgado Duque Blanco“The Thin White Duke”– se caracterizó por ir vestido con una camisa blanca impecablemente planchada, pantalones negros y chaleco -de hecho, vestuario en la onda del cabaret- y un pulcro corte de pelo, aparentando ser mucho más masculino que Ziggy. Sin embargo, esta “persona” adoptada por Bowie -1975 y 1976, surgiendo ya con el álbum Young Americans– no estuvo exenta de polémica…350px-david_bowie_1976david-bowie-65-page4026c44143557fa6fbac79abfe9454d5517422-dans-les-annees-70-david-bowie-entre-637x0-4De sus declaraciones a la prensa, comportamiento, puesta en escena y personificación de esa identidad adoptada, se desprendían actitudes simpatizantes y afines al fascismo, el nazismo y el Tercer Reich. Como ejemplo…

“Me encantaría ser primer ministro. Y creo profundamente en el fascismo… Sueño con comprar empresas y cadenas de televisión, poseerlas y controlarlas.”

No solamente eso. También gusto por el ocultismo, por la mitología que envolvía y rodeaba al nazismo (la sociedad secreta Thule o Vril), coleccionaba objetos del antiguo Egipto y protagonizó una serie de extraños comportamientos, creencias y “manías” que están recogidas en algunos medios. Esa fascinación por el nazismo le llevó a afirmar que Hitler fue en realidad uno de los primeros artistas rock de la historia, y a tener libros sobre el tema. De hecho el personaje del Delgado Duque Blanco viene a ser una representación del arquetipo o superhombre ario descrito por Nietzsche. La controversia envolvió a este personaje de Bowie, tal como nos explica con más detalle un artículo de la web Efe Eme.com. En su regreso a Inglaterra tras pasar un tiempo fuera, saludó a sus fans subido en un automóvil con el brazo derecho levantado, lo cual fue interpretado como un saludo nazi. Captado por un fotógrado y difundida la historia por el NME, la polémica no se hizo esperar…bowie-25-10-12-bbowie-25-10-12-aQuedará para el debate cúanto de declaraciones o actitudes sinceras y auténticas pudo haber, y cúanto de representación teatral y pura escenificación de un show dentro y fuera de los escenarios. Bowie se disculpó y desmarcó años más tarde por ese “comportamiento errático”, alegando que no recordaba nada de las sesiones de grabación del Station to Station, y que su personaje entre otras cosas era “A very Aryan, fascist type; a would-be romantic with absolutely no emotion at all but who spouted -escupía, soltaba- a lot of neo-romance” “a nasty character indeed”. Incluso afirmó que llegó a tener dudas sobre su salud mental y que fue una época peligrosa de su vida, debido al consumo astronómico de drogas duras, especialmente la cocaína. Iggy Pop también abundó en que no estaba demasiado “equilibrado” psicológicamente…

Y dentro de todo este contexto realmente teatral e intenso, y probablemente intoxicado por este peculiar personaje -y tantas sustancias-, surgió este álbum, el décimo de estudio de su carrera, en 1976. Station to Station está considerado un álbum de transición, entre el soul y el funk de su anterior trabajo, Young Americans, y la considerada “trilogía de Berlín”: “Low” (1975), “Heroes” (1977) y “Lodger” (1979), con propuestas electrónicas y de la mano de Brian Eno.  2010-davidbowie0000000022842La fotografía de la portada está extraída del film The Man Who Fell to Earth, que acababa de protagonizar. Un trabajo donde se recogen las influencias ejercidas por bandas germánicas de música electrónica tales como Neu!Kraftwerk o Can. Se iniciaba una incursión en el sonido de sintetizadores y en lo que se conoce como “motorik rhythms”, o los ritmos empleados precisamente por las bandas alemanas de krautrock.

La propia canción -un largo tema originalmente de más de 10 minutos- es deudora del rock progresivo y muestra un desarrollo que va de menos a más, con ritmos y melodías cambiantes. Un tema espectacular y fascinante que podemos recordar aquí y del que también hay que decir que estuvo incluido en la banda sonora de la película Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo (en español Yo, Cristina F). En esta durísima producción germana de 1981 se describe la escena del Berlín occidental de los años 70. Christiane es una joven adolescente -13 años- que acaba enganchada a la heroína, que ve a muchos de sus amigos morir de sobredosis y que acaba prostituyéndose para pagarse los chutes. Ella es fan de Bowie y asiste a un concierto del cantante, que por tanto aparece en el film y precisamente interpreta la canción Station to Station . Aquí tenemos un vídeo de ese fragmento, aunque tengo que avisar: Es sórdido y durísimo, ya que se les ve inyectándose droga.r-303280-1138383673-jpeg49873105La banda sonora está integrada totalmente por temas de Bowie, conteniendo 3 cortes del álbum que hoy nos ocupa. He de decir que tengo todavía la cinta de cassette y que también vi en el cine la película.

Y he aquí que Station to Station, que alcanzó el top 5 tanto en los USA como en Gran Bretaña, que lanzó como single uno de los mejores temas de Bowie, Golden Years, y que la revista Rolling Stone incluyó en su lista “the 500 greatest albums of all time”, nos reservaba una sorpresa al incluir la canción Wild Is The Wind.

Los créditos del tema vienen firmados por Dimitri TiomkinNed Washington, y podría encuadrarse su estilo en el denominado blue-eyed soul, del que se habló aquí un día.

El currículum profesional y musical de Dimitri Tiomkin es realmente extenso y espectacular. Este compositor y director de orquesta (1894-1979) nacido en Kremenchuk -la Rusia imperial, actualmente Ucrania- y nacionalizado años más tarde estadounidense, escribió infinidad de temas y bandas sonoras para el cine norteamericano, y muy especialmente para las películas de western. Así podríamos citar Duel in the Sun, Red River, High Noon, The Big Sky, Gunfight at the O.K. Corral Last Train from Gun Hill. Ni más ni menos que 22 nominaciones a los Oscar, llevándose 4 estatuillas, una de ellas por ejemplo para un tema tan conocido como “The Ballad of High Noon”, también conocida como “Do Not Forsake Me O My Darling’” e interpretada por Tex Ritter. En esta canción merecedora de Oscar también encontramos a Ned Washington, pues fueron muchas las veces en que colaboraron y se llevaron premios conjuntamente. No deja de resultarme muy curioso cómo un compositor ruso pudo integrarse y producir tantísimos temas para el género western, con un éxito y un reconocimiento tan notables.

Os invito a hacer una interesantísima incursión en YouTube para investigar dichos temas y bandas sonoras. Descubriremos que hemos escuchado la inmensa mayoría de estos temas para películas clásicas del cine western. Sirvan como ejemplo las célebres Gunfight at the O.K. CorralDuel in the Sun o The Alamo. Respecto a este último film y soundtrack debo hacer un apunte: En su última entrada hasta la fecha, Julia Fern nos traía a la memoria el tema Greenfields interpretado por un cuarteto llamado The Brothers Four. Un tema popularizado en España entre otros por Jose Guardiola o el Dúo Dinámico con el título Verdes Campiñas. Pero otro gran éxito de The Brothers Four fue el tema The Green Leaves of Summer. Y aquí llega la conexión: Esta canción, también versionada por artistas españoles, es la incluida en la banda sonora de ese film, The Alamo, y compuesta, no podía ser de otra forma…por Dimitri Tiomkin.tiomkin-dimitri-01-g910261dt111lf18fef4e081c31f0be1113cfa540e7d6Tiomkin, educado en el Conservatorio de San Petersburgo, y mentor entre otros de Sergei ProkofievDmitri Shostakovich, acabaría marchándose a Berlín y más tarde a París en busca de mayores oportunidades profesionales. En 1925 recibió, junto a su compañero de dúos al piano Michael Khariton, una oferta de un productor de Nueva York, y así daría el salto a América. Al cabo de unos años sería Frank Capra el que le llamaría para componer la banda sonora del film Lost Horizon, y eso le abriría las puertas de Hollywood…

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Dimitri Tiomkin y Michael Khariton hacia 1925

Un monstruo de tal calibre en la composición de bandas sonoras merecería por sí mismo una entrada, ya que esto han sido solo 4 pinceladas de su increíble carrera. Baste añadir que también compuso las bandas sonoras de películas tan emblemáticas como Giant, Cyrano de Bergerac, The Fall of the Roman Empire, The Guns of Navarone, 55 Days at Pekin…además de trabajar 4 veces para el maestro Hitchcock: Shadow of a Doubt, Strangers on a Train, I Confess y Dial M for Murder.

En cuanto a Ned Washington (1901-1976) hay que decir que fue un letrista de canciones norteamericano. También estuvo nominado varias veces -once- a los Oscar, y se llevó la estatuilla en dos ocasiones: Por un tema incluido en la película Pinocchio de 1952 y otra por la mencionada “The Ballad of High Noon” (Do Not Forsake Me, Oh My Darlin’) junto a Tiomkin. Trabajaron juntos en varios temas incluidos en bandas sonoras.

ned_washington-1-sm-d200139126fbc1d50efe9c8403fda0cd39175Y justamente una de esas colaboraciones fue en el tema Wild Is The Wind. Hablamos de la película del mismo título, dirigida en 1957 por George Cukor e interpretada por Anna Magnani, Anthony Quinn y Anthony Franciosa. La canción, en esa versión primigenia, fue interpretada por Johnny Mathis.220px-poster_of_the_movie_wild_is_the_windUna canción que ha sido bastante versionada. Y de todas esas versiones me quedo sin duda alguna con la que para mí es la más bella, lírica y profunda: La del Gran Duque Blanco, aprendiz de personaje fascistoide pero músico, intérprete y cantante descomunal. Aunque voy a puntualizar que ésta es una gran interpretación en directo para la BBC, pero normalmente soy muy purista y esta vez también: Me quedo con la versión en estudio.

Una canción que ha sido bastante versionada…De aquí que vayamos a repasar ahora algunas de esas aproximaciones. Entrada de versiones sin avisar, puesto que siempre focalizaré la entrada en mi preferida, en este caso la de Bowie. Antes de que la atacara el intérprete de Heroes, la versión que más eco obtendría de este tema de Tiomkin/Washington fue la de Nina Simone, que grabó la canción dos veces: Para el álbum en vivo Nina Simone at Town Hall (1959) y para el disco -esto ya empieza a repetirse- Wild Is the Wind (1966)…

Hay que decir que la versión original en el álbum dura 6:56 minutos. Y vamos a rizar el rizo: La actriz Zoe Saldana encarna e Nina Simone en la película biográfica Nina (2016). ¡¡Bingo!! Aquí tenemos nuestro tema de hoy. Zoe me ha parecido sensacional en todos los sentidos, sí señor…

Otra gran versión es la de la cantante indie Cat Power

El desaparecido George Michael también ataca la canción, con toda una orquesta respaldándole…

Una aproximación muy interesante es la de la bajista de jazz y cantante norteamericana Esperanza Spalding. Aquí la tenemos con el tema en directo en San Sebastián, año 2009…

Y todavía podemos encontrar unas cuantas versiones más. Por ejemplo las del grupo de dream pop Bat For Lashes, la de Xiu Xiu, la de Joanne Shaw Taylor (gran versión de la guitarrista británica de blues rock, aquí el tema en directo) o la de Randy Crawford (muy buena, toque jazzy). Pero esta entrada no estaría del todo completa ni sería justo del todo si no incluyéramos esta versión: La primera de todas. Johnny Mathis para esa película homónima de 1957. Mathis pone el punto final…

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Daniel Romano: Ugly Human Heart Pt. 1 / Modern Pressure

Aquí el que no corre vuela. Y yo he volado –like an eagle, like Steve Miller– y corrido raudo -como un avestruz o un ñandú- y ya obra en mi poder el nuevo trabajo de Daniel Romano, el gamberro musical más iconoclasta, el rocker country más imprevisible y que mezcla numerosos estilos e influencias en su particular batidora.

Y ya lo estoy disfrutando y degustando, esta misma tarde. Publicado este pasado 19 de mayo, contiene excelentes temas, algunos de los cuales ya pudimos saborear como adelantos: La bonita Roya o ese puntazo yeyé –¡¡Yeah yeah!!– y beat que es When I Learned Your Name. Riffs guitarreros that are very great y que son ciertamente adictivos.

Me ha sorprendido un poco y quizá decepcionado -y no es por criticar- que tras aparecer esta hermosa imagen en la web canadiense exclaim.ca, tan psicodélica y bien parida, con esas dos fotografías superpuestas, de lo que parecía sería sin lugar a dudas la portada del disco…romano2017…me encuentro ahora con otra portada diferente. Pero existe una explicación: La anterior portada pertenece al disco publicado a través del sello You’ve Changed Records, mientras que la que desconocía hasta ahora es la que luce el trabajo pero editado esta vez por el sello New West Records164215También psicodélica -por los colores- y con sabor vintage, no puedo evitar recordar por ejemplo los créditos de las películas de James Bond, o -no sé por qué- me hace pensar por la forma en un cucurucho de palomitas. Cinematográfico en ambos casos.

Y vintage también es el sonido de Daniel Romano. Inconfundible su voz y su estilo, a su vez amalgama de muchas cosas y lienzo con innumerables, sorprendentes y variadas pinceladas. Ugly Human Heart Pt. 1 es el corte -breve, tiene un hermanito más adelante- que abre el disco. Ahí va, “mezclado, no agitado”, -ya que mencioné a Bond, hagámosle un guiño- un poco de psicodelia, de pop, de aires retros y de rock con aromas cuasi rockabillies. Y si lleva aceituna debe ser ese teclado, esos riffs y ese ritmo juguetón de la percusión. Esto es un divertido y excitante viaje en la montaña rusa, mejor agarrarse…

A continuación viene el corte que da título al álbum. Una melodía nada fácil ni evidente, pero por la que se asoman aires de grandeza épica y la belleza que este hombre sabe evocar. El vídeo en cuestión fue de hecho también adelantado a la publicación del disco, el pasado día 12. Esto significa que ya pude disfrutarlo y que ahora el cóctel me gusta mucho más, tras darle unos cuantos sorbos. Toques de viento -¿trompetas?-, arreglos cuidados y esa belleza melódica que le imprime Romano a sus composiciones. Dos tragos por hoy son suficientes, muy probablemente vendremos con más. Cosette Schulz nos disecciona un poco el menú en la mencionada web canadiense.

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Lloyd Cole and The Commotions: Rattlesnakes

Quizá suene algo exagerado, o quizá esta apreciación sea totalmente subjetiva -aunque por otro lado, podría andar no tan alejada de la realidad- pero creo que Rattlesnakes -tanto el disco completo como la magnífica canción que le da título- es una de las obras musicales más bellas y destacadas de toda la década de los 80. Quizá no importante, quizá no decisiva ni influyente…pero para mí fue un flechazo absoluto, un álbum que me atrapó de principio a fin y que he escuchado innumerables veces. Una colección de grandísimas canciones, “empezando” -aunque sea el tercer corte- por esta Serpientes de Cascabel que es todo un portento de composición, instrumentación y sonoridad.rattlesnakesCole, nacido en el condado inglés de Derbyshire, formó la banda en 1982, mientras era estudiante de la Universidad de Glasgow, en Escocia. La formación la componían el propio Cole -cantante, guitarras, compositor y letrista-, Neil Clark como guitarra, Lawrence Donegan como bajista, Stephen Irvine en la batería y Blair Cowan como teclista…

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La banda en 1984. De izquierda a derecha: El batería Stephen Irvine, Lloyd Cole -de pie-, el teclista Blair Cowan, el bajista Lawrence Donegan -de pie- y el guitarrista Neil Clark

En 1984 editan este magnífico trabajo, de hecho uno de los debuts más brillantes de toda la década de los 80. La mayor parte de la crítica recibió el álbum con valoraciones muy positivas y elogios, y casi podríamos decir que los años lo han puesto en su merecido lugar y que puede verse como un disco de culto. La publicación Sounds dijo del disco que “Rattlesnakes es un maravilloso LP, el más refrescante y hermoso trozo de oro extraído de Escocia en años…”. El NME le lanzó estas flores: “¿Hay alguien a quien no le guste Cole y sus compinches, que han hecho un álbum de suave blues-funk sureño, burlón sobre sí mismo, inofensivo y magníficamente equilibrado? Cada canción es instantáneamente memorable”. Además este medio acabaría incluyendo al disco en el Top 100 de los mejores álbumes de todos los tiempos, por algo será. En los EEUU la publicación Spin afirmaba que “Lloyd Cole & The Commotions son la nueva banda más interesante desde Jonathan Richman y los Modern Lovers, y Rattlesnakes es un brillante primer álbum… Este es el primer álbum que he oído últimamente que rechaza la banalidad del techno-pop en la que hemos estado ahogándonos…”. La revista Rolling Stone opinaba que “mucha parte de Rattlesnakes suena como Lou Reed, Tom Verlaine y Bob Dylan…”. O por ejemplo Allmusic denominaba al disco “uno de los mejores álbumes de debut de los años 80”, y afirmaba que “Rattlesnakes es una obra maestra de rock universitario de letras inteligentes e irónicas, con empáticas melodías basadas en el folk-rock”. Estos son algunos ejemplos. Hay más valoraciones, no todas tan entusiastas. (Citas extraídas de este gran artículo).lc2b25262bcs2b-2brattlesnakes2bvideo2bshoot252c2bcharles2bclarkHan salido aquí dos nombres o conceptos que resultan clave y que ayudan a definir el estilo en que se mueve este disco: El techno-pop y Bob Dylan. Por un lado se podría decir muy escuetamente que Lloyd Cole y sus chicos eran un grupo de pop, y el estilo desarrollado por tanto, pop. Pero esto sería demasiado simplista, y sin criminalizar en general al pop, a mí me suena hasta a sacrilegio y no del todo exacto. Se puede argumentar y de hecho se les clasifica como indie pop, música y término que surgieron y se acuñaron a finales de los 70, pero que no cristalizó hasta finales de los 80 y principios de los 90. Pero lo significativo es que Cole y este magnífico Rattlesnakes -y sus otros 2 discos- están bastante lejos de lo que puede entenderse meramente como pop. En una década y en unos momentos en que surgieron infinidad de bandas pop -sobre todo en Reino Unido- estos chicos no tuvieron nada que ver con el sonido dominado por sintetizadores, teclados y efectos, estuvieron en las antípodas de propuestas bañadas de electrónica, de lo que se entiende por techno-pop y ya no digamos de ritmos bailables.0ef08cf708a9fd4b90bead350cee5cc7Cole y sus Commotions practicaron un sonido claramente dominado por las guitarras y los acordes, y no precisamente las eléctricas, sino las acústicas. Por tanto su estilo se puede encuadrar muy bien dentro del pop folk, o mirándolo desde otro punto de vista, se vieron fuertemente influenciados por el folk rock. Incluso en según qué temas y momentos podría hablarse de pop cuasi-country, o se coquetea con éste y hasta con el blues. Sorprende que un grupo de cuño escocés -tan sólo Cole no es nacido allí- consiguiera un sonido y un estilo tan “americano”, o jugando con las palabras, tan cercano al estilo Americana. Y es aquí donde se adivina y donde se entiende perfectamente la alargadísima sombra de Dylan y la influencia ejercida por sus canciones, extremo que el propio Cole siempre ha reconocido:

“If I hadn’t listened to ‘Subterranean Homesick Blues’ I could never have written ‘Perfect Skin’. I was totally drunk on Dylan at the time I wrote that song and all the imagery is deliberately Dylanesque. I thought, ‘why not be blatant -descarado-?’ The only difference is, Dylan would have written a song like ‘Perfect Skin’ in an hour. It took me a week!” 

Aparte de Dylan, Cole también menta entre sus principales influencias al grupo Booker T. & the M.G.’s (“an instrumental R&B/funk band that was influential in shaping the sound of Southern soul and Memphis soul”). Leer esto y escuchar los temas de Cole es entender de golpe muchas cosas. También citó como influencias sus estudios de inglés y filosofía en la citada Universidad de Glasgow, así como referencias literarias: Por ejemplo a la novela Play It As It Lays, escrita por Joan Didion, o a los escritores/pensadores Renata Adler, Simone de Beauvoir y Norman Mailer en sus letras.5a1582de56e5f3eedf5ada492738be89Pero hay más referentes. Como hemos dicho, un sonido alejado de sintetizadores tan en boga en aquellos momentos y dominado en cambio por las guitarras. Así no resulta extraño que a Lloyd Cole and The Commotions se les comparara principalmente por ese rasgo y -salvando diferencias- en estilo y sonoridad a The Smiths y a Echo & The Bunnymen, y que a Cole se le considerara un gurú compositivo como lo eran Morrissey y McCulloch al frente de sus bandas. De hecho Cole y Morrissey eran amigos y éste último manifestó su admiración -que era mutua- por el trabajo de Cole. La canción hoy protagonista recuerda ciertos pasajes del álbum Ocean Rain -también publicado en 1984- de los Echo & The Bunnymen. Efectivamente, Rattlesnakes -el tema- se sustenta en una melodía compacta y con brío, pero a la vez en una hermosa línea instrumental y en unos magníficos arreglos orquestales (el álbum fue producido por Paul Hardiman y de los arreglos de cuerda se encargó Anne Dudley). Una canción que tiene una energía propia, es bella y evocadora y hasta casi nos hace pensar en una road movie, apoyada por las imágenes en movimiento del vídeo oficial.maxresdefault1La verdad es que la forma en que trataron los charts al álbum no hace demasiada justicia a tan magna obra. El disco alcanzó el número 13 en las listas de Reino Unido y sacó como singles los temas Perfect Skin (número 26 en Reino Unido), Forest Fire (número 41 en Reino Unido) y Rattlesnakes (65 en Reino Unido, 31 en Holanda). Buena parte de su éxito se debió precisamente a esa dylaniana Perfect Skin, un ejemplo perfecto de esos luminosos entramados de guitarras setenteras y ese acercamiento al folk acústico, y que le emparenta no solamente al cantautor de Minnesota, sino también a grupos como The Byrds o The Velvet Underground, o gente como Bowie, Bolan o Lou Reed, amén de otras muestras de excelente pop de los 80 a ambos lados del charco: The Blow Monkeys o Prefab Sprout nos valen como muestra, pero hay muchos más.lloyd-cole-and-the-commotions-perfect-skin-remix-polydorY habla el oyente, el aficionado y amante: Para mí está más que claro, un disco que abre fuego con Perfect Skin y encadena con otra gema como Speedboat seguida del Rattlesnakes es poco menos que irresistible. Un disco que se cierra con probablemente la mejor canción de todas, Are You Ready To Be Heartbroken?, es para quitarse el sombrero. Todas las canciones son diferentes, algunas más intimistas y sencillamente preciosas –Patience, Forest Fire…- y otras destilan esa impecable magnificencia y energía –Four Flights o la magnífica Charlotte Street-, pero tienen en común ese gran sonido guitarrero y folkie y esa voz tan peculiar y melosa de Cole.

Nuestro songwriter habla del amor y de los sentimientos, de relaciones, historias de enamoramiento y de situaciones cómicas y divertidas, otras trágicas y otras también tragicómicas. Las canciones de este disco son como bellas estampas impresionistas, según él mismo declaró bastante idealizadas e ingenuas y con una fuerte impronta personal, además de reflejar esas fuertes influencias literarias antes mencionadas. Un álbum que se gestó en un ambiente relajado y armonioso, como se recoge con detalle en algunas crónicas, grabado en los estudios The Garden, al este de Londres (construido por y propiedad del ex-vocalista de Ultravox, John Foxx). El disco se confeccionó en tan solo un año y se grabó en el verano de ese 1984. Incluso algunas canciones se compusieron en tan solo un fin de semana, en el sótano del Glasgow Golf Club, donde trabajaba el padre de Cole y vivía toda la familia.19085033068_bd18b8c5aa_bLa verdadera lástima es que hablamos de un grupo de cortísima carrera y producción: Tan sólo existieron 5 años y editaron 3 álbumes con propiamente material nuevo. Tras la buena acogida de este álbum de debut y la insistencia de la compañía se editó Easy Pieces en 1985, un disco fallido pero que sin embargo alcanzó un éxito mayor y más rápido (número 5 en los charts británicos). Después llegaría el notable Mainstream en 1987, donde se recupera el excelente nivel del primero. Se despedirían con un recopilatorio “Best of”, pero es una formación que tiene un montón de recopilaciones, reediciones o grabaciones en directo. Podemos leer una ágil revisión de estos discos por ejemplo en este artículo.

Tenemos dos revisiones del álbum Rattlesnakes: Una, en la web que he enlazado antes (y en otras entradas): EL RINCÓN DE LA DESCONEXIÓN hace un completo repaso del álbum, de todos sus temas y de las circunstancias que rodearon a su creación. La otra podemos leerla en DMR (discosmusicayreflexiones).

Nos vamos apuntando que Lloyd Cole inició al disolver el grupo una carrera en solitario que le lleva hasta nuestros días. Altibajos creativos y algunos álbumes notables, siempre bastante alejado de los focos mediáticos.lloydcole

Jodie wears a hat
Although it hasn’t rained for six days
She says a girl needs a gun these days
On account of all the rattlesnakes

She looks like Eve Marie Saint
In “On the Waterfront”
She reads Simone de Beauvoir
In her American circumstance

She’s less than sure if her heart has come
To stay in San Jose
And her neverborn child still haunts her
As she speeds down the freeway
As she tries her luck with the traffic police
Out of boredom more than spite
She never finds no trouble, she tries too hard
She’s obvious despite herself

She looks like Eve Marie Saint
In “On the Waterfront”
She says all she needs is therapy
Yes, all you need is love is all you need

Jodie never sleeps cause there are always
Needles in the hay
She says a girl needs a gun these days
On account of all the rattlesnakes

She looks like Eve Marie Saint
In “On the Waterfront”
As she reads Simone de Beauvoir
In her American circumstance
Her heart, heart’s like crazy paving
Upside down and back to front
She says oh, it’s so hard to love
When love was your great disappointment

El vídeo oficial…

La banda en un plató televisivo…

Aquí tenemos dos tomas en directo de la canción. Puesto que, como se ha manifestado, la canción se sustenta en buena parte en unos arreglos de cuerda, estos se echan mucho a faltar en directo, siendo suplidos por sintetizadores y guitarras. Pero a criterio personal, pese a seguir siendo un tema magnífico se pierde toda esa magnificencia sonora. En Munich, un 11 de marzo de 1985…

En un nightclub de Glasgow, en un evento benéfico un 23 de noviembre de 1987…

Nota: Aunque nada tenga que ver con Lloyd Cole, ya he confeccionado esa nueva página –AGENDA– donde doy mi particular visión de la actualidad concertística. Aunque hay que aclarar que no se trata de un mero listado de próximos conciertos.

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